Good Times Bad Times

Into Deep #3 - Il lato perverso del Bubblegum pop

2012-01-29T05:30:00.016+01:00

Verso la metà/fine degli anni '60, soprattutto in America, ma anche nel resto del mondo, cominciò a spopolare un nuovo genere di musica, distantissimo dalle canzoni di protesta o dalle sonorità eteree e psichedeliche tipiche di quegli anni. La cosiddetta "musica da gomma da masticare" era, in effetti, piuttosto banale: accordi semplici, ritmi dritti e ballabili e testi irrisori. Potremmo quasi definirla "musica usa e getta": infatti spesso le case discografiche e i produttori si sbarazzavano dei gruppi, mantenendo però il nome originale. E' il caso dei poveri 1910 Fruitgum Company che nel corso della loro carriera sono diventati due-tre band diverse (una delle quali ha anche sfornato un disco di rock duro, "Hard Ride").

I due "big" della Bubblegum Music sono senza dubbio Jerry Kasenetz e Jeffrey Katz, due produttori talmente abili da far diventare il marchio "Kasenetz-Katz" il vero e proprio simbolo del genere musicale. Il duo fondò la "Super K Production" e produsse praticamente tutti i "big" del genere.

Come abbiamo già detto prima, però, il genere è completamente usa e getta, e il che detta alcune regole fondamentali: una di queste è che il singolo deve contenere una e una sola hit. Il perché è facilmente intuibile: se anche il lato B del singolo diventasse una hit, le vendite calerebbero perché molta gente, avendo comprato il singolo originale, si sarebbe già trovata entrambe le hit. Per cui era necessario che il lato A fosse inequivocabilmente la hit e il lato B il riempitivo. Inizialmente sul lato B veniva piazzato uno strumentale, ma ben presto il gioco si fece molto più perverso. In che modo?

Le B-side delle Super K Productions col tempo sono diventate popolari quasi quanto le A-side (sebbene nessuna di esse sia mai apparsa su CD) per la loro componente eccessivamente bizzarra. Joey Levine, cantante originale degli Ohio Express, ebbe a dire: "Queste non erano decisioni creative, ma semplicemente un modo per permettere a Jeff e Jerry di avere i loro nomi sul disco e godere dei benefici finanziari. Nessuno di loro due sapeva comporre, e questo risolse i problemi".

A volte il lato B è semplicemente la stessa canzone presente sul lato A, ma ascoltata al contrario. Quando questo accade, però, il titolo della B-side fornisce un indizio su questo. Un paio di casi divertenti sono quello degli Ohio Express dove "Bitter Lemon", (limone amaro) è il lato B di "Sweeter Than Sugar" (più dolce dello zucchero) e nel singolo del 1969 dei The Music Explosion dove il lato A è "What's Your Name?" (come ti chiami?) e il lato B è "Call Me Anything" (chiamami come ti pare). Solo in rari casi, come nel caso di "Duba Duba Doo" dei Professor Morrison's Lollipop (lato B di "Angela"), il titolo è apparentemente innocuo.
Ci sono altri casi, però, degni di nota.

Ohio Express - Zig Zag
(Kasenetz/Katz)
B-side di:"Yummy Yummy Yummy", Buddah/Buddha 38
Maggio 1968

"Yummy Yummy Yummy" è senza dubbio il brano di Bubblegum music più popolare in assoluto (in Italia venne tradotto da I Ribelli nello stesso anno) e spesso viene citato nella cultura popolare (c'è una esilarante gag dei Simpson dove Homer, nel 1969, si perde la diretta del primo uomo sulla luna perché sta ascoltando il 45 giri del brano in cuffia). Il motivo per cui questa canzone è tornata alla ribalta è che il testo, incredibilmente cretino, pare alludere involontariamente al sesso orale. Ciò che a noi interessa però è il suo lato B, l'altrettanto notevole "Zig Zag".

A Kasenetz e Katz "Yummy Yummy Yummy" piacque così tanto che decisero di usare direttamente la versione demo su singolo in modo da poterla vendere il più presto possibile. Tuttavia, gli Ohio Express non avevano ancora registrato un lato B per il singolo, per cui i due produttori utilizzarono la backing track strumentale di un brano dei 1910 Fruitgum Company intitolato "(Poor Old) Mr. Jensen" , un pezzo incredibilmente triste e cupo per un gruppo Bubblegum.
Non contenti di tutto ciò, però, lo incisero anche al contrario. Il risultato è un qualcosa che si avvicina molto alla colonna sonora di un incubo, e risulta involontariamente psichedelico.

Per chi fosse curioso di sapere come suoni una volta portato nella direzione giusta ecco qua.

1910 Fruitgum Company - Sticky Sticky
(Kasenetz/Katz)
B-side di:"1, 2, 3, Red Light", Buddah 54
Luglio 1968

"Sticky Sticky" non è un brano al contrario, eppure riesce ad essere incredibilmente notevole lo stesso. Si tratta di un coro sempre più stonato e sguaiato che ripete il titolo della canzone su un accompagnamento minimale, consistente di pianoforte e battiti di mani. A rendere il tutto più divertente: la qualità bassa della registrazione e il finale improvviso del brano, a sottolineare la noncuranza con cui venivano sfornate le B-side. Un brano modello!

Kasenetz-Katz Super Cirkus - To You, With Love
(Levine/Resnick/Kasenetz/Katz)
B-side di:"I'm In Love With You", Buddah 82
Gennaio 1969

Posso solo immaginare le grida di terrore, i pianti isterici e gli attacchi di panico dei bambini e delle ragazzine che nel Gennaio del 1969 dopo aver ballato e sospirato sulla stucchevole e zuccherosa "I'm In Love With You" con molta nonchalance hanno messo la puntina del giradischi sul lato B del singolo, intitolato molto romanticamente "To You, With Love".
Attenzione: è una trappola!!! Se "Zig Zag" è la colonna sonora di un incubo, "To You, With Love" è direttamente la colonna sonora dell'inferno.

Cosa mai sono questi suoni? Un malato terminale depresso e posseduto dal demonio che urla frasi in linguaggi antichi? Un microfono infilato nel colon di qualcuno che cattura i vari suoni intestinali? L'apocalisse stampata sui microsolchi?

Niente di tutto questo: "To You, With Love" è semplicemente un frammento di "I'm In Love With You" registrato al contrario e a velocità dimezzata. Ora che il trucco è stato svelato sicuramente perde un po' di fascino, ma il risultato finale resta agghiacciante!

1910 Fruitgum Company - Pow Wow
(Kasenetz/Katz/Gutkowski)
B-side di:"Indian Giver", Buddah 91
Gennaio 1969

"Indian Giver", a dire il vero, è uno dei pochi brani Bubblegum pop che potrebbe avere ancora qualche valore storico, se non altro perché al giorno d'oggi un singolo del genere causerebbe sicuramente qualche controversia. "Indian giver" è infatti un termine dispregiativo che indica chi regala qualcosa per poi riprenderselo, e la canzone (che ha il merito di essere abbastanza orecchiabile senza essere eccessivamente irritante), oltre a stereotipare gli Indiani nel titolo, ne fa anche una parodia musicale con tanto di ritmi di batteria indiani e un giro di piano che sembra ricordare la danza della pioggia.
A peggiorare le cose, il brano presente sul lato B si intitola "Pow Wow", ed è un termine che un indica raduno di nativi del Nord America che gli Americani all'epoca usavano in maniera negativa per burlarsi della parlata Indiana.

A delle orecchie inesperte, "Pow Wow" potrebbe suonare come la parodia di un canto Indiano, ma in realtà è chiaramente un brano registrato al contrario. Questo è un caso particolarmente interessante, perché la canzone incisa al contrario è un inedito intitolato "Bring Back Howdy Doody" (Howdy Doody era uno show televisivo per bambini degli anni 50), scritto da Steve Dworkin e Gary Willet. Dworkin, di recente su internet ha raccontato le origini del brano:

"Nel 1969 ero un compositore/produttore alla Super K Productions. Scrissi "Bring Back Howdy Doody" per scherzo, senza aspettarmi che Kasenetz e Katz decidessero di usarla. Ad un certo punto, K e K mandarono me e il mio partner Gary Wallet in studio di registrazione per registrare quanti più singoli brutti potessimo in un giorno solo, tra cui "Bring Back Howdy Doody". Io e Gary registrammo tutto da soli agli A-One Studios di New York, con lui alle tastiere, io alla batteria e alla voce solista e entrambi ai cori. Credetemi, se avessimo saputo che sarebbe stata pubblicata avremmo fatto un lavoro migliore! Più avanti mi trovavo in ufficio quando arrivarono le prime copie di "Indian Giver". Misi su il lato B perché sapevo che lì la Super K spesso metteva cose senza senso o scherzi. Riconobbi subito la nostra registrazione di "Bring Back Howdy Doody" e ci incazzammo pure un pochino perché non ricevemmo nessun tipo di credito! Alcuni DJ, però, quando seppero che "Pow Wow" era in realtà una canzone su Howdy Doody cominciarono a trasmetterla per radio. Quando Kasenetz e Katz vennero a conoscenza della cosa portarono un gruppo in studio di registrazione e gli fecero registrare una nuova versione del brano. Pensai che avrebbero fatto meglio a renderla un po' più progressive perché i bambini che ascoltavano la bubblegum music in quel momento non sapevano chi fosse Howdy Doody, però non venni coinvolto nella registrazione del singolo"

(se siete curiosi di sentire il resto della storia cliccate su questo sito).

Frank Zappa II 2.0

2011-12-21T00:00:00.026+01:00

Come sicuramente tutti i frequentatori di questo blog sanno, ogni anno, nella data di nascita (e nell'anniversario di morte) di Frank Zappa (se oggi fosse ancora in vita compirebbe 71 anni) faccio un editoriale o un articolo che lo riguardi. L'anno scorso, in questa data, ho completato una lista delle pubblicazioni postume di Zappa edite dallo ZFT (Zappa Family Trust). L'articolo è tutt'ora reperibile su questo blog.

In questo periodo di tempo sono usciti, tuttavia, alcune nuove pubblicazioni. Questo articolo va quindi considerato un appendice all'articolo precedente.

The Frank Zappa AAAFNRAAAA Birthday Bundle (Zappa Records/iTunes)
Data di pubblicazione: 20 Dicembre 2010

Evidentemente il loro è masochismo, se continuano a pubblicare cose del genere. Come già annunciato nell'altro articolo i Birthday Bundle sono la cosa meno amata in assoluto dai fan, e persistere con queste pubblicazioni assolutamente inutili è una cosa semplicemente senza senso. Se non altro, questa volta, le selezioni sembrano avere un criterio logico, ovvero il lato chitarristico di Zappa. Ottime sono, infatti, le versioni di "Treacherous Cretins", "City of Tiny Lights" e "Stairway To Heaven", con un arrangiamento radicalmente diverso rispetto a quello pubblicato su "The Best Band You Never Heard In Your Life". Ancora una volta, però, ci sono parecchi dubbi: c'era davvero bisogno di un'altra versione di "My Guitar Wants to Kill Your Mama"? E perché "City Of Tiny Lights" viene dagli stessi live che hanno prodotto "Hammersmith Odeon" (album pubblicato appena una mese prima, che contiene una versione diversa, ma similissima del brano)? Non erano disponibili altre versioni? "Questions, Questions, Questions, flooding into the mind of the concerned young person today" avrebbe commentato lo stesso Zappa. E' impossibile non rimanere alquanto confusi davanti a pubblicazioni del genere. A tutto ciò si aggiunge una seconda fregatura: mentre nei due Bundle precedenti era possibile acquistare solo i brani di Zappa, in questo non è possibile comprare "Stairway To Heaven" senza il resto del pacchetto. Tuttavia dal punto di vista musicale è quello più soddisfacente e quindi è l'unico a raggiungere la sufficienza, seppur tirata.
Prendendo i brani del solo Zappa dei tre pacchetti è possibile creare un'interessante compilation di 80 minuti che sarebbe senz'altro più apprezzata. Ma, conoscendo lo ZFT, tale pubblicazione non avverrà mai. Non nella maniera qui descritta, almeno.

Voto: 6

Penguin In Bondage/The Little Known History Of The Mothers Of Invention (Zappa Records/iTunes)
Data di pubblicazione: 10 Maggio 2011

Simpatica trovata dello ZFT: il giorno della festa della mamma hanno fatto uscire un piccolo bonus su Itunes di 20 minuti tratto dal concerto dell'11 Maggio 1974 all'Auditorium Theater di Chicago. Il contenuto di questo piccolo EP consiste in un eccellente versione di "Penguin in Bondage" (spettacolare l'assolo di Zappa) e un racconto dettagliato (e un po' nostalgico) di Zappa sullo Studio Z, il leggendario studio di registrazione nel quale il giovanissimo Frank ha cominciato a muovere i primi passi nei primi anni 60. Sul finale Zappa comincia ad improvvisare un assolo, ma purtroppo la registrazione finisce poco dopo. Iniziativa non essenziale, ma senza dubbio più godibile degli inutili (e costosi) Birthday Bundle. Spero che questo EP sia un sampler di qualche futura pubblicazione di questo concerto: si tratta di un periodo transitorio e particolare nel quale nella formazione mancava Ruth Underwood (percussioni), ma vi erano Don Preston (tastiere) e Jeff Simmons (chitarra).

Voto: 7

Feeding The Monkies At Ma Maison (Zappa Records ZR20012)
Data di pubblicazione: 22 Settembre 2011

Interessante pubblicazione. Stando a quanto detto dallo ZFT, questo album è un disco inedito di Zappa che sarebbe dovuto uscire intorno al 1985-86. In effetti, molto materiale presente su questo disco suona come un secondo LP di "Jazz From Hell". E' bene precisare che questo disco è stato tutto registrato al synclavier. In effetti era doveroso, dopo tante pubblicazioni live, dedicarne almeno una al giocattolo preferito di Frank negli anni 80. Si tratta di un disco affascinante, che raccoglie tre composizioni inedite e due che in seguito finiranno in versioni radicalmente diverse su quel vero e proprio epitaffio di Frank Zappa che sarà "Civilization Phaze III"
(del quale potete trovare una recensione su questo stesso blog). Partiamo dai due brani già editi: si tratta di "Buffalo Voice" e "Secular Humanism". E' molto interessare comparare queste "early versions", non solo perché mancano dell'atmosfera così tetra che si respirava su "Civilization Phaze III" (anche se "Buffalo Voice" un po' di brividi li mette comunque), ma anche perché entrambe sono lunghe più del doppio rispetto alle loro versioni ufficiali. Indubbiamente, le versioni pubblicate sul disco del 1993 sono superiori a queste, ma è comunque bello poter sentire la genesi di due brani molto interessanti.
Veniamo ai tre brani inediti: la title-track, "Worms From Hell" e "Samba Funk". In realtà, ai collezionisti, questi tre brani saranno abbastanza conosciuti: la prima fa parte di un secondo disco inedito per synclavier di Zappa intitolato "Resolver + Brutality" a nome "Resolver ED.", un brevissimo accenno della seconda si sente all'inizio della VHS "Video from Hell" (che prima o poi sarà cosa buona e giusta pubblicare in DVD) e partiture della terza erano disponibili da tempo (venne infatti suonata dal Ensemble Ascolta a Berlino nel 2007 assieme ad un altro inedito che si spera prima o poi venga alla luce: "Overture to Uncle Sam"), ma una versione ufficiale di Zappa non si era mai sentita prima. Delle tre, la title-track si muove su un groove lento che ricorda molto quello di "Porn Wars" e "H.R. 2911" sull'album "Frank Zappa Meets The Mothers Of Prevention" (e infatti l'intero "Resolver + Brutality" sembrava essere una versione estesa di "Porn Wars"), "Worms From Hell" ha un titolo molto appropriato con un incidere disarticolato e strisciante e "Samba Funk" (ben lungi dall'essere una samba) è la più melodica del disco e una sua versione orchestrale non avrebbe certo sfigurato su "The Yellow Shark". Sicuramente non è per tutti, visto che non tutti apprezzano gli esperimenti di Zappa al synclavier, ma per gli amanti del genere, questo disco sicuramente aprirà nuove porte. Inoltre, come già affermato sopra, era ora che lo ZFT pubblicasse un disco per synclavier. E poi... non è bello, dopo 17 anni dalla sua morte, riuscire ad ascoltare comunque nuove composizioni di Frank Zappa?

Voto: 7/8

Carnegie Hall (Vaulternative Records VR2011-1)
Data di pubblicazione: 17 Novembre 2011

Eccellente cofanetto di 4 CD contenente i due concerti tenutosi alla Carnegie Hall l'11 Ottobre 1971 (early e late show). Nonostante la qualità audio sia in mono (i concerti sono stati registrati con un solo microfono presente sul palco), la qualità audio è eccellente e cristallina. Questo periodo della carriera di Zappa spesso si attira molte antipatie da parte di alcuni fan, soprattutto a causa della presenza di Flo & Eddie (ovvero Mark Wolman e Howard Kaylan dei Turtles), due tra i personaggi più controversi tra i membri delle band di Zappa. Ma bisogna ammettere che da un punto di vista tecnico questi due ci sapevano fare perfettamente e che il gruppo (che conteneva fra gli altri Aynsley Dunbar alla batteria e Don Preston alle tastiere) era decisamente solido e preparato. Per chi ha voglia rivalutare i due cantanti ci sono eccellenti versioni di "Anyway The Wind Blows", "Call Any Vegetables" (contenente una sezione centrale da brividi), "Shove it Right In", "Sharleena", "Cruising for Burgers" e "200 Motels Finale". Chi invece non tollera proprio i due personaggi potrà gustarsi le acrobazie strumentali di "King Kong", "A Pound For A Brown", "Sleeping In A Jar" e i Carnegie solos di "Billy The Mountain". Anche gli studiosi Zappiani vengono accontentati con un'altra versione della appena citata "Billy The Mountain" (brano che cambiava di sera in sera), la pubblicazione dell'arrangiamento a la Canned Heat di "Who Are The Brain Police?" e soprattutto finalmente una pubblicazione completa della "Sofa Suite" del 1971, che fino ad allora era stata disponibile solo in maniera frammentaria in varie pubblicazioni e sul bootleg ufficiale "Swiss Cheese/Fire". Oltre a contenere una versione embrionale del celebre valzer, la suite conteneva anche una versione già completa e arrangiata di "Stick it Out", registrata su "Joe's Garage" solo 8 anni dopo. Insomma, ce n'è per tutti i gusti e davanti a pubblicazioni del genere non si può che fare un sincero plauso allo ZFT.

Voto: 9.5

The Frank Zappa AAAFNRAAAAAM Birthday Bundle 21 Dec. 2011 (Zappa Records/iTunes)
Data di pubblicazione: 21 Dicembre 2011

Ci riprovano! Dal punto di vista degli altri artisti che collaborano a queste pubblicazioni, questa probabilmente è la più interessante (compaiono infatti anche Serj Tankian e Jerry Lawson). Dal punto di vista di Frank (che ahimè, è proprio quello che trattiamo ora) è quello meno interessante. La chicca è senza dubbio una versione in studio di "Dead Girls of London" registrata per le session dell'album di L. Shankar "Don't Touch Me Here", prodotto da Zappa con Van Morrison alla voce (e anche se solo come session man Simon Phillips alla batteria). Nella versione pubblicata, a causa di alcuni problemi legali, la parte cantata è affidata a Zappa stesso e a Ike Willis. Il Bundle contiene anche una buona versione dal vivo del 1988 di "Peaches En Regalia" e un assolo del 1980 intitolato "Another Variation of the Formerly Secret" (il segreto è ovviamente la successione di accordi di Carlos Santana, come spiegato su "Shut Up 'n' Play Yer Guitar"). La selezione di Frank è completata da "Wowie Zowie", la versione in studio originale ma cantata da Mathilda Plum Doucette Zappa (la nipotina di Frank, figlia di Moon e nata il giorno di quello che sarebbe stato il sessantaquattresimo compleanno del nonno) e da "Cosmik Debris" suonata da Dweezil e il suo Zappa Plays Zappa utilizzando però una pista di voce dal vivo di Frank. Entrambe le idee sono carine, ma suonano come un tributo troppo forzato (senza contare che la piccola Mathilda non canta proprio benissimo) e, sicuramente, non penso siano proprio quello che la gente si aspetta. Probabilmente sono solo cose "speciali" dedicate a pubblicazioni come questa, ma ad essere proprio pignoli neanche queste pubblicazioni sono proprio ciò che il fan medio vorrebbe aspettarsi...

Voto: 4

Speriamo che il 2012 ci riservi altre sorprese (e magari i tanto attesi "Dance Me This", "The Rage and The Fury" e soprattutto il famigerato DVD dei concerti al Roxy Theater del 1973).

Cat Claws - Cat Laws (42 Records, 2011)

2011-11-21T16:37:00.002+01:00

Nel 2011 si sentiva il bisogno di staccare la spina, cambiare aria ed argomenti, fuggire in maniera subdola ma serena, cancellando il senso di stagnante che si sta pian piano portando via la musica europea. Svicolando attentamente dietro l’angolo, i Cat Claws si inseriscono invece in uno di quei filoni che sta lentamente morendo, forse riuscendo in qualche modo a non risultare fuori tempo massimo e a guadagnarsi una credibilità che pochi altri riescono ancora ad avere. Il grunge è morto molto prima di questo indie così banale da risultare sempre fresco e godibile anche dopo tanti ascolti (il problema è sempre col susseguirsi dei dischi). Dall’Italia gli indie acts hanno spesso deluso, e altre volte (Thoc!, Heike Has The Giggles, Trabant ecc.), cavalcando l’onda del post-punk ballerino dei nuovi club sedicenti new wave, si sono ritagliati uno spazietto neanche troppo minuto, con qualche sostenitore hipster sempre pronto a scavalcare la parola moda con il suo senso iperbolico di fashion che è un termine che vale di più quando si parla “indie-pendente”.
A cosa serve allora questo Cat Laws? Le undici canzoni che lo compongono non introducono novità, non rivoluzionano niente, ma semplicemente riassumono le più importanti direttive dell’indie storico, spiazzando per la diversità degli ingredienti messi in gioco che però sono sempre gli stessi: Joy Division, Pixies, Devo, New Order, derelitti moderni vari e malinconica dolcezza progredita à-la-Strokes, perlomeno per le chitarre. I brani tendono a declinare verso impostazioni già sentite, soprattutto i ritornelli e le entrate di batteria, ma gli incontri quasi iconoclasti tra psichedelia e noise più leggero, per non parlare dell’incespicare electro di alcuni elementi senz’altro più adatti al movimento fisico nei live, risollevano la maturità, l’originalità e l’efficacia del disco, perfetto anche per mandare giù il difficile boccone del secondo lavoro, difficile per molti, come ricordava il buon Caparezza. La voce femminile, ancora abbastanza infrequente nel genere, quindi poco noiosa per i più schizzinosi, rende il tutto, se possibile, più digeribile.
I Cat Claws possono sfruttare la garanzia di fare bene un genere facile ma contemporaneamente complesso da portare in seno nel suo periodo di massimo splendore commerciale, cioè di declino qualitativo. Il songwriting sempre molto pulito, coniugato con una produzione rozza tipica delle registrazioni in presa diretta, gli conferisce anche la ruvidità che denota raramente produzioni analoghe per quanto riguarda l’Europa: dovremo spostarci in Europa ma non lo faremo perché questo disco è nato qui, e lo apprezzeremo solo qui, con i suoi pregi e i suoi limiti, entrambi evidenti.

Voto: 7-

Into Deep #2 - 40 anni di Aqualung!

2011-11-04T17:00:00.020+01:00

Steven Wilson, leader dei Porcupine Tree, non è solo un buon chitarrista e un buon compositore, ma da un paio di anni ci sta anche dimostrando di essere anche un archivista niente male.
Si è infatti occupato di rimasterizzare i lavori dei King Crimson (a partire da "In The Court of the Crimson King"), non limitandosi a remixare gli album, ma anche aggiungendo chicche curiose presenti sui nastri registrati all'epoca.

Dal 2008, Ian Anderson celebre leader dei Jethro Tull si occupa di far uscire ogni anno un edizione speciale per il quarantennale della loro discografia (saltando però "Benefit", lacuna gravissima a mio avviso). Probabilmente memore del successo delle riedizioni Crimsoniane, Anderson ha pensato che per il quarantennale del loro album più celebre forse era il caso di affidare a Wilson l'uscita.

E' un bene? Un male? Beh, parto subito dicendo che spesso ciò che non apprezzo dei remix degli album classici è che, sostanzialmente, si cambia la storia. Immaginate di vedere un quadro di Van Gogh con i colori cambiati: il tratto e il disegno saranno esattamente gli stessi, ma il cambio di colore sconvolgerà completamente il quadro. Alcuni particolari si noteranno meglio, ma altri che prima erano prominenti lo saranno molto di meno. L'effetto inevitabile, comunque, sarà quello di percepire l'opera in maniera completamente diversa. Ed è proprio qui che voglio arrivare: la registrazione sarà anche la stessa, ma il disco è diverso. Per cui, a mio avviso, se proprio dobbiamo remixare un disco classico (operazione che comunque può rivelarsi molto interessante), l'edizione originale dovrebbe quantomeno comunque essere presente (cosa che avveniva con le pubblicazioni dei King Crimson, ma non con questa). Grave è infatti il caso degli ultimi remaster dei Genesis (non ad opera di Wilson) che ormai hanno sostituito le edizioni principali (e faccio notare che, in quelle edizioni, in alcuni casi sono stati usati dei frammenti vocali diversi; e non solo su brani minori, ma anche su "Supper's Ready" e "Dancing With The Moonlit Knight"!). In più alcune scelte sono senza dubbio bislacche: ad esempio il momento in cui "My God" passa da una misteriosa ballata per piano e chitarra acustica a un potente rocker con un riff epocale. Nell'edizione originale il cambio di volume tra le due sezioni era notevole: il brano, arrivato a quel punto, esplodeva letteralmente. Nel remix le due sezioni sono ad un volume più o meno simile e l'entrata del gruppo perde un sacco di impatto. C'è comunque da dire che Wilson ha cercato di fare il lavoro migliore che poteva senza cercare di far perdere le atmosfere originali dell'album. Inoltre, il chitarrista e produttore Inglese, sembra amare particolarmente estendere i fade-out dei brani, regalandoci così una manciata di secondi in più rispetto all'edizione originale.

Questa edizione di "Aqualung", uscita il 31 Ottobre, ci arriva in 2 CD (anche se c'è un edizione speciale contenente un LP, un DVD, un Blue Ray e un libro) e i bonus contenuti in essa contenuti sono senza dubbio superiori a quelli dell'edizione del 25ennale che sembravano, francamente, compilati un po' a casaccio.
La spumeggiante "Lick Your Fingers Clean", che apre il secondo CD, inizialmente intesa per essere il vero finale del disco, venne in seguito spostata come 45 giri. Il 45 giri però non vide mai la luce e il brano venne completamente ri-arrangiato e inciso a nome "Two Fingers" nell'album "Warchild". La versione originale del brano (infinitamente superiore) vide la luce solo nel 1988 e da subito è entrata nei cuori dei fan come un classico perduto. Sono inclusi anche i tre brani che erano stati incisi per delle session preliminari del disco tra Aprile e Giugno del 1970, con ancora Glenn Cornick (basso) in formazione: "Just Trying To Be" (pubblicata nel 1972 su "Living in the Past"), una stupenda versione di "My God" (della quale si conosceva l'esistenza, ma che nessuno aveva mai sentito prima d'ora) e la bellissima versione completa di "Won'dring Aloud" (pubblicata parzialmente su "Living in the Past" nel 1972 a nome "Wond'ring Again", ma per la prima volta completa in questa pubblicazione). Altre cose interessanti sono un take diverso di "Wind Up" (originariamente apparso erroneamente nella versione quadrofonica dell'album), un remaster totale dell'EP "Life is a Long Song" (iniziativa particolarmente felice; la title-track è sempre stata disponibile in versioni non proprio eccellenti dal punto di vista dell'audio: l'originale aveva un suono di batteria ovattato e il remix del 1993 snatura l'intento originale del brano), un interessante spot radiofonico e una versione embrionale di "Up The Pool", originariamente intesa come uno degli intermezzi acustici presenti su album.
Insomma, essendo un fan, Steven Wilson include in queste serie le cose che interessano a noi fan. Dobbiamo ricordare, però, che il datore di lavoro resta Ian Anderson, che è molto meno generoso di Robert Fripp nel rilasciare cose inedite d'epoca: il libretto ci mostra crudelmente la lista di registrazioni complete includendo molte versioni alternative e soprattutto un'inedita "Pancake Domesday" non inclusa in questa edizione e che probabilmente, a questo punto, non vedrà nemmeno mai la luce.

Tutto sommato, però, è un'operazione niente male e a noi che abbiamo amato questo disco non dispiacerà per niente sentire alcuni aspetti nuovi dell'album e alcuni bonus. Resta il dilemma: questa versione può sostituire l'originale?
Sulle prime sarei tentato di rispondere "No": in fin dei conti ho scoperto l'album con il mixaggio originale e ogni versione diversa mi suonerà sempre strana.
Ma ragionando con i piedi per terra, il nuovo mixaggio non è per niente disprezzabile, e non impedirà certo a chi non conosce l'album di innamorarsi di esso, come accade dal 1971.
Secondo fonti ufficiali (interviste a Anderson e a Wilson), in questo momento è in lavorazione anche un'edizione speciale di "Thick as a Brick" prevista, ovviamente, per l'anno prossimo. Sarà particolarmente interessante vedere cosa verrà tirato fuori dal cilindro!

Into Deep #1 - Le tracce fantasma di Elio e le Storie Tese

2011-11-04T00:00:00.003+01:00

Elio e le Storie Tese sono dei veri mattacchioni. I loro album sono vere e proprie miniere da scoprire e scavare, sono i classici album che anche al trentesimo ascolto offrono spunti nuovi e citazioni nascoste. Una tecnica che Elio & company paiono amare particolarmente è quella della traccia nascosta. Su 15 degli album ufficiali, 5 contengono sicuramente una traccia fantasma e altri 3 contengono un bonus che potrebbe essere considerato una traccia fantasma. Vediamo di più nello specifico.

Il loro disco "Italyan, Rum Casusu Çikti" (tradotto dal turco-cipriota "Si è scoperto che l'Italiano era una spia Greca") del 1992 è il primo album a contenere questa pratica. L'album è sicuramente uno dei migliori prodotti dal gruppo e contiene molti dei loro classici, tra cui "Supergiovane", "Il Vitello Dai Piedi di Balsa" e "Servi Della Gleba". Proprio quest'ultimo brano è quello che interessa a noi. Se sfogliate il libretto, noterete che prima del testo effettivo di questo brano c'è una parte che non appare su album. La traccia precedente, intitolata "Servi Della Gleba?" (un omaggio a "In The Flesh?" e "In The Flesh" dei Pink Floyd, che però non erano consecutive) non contiene questa introduzione. Al termine dell'album, qualche secondo dopo di "La Vendetta Del Fantasma Formaggino" si sente, per qualche secondo, un nastro velocizzato. Rallentando questo frammento fino ad arrivare a circa 1:38" è possibile sentire questo misterioso intro. Come già fatto notare, questo disco è del 1992, per cui decriptare tale operazione risultava molto più difficile di oggi (al giorno d'oggi tale operazione è abbastanza facile, si può fare ad esempio con il programma gratuito Audacity). Per questo motivo, a inizio della ghost track, Elio dice "Bravo! Ce l'hai fatta!". Il brano in se è un poetico e tenero frammento per voce e pianoforte, nel quale viene citata anche "La Donna Cannone" di Francesco De Gregori. E' una delle ghost track più conosciute del gruppo, che a volte l'ha anche eseguita dal vivo (è presente infatti all'inizio di "Servi Della Gleba" sul live ufficiale "Made in Japan" del 2001) ed è stata riregistrata per la compilation "Del Meglio Del Nostro Meglio Vol.1" nel 1997, con il titolo "Introservi". Le due versioni successive, però, differiscono leggermente sia nel testo che nell'arrangiamento rispetto all'originale (che resta disponibile soltanto come traccia fantasma di quell'album).

Nel disco successivo, del 1993, intitolato "Esco dal mio corpo e ho molta paura", un album dedicato ai primissimi brani del gruppo (nonché il primo a contenere Christian Meyer alla batteria, precedentemente sostituito in studio, ma non dal vivo, dal Tedesco Curt Cress), tra gli altri brani, è presente anche "Ho molta paura", un bizzaro collage di vari brani non inclusi integralmente nel disco. Il brano, sul retro copertina dura 2:50", ma la traccia ufficiale dura 3:32". Al termine della traccia, infatti, sono presenti due messaggi minatori lasciati sulla segreteria telefonica di Rocco Tanica (in stereo, uno per canale). L'autrice di tali messaggi è tutt'ora ignota (a noi, ma è possibile che il buon Tanica l'abbia denunciata e sappia benissimo chi sia) ed è identificata dal complessino come Nasty Sciura. Altri suoi messaggi sono presenti campionati nell'inquietantissima "L'eterna lotta tra il bene e il male", inedito pubblicato sulla già citata antologia "Del Meglio Del Nostro Meglio Vol.1". Questo frammento spesso è considerato il finale di "Ho molta paura", ma a mio parere è una vera e propria ghost track, proprio perché non c'entra assolutamente niente con il brano in questione.

Ma la ghost track più famosa di Elio e le Storie Tese è senza dubbio quella contenuta sullo splendido "Eat The Phikis" del 1996. Pochi sanno, però, che questo disco non contiene una, ma ben due ghost track. La tredicesima traccia del disco, intitolata "Neanche un minuto di non caco" (ovvero, la leggendaria versione de "La terra dei cachi" suonata integralmente in soli 55 secondi la prima serata del Festival di San Remo), dura in realtà 15 minuti. Al termine del brano, dopo qualche campionamento da cartone animato, il disco tace per qualche minuto. Il silenzio è rotto dalla voce del sintetizzatore vocale Eloquens: "Attenzione, in questo brano c'è troppo poco eco" (da notare che la parola "eco" è femminile...). A questo punto parte un mixaggio leggermente differente del brano "T.V.U.M.D.B.", già presente su disco (e con una splendida interpretazione vocale di Giorgia): oltre a esserci troppa poca eco (da segnalare che sul libro "Vite Bruciacchiate", un po' l'autobiografia di Elio e le Storie Tese, si fa riferimento al "riverbero eccessivo" su questo brano, forse questo il motivo per cui entrambe le versioni sono state inserite su disco), c'è anche qualche leggero cambiamento qua e là, ma niente di drastico. Al termine di questa alternate version, ci sono altri minuti di silenzio seguiti da 2-3 minuti di suoni velocizzati. Per sentire queste misteriose registrazioni, il procedimento che dobbiamo utilizzare è più o meno lo stesso che abbiamo usato per la ghost track di "Italyan, Rum Casusu Çikti", ma questa volta occorre anche riprodurre al contrario. Il risultato più vicino a un pitch corretto dovrebbe durare più o meno 14:50". Si tratta di un quarto d'ora di prove in studio, probabilmente registrate con un registratore a cassette portatile (in un paio di punti il pitch è un pochino altalenante), una sorta di documentario audio "Making of" del disco. Vale la pena spendere un po' di parole su questa ghost track, perché "Eat The Phikis" è uno dei dischi meglio arrangiati e più elaborati di Elio e le Storie Tese. Non a caso, molte delle registrazioni nella ghost track risalgono a due anni prima dell'uscita del disco (è la voce stessa di Rocco Tanica a dirlo). Il primo frammento che si sente è una versione elettronica de "La Terra Dei Cachi" (probabilmente ancora una demo). Il testo è un po' diverso ("il visagista delle dive/altro bello stronzo") e l'arrangiamento è piuttosto divertente. Su "Del Meglio Del Nostro Meglio Vol.1" tra "Pipppero" e "Abitudinario", compare una versione ri-registrata di questo arrangiamento, abbastanza fedele alla versione nella ghost track. Segue una registrazione nella quale Elio e Rocco stanno scrivendo un testo (mai pubblicato, per cui non si sa a quale melodia volessero appiopparlo). Nel testo che in quel momento stanno componendo, il protagonista immagina di essere il capo del mondo che però, invece di svolgere i suoi compiti, delega tutti i suoi doveri al vice-capo del mondo e passa l'intera giornata a giocare ai videogiochi sul suo pc. Purtroppo, però, non è il capo del mondo e deve accontentarsi di giocare con i giochi del suo pc "che comunque sono molto belli". L'idea è molto divertente (e diverte anche gli stessi Elio e Rocco, che non fanno altro che ridere durante la stesura) e perfettamente nel loro stile. La terza parte della traccia fantasma è una prova in studio di un brano tutt'ora inedito, identificato come "Politica" (o meglio, Elio ripete la parola "politica" continuamente nel testo). Si tratta di un brano hard rock cantato in falsetto, sulla falsariga di "Yes, I Love You" pubblicata su "Tutti Gli Uomini Del Deficiente". Il testo di questo brano è ancora grezzo e nonostante contenga alcuni giochi di parole tipici del gruppo (chi altri potrebbe snocciolare una frase come "crogiuolo di partiti a forma di truogolo"?) è chiaramente ancora non finito e non sembra promettere molto bene. In realtà tutto il brano sembra abbastanza sottotono, probabilmente la vera ragione per cui non è mai stato pubblicato da nessuna parte. Segue una versione piano e voce di un brano che, al momento della pubblicazione di "Eat The Phikis" era ancora inedito, ma ora non lo è più. Si tratta della mitica parodia di Ligabue "Bis", pubblicata tre anni dopo sull'album "Craccracriccrecr". La stesura qua pubblicata ha ancora un testo molto diverso ed è interessante comparare le due. Purtroppo però questo brano è proprio quello disturbato dalla velocità non costante del nastro e quindi l'ascolto potrebbe risultare fastidioso. Proseguendo, ci sono due frammenti della realizzazione dell'ottima "Burattino Senza Fichi". La prima parte che si sente è la strofa, suonata e cantata da Rocco Tanica. Purtroppo le parole non si capiscono quasi per niente (il volume del piano è molto più alto rispetto alla voce), però si nota subito che non solo il testo è completamente diverso, ma non viene fatto neanche un riferimento a Pinocchio. Per questo motivo è probabile che il brano inizialmente avesse un altro titolo. Il secondo frammento, risalente chiaramente ad un'altra session, mostra sempre Rocco Tanica comporre il brano, ma questa volta il ritornello che è praticamente uguale, a parte una gustosa citazione a "Get Back" dei The Beatles ("Geppetto, geppetto, geppetto" sull'aria di "Get back! Get back! Get back!"). Successivamente, si sente un frammento strumentale di piano che non si riesce ad identificare, anche se potrebbe essere una prova di arrangiamento del finale di "Li Immortacci" (come vedrete più avanti, all'interno della ghost track ve ne sono anche altre). Seguono le prove di arrangiamento per "La Cinica Lotteria Dei Rigori", simpatica sigla del programma "Mai Dire Gol" nel 1994, in seguito pubblicata nel 1998 sul disco di inediti e rarità "Peerla". Si tratta di uno dei momenti più interessanti della ghost track, soprattutto quando fanno le armonizzazioni (chiamate da Faso "Trio lescano armonizations"). Oltre a provare le armonizzazioni per "La Cinica Lotteria Dei Rigori", ne provano anche per dei cori (in seguito non inseriti) di "Li Immortacci" ("si chiama Micheletto ma il negretto nun vo' fa", su una melodia basata su quella di "Beat It" di Micheletto Jackson). Un altro momento saliente della ghost track è la composizione di "Tapparella" ("tema per un lento, probabilmente argomento festa, balli, lenti"), ancora embrionale, ma con il testo già molto simile a quello definitivo. Solo la musica è più blueseggiante. Dopo altre prove per i cori di "Li Immortacci", la voce di Rocco introduce delle prove per "La Canzone del Delatore" scritta per Claudio Bisio, ma purtroppo non sono presenti perché dopo un paio di secondi di piano, la ghost track termina. Insomma, come potete capire da questa pedante descrizione, si tratta di una ghost track molto generosa e affascinante, soprattutto per chi fa musica, perché consente di vedere come lavorano in studio Elio e le Storie Tese.

Giunti a "Craccracriccrecr" nel 1999, le ghost track smettono di essere velocizzate e vengono presentate "in chiaro", probabilmente perché ormai, scoprirle era diventato troppo facile. La traccia fantasma di questo disco si potrebbe definire in un certo senso una versione pornografica di "Alan's Psychedelic Breakfast" dei Pink Floyd. Registrata con una tecnica chiamata olofonia, il surreale brano è introdotto da una voce distorta che afferma che l'ascoltatore sta per "fare l'amore con Elio e le Storie Tese" e il brano è poco più che questo. Un po' come guardarde un porno in 3D, solo dal punto di vista dell'audio. La citazione a "Alan's Psychedelic Breakfast" sono gli interventi bluesy di chitarra acustica che si sovrappongono a tutto ciò. Al termine dell'"amplesso", Elio propone di far ascoltare a "questo meraviglioso essere umano" (cioé l'ascoltatore) alcuni brani inediti (probabile citazione alla ghost track di "Eat The Phikis"), ma i suoi compagni di gruppo, per tutta risposta, si sganasciano dal ridere. Una piccola curiosità: al termine del brano si sente un coro apparentemente scollegato a tutto il resto. Si tratta soltanto di una pista vocale di Feiez isolata da tutto il resto. Come ben sapete, il largo factotum del gruppo (così chiamato affettuosamente dagli altri perché di grossa corporatura e perché capace di suonare moltissimi strumenti) è scomparso il 23 Dicembre del 1998, in seguito ad un'emorralgia interna, cronologicamente nel mezzo delle session del disco. Per cui il disco, oltre a essere dedicato a lui, si apre con un suo assolo di sassofono e si chiude con un suo coro.

Quella contenuta sul primo live album ufficiale di Elio e le Storie Tese, "Made in Japan" del 2001, non è una vera e propria ghost track poiché la durata dell'ultima traccia del secondo CD ("Tapparella") è la stessa riportata sul retro, ma è comunque un interessante bonus del quale non si fa menzione da nessuna parte né sul CD né sul libretto: si tratta del finale del concerto di James Taylor al Night Express di Milano il 29 Settembre del 1997, durante il quale Elio e le Storie Tese fecero da backing band per il cantautore Statunitense. Durante questo finale, inserito anche su disco, Taylor, appunto, presenta i nostri eroi.

Lo stesso discorso si può fare per l'album "Cicciput", del 2003, trionfale ritorno in studio dopo quattro anni di assenza. L'ultima traccia "Pagàno karaoke", una versione strumentale di "Pagàno", uno dei loro brani migliori, dura 7:18", come effettivamente segnato sul retro. Il brano vero e proprio però finisce a circa 5 minuti e mezzo. Ciò che si sente dopo, a volte è segnato come la quattordicesima traccia del disco intitolata "Elio, vai avanti tu". Questo frammento, della durata di circa due minuti, non è altro che un loop continuo della voce di Enrico Ruggeri, preso da "Gimmi I.", che appunto ripete la frase incriminata con vari effetti applicati sul suono. E' abbastanza fastidioso, ossessivo e irritante, a dire la verità, ma probabilmente lo scopo era quello.

Ma il premio ghost track più brutta spetta a quella contenuta sul triplo CD live "Grazie per la splendida serata", del 2005. Dopo una decina di minuti di silenzio nell'ultima traccia dell'ultimo CD ("Budy Giampi") parte un groove di basso e batteria con sopra alcuni versi di Mangoni, probabilmente registrato durante un soundcheck. Molto irritante e ricorda molto i versi che fanno i prigionieri di guerra quando vengono torturati. Ce n'era bisogno? Probabilmente no, ma abbiamo pur sempre altri 32 ottimi brani da sentire nel disco, quindi perché lamentarsi?

L'ultimo album (per ora) a contenere una ghost-track è "Studentessi" del 2008, un album che ha molto rassicurato noi fan che, dopo tanti anni di assenza in studio (e due album live di fila), ci chiedevamo se Elio e le Storie Tese non avessero esaurito la loro linfa. Durante i primi secondi di "Plafone" ho subito tirato un sospiro di sollievo e ancora di più durante "Il Congresso delle Parti Molli", uno dei brani più belli che il complessino abbia mai creato, soprattutto la meravigliosa coda finale. Comunque, questo disco, contiene non una ma due ghost track. Niente di particolarmente interessante a dire il vero, in questo caso sembra sia più una consuetudine che altro. Dopo l'ultimo pezzo, la quarta parte di "Effetto Memoria", simpatico brano realizzato a puntate durante il disco (nel quale ogni membro del gruppo si scambia gli strumenti), al solito silenzio segue una prova di Maurizio Crozza. Sia su questo album che sul precedente "Cicciput", Crozza fa una parodia di una pubblicità progresso dedicata alla Toscana: su "Cicciput" dice di non portare via i sassi dalla Toscana perché questo significherebbe spargere la Toscana per tutto il mondo (che a quel punto "potrebbe chiamarsi direttamente Toscana"), su "Studentessi" invece dice che ormai c'è l'allarme opposto: adesso la Toscana è invasa dai sassi e vanno portati via. Tutto questo senza riuscire a rimanere serio. In questa prima ghost-track, della durata solo di qualche secondo, sia lui che Elio si sganasciano dalle risate, incapaci di parlare. Segue un altro po' di silenzio e poi il disco si chiude definitivamente con una reprise della terza parte della già citata "Effetto Memoria". La terza e quarta parte erano cantate da Claudio Baglioni, il quale canta anche la versione ghost-track, accompagnandosi però con la sola chitarra acustica. Abbastanza carino, dopotutto.

(Per questo articolo ringrazio il sito www.marok.org [vera e propria bibbia di Elio e le Storie Tese] che spesso mi è venuto in soccorso per certe citazioni di cui non ero sicuro. Segnalo anche che in tale sito è possibile scaricare le due ghost track decriptate di "Italyan, Rum Casusu Çikti" e "Eat The Phikis". Per amor di cronaca va però fatto notare che la prima è leggermente più veloce di quello che dovrebbe essere e la seconda è su un file mp3 compresso, per cui perde ulteriormente un po' di qualità [già bassa di suo]. Tuttavia, presumo che molti di voi si accontentino dei file presentati che risparmiano tempo e consentono comunque di farsi un'idea di ciò che avviene nelle due tracce nascoste)

Prog Exhibition 2011: Pochi ma buoni

2011-11-02T00:00:00.001+01:00

Prog Exhibition 2011: Pochi ma buoni.

Nella cornice di un teatro semivuoto ciò che si è visto sul palco del Teatro Tendastrisce ha dello spettacolare. I nomi dei gruppi, che non sono altisonanti come nel 2010, hanno suscitato due reazioni: sconforto e curiosità. E così c'è chi ha preferito restare a casa e chi, interessato ha assistito ad un Prog di alto livello. La mancanza di pubblico ha reso il clima ancora più intimo, rendendo disponibile lo scambio di idee con gli artisti come un normale colloquio con un amico, così come dovrebbe sempre essere.

Il 21 ottobre, nel terribile freddo del teatro, abbiamo assistito ad uno spettacolo quasi interamente strumentale. Gli Stereokimono, gruppo che si trova sotto l'etichetta “Immaginifica” di Franz Di Cioccio, hanno aperto lo spettacolo con sonorità particolari e un'ottima batterista donna, Cristina Atzori. Parliamo di donne proprio perchè, come vedrete nell'articolo, sono state protagoniste in gran parte anche loro, provocando commenti positivi da parte del pubblico. Gli Oak, trascinati dalla simpatia di Maartin Allcock, ex chitarrista dei Jethro Tull, riprendono lo stile proprio dalla band di Ian Anderson come si evince dall'aspetto del cantante Jerry Cutillo e dal suo modo di presentarsi sul palco. Entrambi i gruppi di apertura decisamente positivi.

Tra i principali hanno aperto i Saint Just Again dell'incredibile Jenny Sorrenti, che continua a conservare una voce unica, tra il lirico e il melodico, nonostante siano passati tanti anni. Assieme alla sua band l'esibizione si è incentrata sul nuovo lavoro “Prog Explosion” che segna il ritorno dei Saint Just un po' come successe l'anno scorso con la Raccomandata Con Ricevuta Di Ritorno. Il momento tanto atteso però era la prima esibizione di Jenny e Alan, tutto in famiglia Sorrenti. Alan è stato un'icona del Prog Italiano negli anni '70, lasciando degli album importanti e influenti, in particolare “Aria”, che tra l'altro, annuncia lo stesso cantante napoletano, vorrebbe riproporre per intero nell'immediato futuro. Tuttavia, l'esibizione con la sorella di “Vorrei Incontrarti”, in generale non ha colpito, anzi, all'interno del gruppo ufficiale dedicato alla Prog Exhibition, ha provocato diverse critiche in particolare per la voce di Alan. Insomma non è più “Aria”.

Seguono ai Saint Just Again gli Ut, una delle infinite formazioni dei New Trolls, appena sfornata. Adesso diventa veramente difficile non confondersi tra le innumerevoli band che rappresentano la parte Prog o no. In ogni caso, il progetto nasce a tavola (racconta Iaia De Capitani), e dopo aver provato, il gruppo ha avuto quindici minuti di spazio, terminati dignitosamente richiamando Concerto Grosso con Adagio. Ottima prova.

Dopo la breve parentesi entra in scena Gianni Leone con Il Balletto Di Bronzo. Talento incredibile, Gianni all'eta di 17 anni ha composto una pietra miliare altamente complessa: Ys. Ovviamente l'esibizione si è incentrara soprattutto su quest'album che nell'Introduzione viene accompagnato dal primo grandissimo ospite della manifestazione: Richard Sinclair. L'ex Hatfield And The North e Caravan è come tutti gli artisti dovrebbero essere: simpatico, aperto al dialogo, umile. A tutto questo ovviamente si aggiunge la sua grandissima qualità e lo stile che lo ha contraddistinto in questi anni.

Mentre nel 2010 la prima serata veniva chiusa dalla PFM con Ian Anderson, quest'anno lo spazio maggiore è riservato agli Arti & Mestieri (con il ritorno di Gigi Venegoni) e Mel Collins che sostituisce Darryl Way, storico violinista dei Curved Air che non è potuto partire a causa di problemi di salute e a cui auguriamo una pronta guarigione. A guardare i nomi, come blasone, non ci sarebbe paragone, ma questo è esattamente il modo di pensare più sbagliato. Nonostante mancassero elementi come il sax e il violino, fondamentali per una band di questo tipo che tende verso il jazz, la doppia chitarra ha nascosto la loro assenza sostituendo questi due strumenti impeccabilmente. All'interno di questa band ritroviamo una presenza già presente con i The Trip l'anno precedente: Furio Chirico. Incredibile batterista dalla potenza inaudita e dalla tecnica sopraffine, che accompagnato da Beppe Crovella, Gigi Venegoni e Co., ha riproposto la maggior parte del lavoro “Articolazioni” del 1974. Apprezzatissimo anche Mel Collins, che sul palco si mostra molto timido, già in collaborazione precedentemente con gli Arti & Mestieri e attualmente impegnato con il mago del Prog Robert Fripp.

La seconda serata si apre con una delle realtà più importanti del Prog odierno, i perugini del Bacio Della Medusa. Dimostrano di non sentire la pressione delle grandi manifestazioni hanno mostrato una grinta incredibile e definirei spettacolare la corsa del cantante Simone Cecchini tra il pubblico. I perugini rimangono probabilmente la più grande sorpresa delle due serate.

Ma da non sottovalutare è la grandissima prova di Vic Vergeat, chitarrista dal talento inestimabile, molto vicino allo stile Hendrixiano. Molti hanno considerato la sua presenza “inadeguata” per uno stile che non si avvicina al Prog ma bensì al Blues/ Hard Blues. In ogni caso nessuno ha avuto da ridire sulla sua prova, oltre a quella dei suoi musicisti e di, nuovamente, Mel Collins, tornato anche il 22 come prestabilito dal programma.

Prima di parlare dei Garybaldi è opportuno rivolgere un pensiero affettuoso a Bambi Fossati, leader del gruppo, grandissimo musicista, che purtroppo è in pessime condizioni di salute.

Sui genovesi non c'è discussione. Anche se il volume della chitarra era smisurato, ripresentare brani della bellezza di Moretto Da Brescia: Goffredo e Giardino Del Re è un incredibile punto a loro favore; d'altronde rimane di straordinaria bellezza l'album su cui si è incentrata l'esibizione: Nuda. Con loro ha duettato Marco Zoccheddu della Nuova Idea, unico ospite italiano se non consideriamo Gigi Venegoni che di fatto è un membro storico degli Arti & Mestieri.

Verrebbe da usare l'aggettivo “perfetta” se ci riferiamo alla performance del Biglietto Per L'Inferno.Folk. E' proprio quel “.Folk” che inizialmente rendeva tutti scettici ma i riarrangiamenti in chiave Folk dell'omonimo album del 1974 hanno sorpreso tutti, anche se alla voce non vi è più Claudio Canali (è diventato frate) ma Mariolina Sala, e qui si risale al discorso riguardante l'effetto delle donne. Appunto, come detto, molti brani sono stati completamente reinventati mantenendo lo stesso testo, tranne Confessione che rappresenta il capolavoro del gruppo e che ha subito pochissimi cambiamenti soprattutto nell'assenza di tastiere sostituite da flauti, fisarmoniche e così via. Lì il pubblico ha iniziato a scaldarsi, ma è diventato incandescente quando Martin Barre, storico chitarrista dei Jethro Tull, ha intonato le prime note di Aqualung. Al termine della sua esibizione il pubblico si è alzato in piedi senza esitazione.

Successivamente ai problemi tecnici iniziali, i Goblin hanno potuto iniziare il loro concerto. Nonostante siano stati impeccabili rimane il bisogno e l'utilità, per un gruppo specializzato in colonne sonore, di avere un maxi schermo e di offrire quindi uno spettacolo visivo oltre che sonoro. Dopo il viaggio intrapreso passando per Roller e Suspiria, al momento dell'esecuzione di Profondo Rosso, l'entrate in scena del leggendario Steve Hackett ha scatenato un urlo generale. Pur dovendo ammettere che la rappresentazione da parte dei Goblin di Watcher Of The Skies non sia stata il massimo, le emozioni sono state incontrollabili così come sono state grandissime anche nella Jam finale.

La Jam sembra quasi nata come una ripicca nei confronti di chi ha chiesto l'anno prima la ripetizione della Prog Ex e poi non si è presentato quest'anno. E' stato quindi visto come un evento unico e irripetibile. E in effetti vedere insieme Di Cioccio, Collins, Sinclair, Barre, Hackett e inseriamo anche la simpatia di Allcock, è un qualcosa che mai più si rivedrà.

Dalla Prog Exhition Iaia De Capitani si è lasciata andare ad alcune anticipazioni. Sappiamo che ci sarà una Prog Exhibition 2012 e che probabilmente saranno presenti gli Area. Sappiamo anche che uscirà un nuovo cofanetto ma questa volta quasi solamente audio e con pochi spezzoni/interviste video. In conclusione il resoconto finale è positivissimo. Le manifestazioni servono proprio per dar spazio a chi è sottovalutato. In questo Iaia e Franz sono riusciti alla grande. La mentalità che deve cambiare è quella degli assenti, che concentrandosi sul blasone del nome, perdono la possibilità di assistere a degli spettacoli suggestivi e non comuni.Prog Exhibition 2011: Pochi ma buoni.

Mentre nel 2010 la prima serata veniva chiusa dalla PFM con Ian Anderson, quest'anno lo spazio maggiore è riservato agli Arti & Mestieri (con il ritorno di Gigi Venegoni) e Mel Collins che sostituisce Darryl Way, storico violinista dei Curved Air che non è potuto partire a causa di problemi di salute e a cui auguriamo una pronta guarigione. A guardare i nomi, come blasone, non ci sarebbe paragone, ma questo è esattamente il modo di pensare più sbagliato. Nonostante mancassero elementi come il sax e il violino, fondamentali per una band di questo tipo che tende verso il jazz, la doppia chitarra ha nascosto la loro assenza sostituendo questi due strumenti impeccabilmente. All'interno di questa band ritroviamo un elemento già presente con i The Trip l'anno precedente: Furio Chirico. Incredibile batterista dalla potenza inaudita e dalla tecnica sopraffine, che accompagnato da Beppe Crovella, Gigi Venegoni e Co., ha riproposto la maggior parte del lavoro “Articolazioni” del 1974. Apprezzatissimo anche Mel Collins, che sul palco si mostra molto timido, già in collaborazione precedentemente con gli Arti & Mestieri e attualmente impegnato con il mago del Prog Robert Fripp.

La seconda serata si apre con una delle realtà più importanti del Prog odierno, i perugini del Bacio Della Medusa. Dimostrano di non sentire la pressione delle grandi manifestazioni, hanno mostrato una grinta incredibile e definirei spettacolare la corsa del cantante Simone Cecchini tra il pubblico. I perugini rimangono probabilmente la più grande sorpresa delle due serate.

Prima di parlare dei Garybaldi è opportuno rivolgere un pensiero affettuoso a Bambi Fossati, leader del gruppo, grandissimo musicista, che purtroppo è in pessime condizioni di salute.

Coldplay - Mylo Xyloto (Parlophone, 2011)

2011-10-25T20:52:00.001+02:00

Non si è voluto fare nessun antefatto per questa recensione, giacché l'esagerata campagna di marketing che Chris Martin in prima persona ha condotto prima dell'uscita di Mylo Xyloto ha già contestualizzato abbastanza i suoi obiettivi e il suo habitat naturale.
Trascinandoci a forza nel vivo dell'ascolto, ci troviamo di fronte ad un'amara considerazione, più che altro una constatazione: i Coldplay vanno analizzati con la conoscenza pregressa della loro carriera. Questo significa sapere che sono stati una band "alternative rock" per pochissimo tempo, forse per metà del running time dei primi due dischi, mentre dal capolavoro X&Y ad oggi sono stati sostanzialmente una macchietta pop sempre alla ricerca di successo e denaro. Detto questo, la parabola discendente della qualità dei dischi non impedisce a Mylo Xyloto di avere degli ottimi momenti e di risultare, tutto sommato, un interessante episodio nella loro storia. "Charlie Brown" e "Up With The Birds", i due brani migliori del disco, forti di una fluidità pop/rock che li connette immediatamente con i bei tempi di Parachutes, circoscrivono l'ambientazione di un album molto ben caratterizzato in ambito melodico, soprattutto in virtù di quella finalità ormai significativamente appiccicata al nome dei Coldplay: riempire gli stadi. Ecco allora i singoli "Paradise", "Every Teardrop Is A Waterfall" (con una melodia che, come sottolineano anche altri fonti in rete, sembra un plagio di "Ritmo de la Noche" di MYSTIC, pezzo osceno peraltro) e il probabile futuro estratto "Don't Let It Break Your Heart" che ci precisano la loro vocazione di band che può, e sa, perfettamente come far ballare, ondeggiare ed urlare degni del miglior Bono Vox. E di accostamenti agli U2, viste molte vicinanze nell'approccio chitarristico, dovremo farne molti altri (ma si evitano volentieri altri ingombranti paragoni).
Per allontanarsi dai Coldplay di Viva la Vida è necessario rivolgersi all'odioso featuring con Rihanna, già detestato da critici e fans (ed effettivamente "Princess of China", seppur ascoltabile, è una canzone molto debole se paragonata al resto del disco) e soprattutto a "Major Minus", con un piglio, soprattutto al basso, molto più indie rock. Qui ha ricordato molto i Kasabian, ma il pezzo è tutto sommato molto carino e non ristagna in nessun momento, soprattutto se lo vediamo come una parentesi di distacco dal resto. Abbiamo poi un momento vagamente soft punk, in particolar modo nel drumming, con la iniziale "Hurts Like Heaven", interessante probabilmente più nei live mentre in studio perde verve per una produzione un po' troppo rumorosa che toglie interesse alla voce.

Il resto del disco non ha mordente e troviamo alcuni elementi-riempitivo, come "U.F.O." e "Up In Flames" che si ascoltano senza annoiarsi troppo ma si eviterebbero volentieri. La produzione di Brian Eno svolge il consueto ottimo lavoro, anche se risulta un po' fuori fuoco rispetto al disco precedente. Il sound è leggermente più confuso, a parte le chitarre, la voce quasi tendente a sparire in alcuni momenti, mentre piccole fiammate epiche sottostanno a ottimi inserimenti degli archi di Eno in persona. Poco in risalto invece il basso, che meriterebbe qualche attenzione di più.
Mylo Xyloto è solo e soltanto quello che i Coldplay possono essere nel 2011. Una band pop da stadio senza nessuna pretesa in più: forse sbaglia più chi li ritiene ancora all'altezza di album come Parachutes e A Rush of Blood To The Head, non accorgendosi che il mondo che gli appartiene è solo e soltanto quello di MTV. Se la vediamo in quest'altro modo, apprezzeremo tutti senz'altro questo album, mediocre ma con una grande anima radiofonica che risulterà per questo, ai più, "scontata".

Voto: 6,5

Dream Theater - A Dramatic Turn Of Events (Roadrunner Records, 2011)

2011-09-24T00:00:00.000+02:00

Pionieri del Progressive Metal, i Dream Theater sono una delle migliori espressioni del genere soprattutto negli anni '90. Amatissimi ed odiatissimi, il pubblico si divide in chi li apprezza in tutte le loro sfumature e in chi li considera ripetitivi ma in particolare “senza cuore”, puntando solamente a quella che è l'esaltazione della tecnica che spesso va a discapito della melodia. L'ipertecnicismo simile a quello degli Emerson, Lake And Palmer e in effetti le principali ispirazioni della band partono esattamente dagli albori del Progressive Rock anni '70: Genesis, i già citati ELP, Yes, Pink Floyd e King Crimson soprattutto. La componente Hard/Metal facendo sempre riferimento ai passati Black Sabbath, Deep Purple e Led Zeppelin, arriva grossomodo dagli anni '80 con lo sviluppo del Trash tipico Metallica e dell'Heavy Metal degli Iron Maiden. Tappa fondamentale di ispirazione della band sono i Rush a cui Portnoy è molto attaccato. Iniziando sotto il nome di Majesty (poi sostituito con l'attuale a causa di diritti), i Dream Theater hanno realizzato una demo con il cantante Chris Collins poi sostituito da Charlie Dominici. Con lui è arrivato il primo album sotto il nome storico della band: When Dream And Day Unite (1989). In realtà anche se il disco rimane di pregiata fattura, la band troverà il suo sound tipico solamente con l'arrivo di James LaBrie, ex Winter Rose, sfornando quello che da sempre è considerato il più grande capolavoro della band: Images And Words. Gli anni '90 continueranno ad essere gloriosi per la band. Ad Images And Words succede Awake che sfocia in sonorità più cupe e tenebrose. Da lì in poi i DT continueranno a mantenere il proprio stile ma passando verso una fase più Progressive Rock (Falling Into Infinity (1997)), fino all'avvento di Jordan Rudess che sostituisce Derek Sherinian già a sua volta rimpiazzo di Kevin Moore durante il tour di Awake. Proprio con Rudess arriva il capolavoro che si contende il trono di pietra miliare del gruppo con il già citato IAW: Metropolis Pt.2 "Scenes Form a Memory" (1999), un concept album apprezzatissimo e profondissimo, seguito poi dal meravigliosoSix Degrees Of Inner Turbulence (2002) (incredibile l'esecuzione dell'omonima suite con l'Octavarium Orchestra nel live Score). Era il 2002, ed è proprio da lì e dal successivo Train Of Thought (2003) che iniziano a girare critiche. Gli appassionati si dividono, chi li critica da Train Of Thought e reputa Octavarium (2005) un album non rilevabile tranne per la suite omonima e chi li etichetta come ripetitivi e avvicinati troppo al metal da Systematic Chaos (2007) in poi. In effetti, gli americani, cominceranno da SC ad intraprendere sonorità più “metallare” fino poi ad alimentare perplessità con l'ispirazione quasi Black Metal che caratterizza l'ultimo, pessimo album Black Clouds & Silverlinings (2009). Da notare che a partire da Train Of Thought, ogni album, nonostante possa essere poco apprezzato, ha sempre la sua canzone di riferimento, quella che in un certo senso aiuta a trovare positività nel disco. A partire da In The Name Of God, Octavarium, passando per In The Presence Of Enemies e The Count Of Tuscany. Quello che succede successivamente è ancora più discutibile degli avvenimenti passati. Il 9 settembre 2010, Mike Portnoy, membro fondatore con John Myunge John Petrucci, storico batterista apprezzatissimo a livello mondiale, abbandona la band. Alla fine della sua partecipazione con gli Avenged Sevenfold alcune fonti testimoniano il fatto che lo stesso Portnoy abbia richiesto di tornare nei DT ma a quanto pare è stato rifiutato. E' un momento di difficoltà su cui i Dream Theater si mostrano nello stesso tempo simpatici e ridicoli. Infatti verranno provati 7 batteristi di fama mondiale che daranno vita a un documentario stile sitcom dal titolo “The Spirit Carries On”, come l'omonima canzone simbolo della band. Nonostante la grandissima prova di Marco Minnemann, uno dei più grandi batteristi moderni con Gavin Harrison dei Porcupine Tree; LaBrie e compagni scelgono Mike Mangini (ex Annihilator e Steve Vai) che più si avvicina alle caratteristiche di Portnoy e dimostra di avere un'umiltà rara per persone che lavorano a questi alti e pregiati livelli. La nuova formazione dopo alcune date pre-nuovo album attraversando l'Europa darà vita ad A Dramatic Turn Of Events.

Questo excursus d'introduzione sulla storia riassunta della band e sui fatti che riguardano l'abbandono di Portnoy è fondamentale per riuscire a percepire cosa si cela dietro gli aspetti e i temi di questo nuovo lavoro in studio.

L'album rappresenta un grande passo avanti rispetto agli ultimi, le sonorità tornano simili a quelle già espresse negli anni '90, ma nonostante tutto non c'è nulla di nuovo nello stile della band che da anni rimane radicato sullo stesso livello. Ma andiamo ad analizzarlo passo per passo. Canzone di apertura è On The Backs Of Angels, pubblicata sul canale della casa discografica (Roadrunner Records) in modo da essere già presentata nelle date del tour di Luglio. Per questa canzone è stato registrato anche un video, simile alla struttura di A Rite Of Passage, e con un LaBrie spiccante per un paio di occhiali abbastanza inguardabili. Comunque sia, il brano ha come tutte le canzoni della band un inizio coinvolgente dove man mano entrano i membri uno per volta. Per primo Petrucci che esegue un intro simile a quello di Endless Sacrifice o In The Name Of God però in questo caso abbiamo un evoluzione diversa, infatti, si addentrano all'interno del brano insieme Rudess e Mangini fino all'esplosione iniziale. Il riff è tipico, nulla da segnalare, ma quello che notiamo fin da subito è lo stato vocale di LaBrie. In quest'ultimo lavoro della band si percepisce più di ogni altro quanto sia calato il cantante canadese e quanto l'età influisca anche sulla prestazione vocale. Non c'è un acuto e come analizzeremo, le parti cantate sono spesso fin troppo statiche e melodiche per una band di questo livello. La canzone è estremamente orecchiabile ed ha il sound tipico di un singolo ma la parte strumentale nel centro della canzone è virtuosa tanto quanto le altre. Come vedremo Rudess e Petrucci spesso si scambieranno soli in diversi tipi di sfumature, mentre John, come anche in questa canzone, manterrà lo stesso stile che lo ha caratterizzato fino ad adesso, Jordan spazierà su tutti gli strumenti che gli competono, grazie soprattutto alla sua immensa qualità; quindi il pianoforte rappresenta la breve fase di stand-by del brano che a sua volta introduce il solo di Petrucci. Successivamente avremo la ripresa del ritornello con la chiusura che riprende il motivo del riff iniziale. Il secondo brano, Build Me Up, Brake Me Down, è di sicuro, obiettivamente, il più banale dell'intero album. La canzone sembra avere lo stesso ruolo che A Rite Of Passage ha in Black Clouds & Silverlinings, ovvero una traccia inizialmente accettabile ma a lungo andare, davvero stancante. In questa canzone si evidenzia quella che è una struttura spesso ripetuta e riutilizzata dai DT. Si articola in queste fasi: Introduzione, strofa, ritornello, strofa (spesso con una base diversa da quella della precedente), ritornello, strumentale e conclusione. Anche se in questo caso lo strumentale ha poca importanza, la struttura si ripresenta anche in Lost Not Forgotten, terzo brano. E' il primo dei quattro che superano i 10 minuti, quindi uno dei più articolati. Anche qui l'introduzione in piano permette l'esplosione iniziale e i toni, come si evince dalla sonorità più macabra della chitarra, si fanno più pesanti. La voce di LaBrie è leggermente più cattiva dei brani precedenti ma sempre statica e incapace di trasmettere emozioni. Una delle fasi principali del brano è il ritornello, se così lo vogliamo chiamare, che si struttura in quattro frangenti inframezzati da piccole sezioni strumentali. Dopo questo, come di norma, c'è l'evoluzione virtuosa della canzone. Inizia Petrucci, con uno dei classici soli in cui il ritmo cambia continuamente, procede Jordan Rudess, che in questo caso usa la sua tipica sonorità, senza richiami al passato. Come già specificato in precedenza, ancora una volta viene riproposto il ritornello seguito dalla conclusione che qui non è altro che la riproposizione dell'introduzione. Non può mancare così come in ogni album dei Dream Theater, la cosiddetta “ballata”, qui addirittura ne abbiamo tre. La prima è This Is The Life e già il titolo fa pensare alla reazione della band nei confronti dell'abbandono di Portnoy. A differenza di esperimenti mal riusciti come Wither, questa è una delle canzoni più emozionanti dell'album. Da notare la presenza del “Morphwiz”, un applicazione creata direttamente da Rudess per Iphone e Ipad che in effetti è un vero e proprio strumento musicale. E' una delle innovazioni più importanti che permette di creare sonorità mai sentite non solo nei DT ma anche al di fuori del genere. Emozionante anche il solo di Petrucci, simile allo stile di Peruvian Skies, poco Metal ma molto melodico, infatti notiamo come John si impegni a rendere gli assoli più significativi emozionalmente e meno fini a se stessi tecnicamente. Come avete notato i protagonisti sono sempre loro due. La traccia successiva, dal titolo Bridges In The Sky, che in realtà inizialmente doveva chiamarsi The Shaman's Trance, ha un inizio che molti probabilmente hanno inteso come un eruttazione accentuata, chiamata da alcuni scherzosamente in “tempi dispari”, è praticamente impossibile non riuscire a mantenere un aspetto serio inizialmente. Prima del riff iniziale, che ricorda i toni oscuri e cupi di Awake, c'è un ulteriore introduzione con un coro religioso che altro non fa che incutere ancora più terrore. L'inizio è di quelli travolgenti, la sonorità è cattiva, come quella già ascoltata in brani come Honor Thy Father. Nulla da segnalare nella strofa cantata, discreto il ritornello anche se stona leggermente con il suono più tenebroso del resto del brano. Ottima la sezione strumentale, mentre John dà ancora ampio spazio all'esaltazione della sua tecnica personale, Jordan subentra con le sonorità di un organo hammond alla Jon Lord, con richiami ai Deep Purple e a tutti i più grandi Hammondisti. Segue il cambio dall'Hammond al Continuum Fingerboard, il “tappeto magico” già protagonista per esempio nel finale di The Dark Eternal Night. In conclusione senza ripeterlo, torna il ritornello, e ritorna l'eruttazione iniziale. A Bridges In The Sky segue Outcry, un brano altamente pieno di sorprese e incredibilmente tecnico. Come in tutte le altre tracce, Mike Mangini si comporta degnamente, interpretando a pieno le parti scritte da Petrucci. Questo in effetti è il problema; anche se il chitarrista rimane un grande compositore, Mangini sicuramente avrebbe aumentato il livello dell'album se avesse avuto carta bianca. Si tratta di un batterista ultra veloce (detiene due record mondiali) e perfetto per un gruppo come i Dream Theater, riguardo allo stile che hanno adottato fino ad adesso. La canzone si concentra in particolare nella parte centrale dove avvengono cambi di ritmo in continuazione e spesso poco omogenei tra di loro, un po' a ricreare i passi che caratterizzano un Metropolis Pt.1 o un Take The Time. Alcuni di questi passaggi sono altamente stimolanti, basti pensare ai numerosi unisoni che rappresentano una delle caratteristiche fondamentali della band e allo scambio di battute dove Myung accompagna da solo Mangini. Inizialmente la canzone potrà parere confusionaria ma in seguito incomincerà a piacere di più. Esattamente da questo punto inizia il capitolo perfetto dell'album. Far From Heaven è una splendida canzone romantica, in cui anche LaBrie si comporta bene. Il tutto è affidato al pianoforte piangente di Rudess e ai violini di sottofondo, è un atmosfera commovente. La canzone è la più corta dell'album ma è proprio da questa in particolare che si scopre l'animo sensibile della band. In definitiva non è assolutamente da sottovalutare ma da apprezzare a pieno, in particolare perchè introduce il brano più significativo di tutto il lavoro dal gruppo americano. Breaking All Illusions è la ciliegina sulla torta che rievoca i bei momenti passati. Un bellissimo pezzo che richiama inizialmente per struttura e per tono, Learning To Live. Dopo l'accelerazione che avviene successivamente, avviene un intenso scambio. Nel primo Rudess rievoca i suoni del flauto traverso, strumento storico del Progressive Rock e portato in alto grazie anche a Ian Anderson dei Jethro Tull, nel secondo passa al pianoforte, nel terzo all'Organo; tutti divisi da un esplosione che dopo il terzo spunto, quello dell'organo, si placherà lasciando le redini del brano a Petrucci. Il solo che scaturisce da tutto questo è tipico del chitarrista; parte dal soft per aumentare sempre di più. Un po' come in The Spirit Carries On, dove si riprendevano sonorità Pink Floydiane, anche se qui è completamente diverso. Tornerà alla ribalta il tastierista della band che utilizza un suono simile a quello che si poneva prima della chiusura di Beyond This Life, dopo i precendenti assoli. Il finale della canzone è in stile epico, ma è perfetto per il ruolo che assume, ovvero è una degna conclusione sì, ma che non ancora trova il lieto fine che arriva con Beaneath The Surface. In questo finale c'è tanta allegria, la “drammatica serie di eventi”, finisce con l'inizio di una nuova vita e questo rispecchia il carattere di Mangini e compagni.

Come detto tutto questo rappresenta un netto miglioramento rispetto agli ultimi lavori in studio. E allora la domanda che alcuni si chiedono è: “Ma era davvero Portnoy il problema?” “Era lui che spingeva la band verso sonorità eccessivamente Metal?”. Questo non lo sappiamo, ma siamo a conoscenza del fatto che lo stesso Portnoy ha commentato l'album definendolo troppo simile ad Images And Words, non sappiamo se per invidia o se per giudizio, anche perchè qualche mese prima aveva preannunciato di non voler fare nessun commento sul nuovo lavoro. In ogni caso Mangini rappresenta ciò che fa al caso della band, è simile a Portnoy ma si comporta diversamente. Appunto perchè è simile, i Dream Theater hanno voluto non rischiare e decidere di mettere sotto contratto un batterista che non stravolgesse lo stile del gruppo. In effetti Marco Minnemann probabilmente avrebbe portato qualcosa in più, non dal punto di vista tecnico (qualcuno potrebbe anche pensare questo), ma soprattutto per la novità. Tuttavia Mike Mangini si è dimostrato una persona incredibile, chiedendo scusa al pubblico di Roma per aver mancato l'attacco di Fatal Tragedy il 4 luglio e mostrando tantissimo affetto nei confronti dei fan, quindi in quanto a lato umano è una garanzia, anche per il lato professionale ovviamente. L'unica pecca, che rimane una questione di abitudine, è la nuova sonorità che lui offre. La sua Pearl ha un suono differente e forse peggiore rispetto alla Tama di Portnoy.

Il voto finale di quest'album scaturisce da diversi fattori e da diverse motivazioni che adesso vado a spiegarvi.

Le domande che potrebbero essere poste sono due:

Perchè non un voto superiore?

Perchè l'album anche se molto apprezzabile non presenta nulla di nuovo e la grandezza di una band sta anche nella novità. E' normale comunque sia, dopo 25 anni di carriera, avere un calo di creatività ma nonostante tutto, le melodie e la tecnica non mancano.

Perchè non un voto inferiore?

Perchè i Dream Theater hanno attraversato un momento difficile. Dopo l'uscita di Portnoy, è venuto a mancare di fatto il membro che più è amato dal pubblico. Nonostante tutto, la band si è messa subito al lavoro cercando un nuovo batterista e presentando in poco tempo un album che rappresenta comunque una svolta positiva.

Il voto più importante però rimane quello che voi sentite dentro e le emozioni rimangono una questione di puro apprezzamento personale.

Voto:7

Into Deep #0

2011-08-25T21:59:00.003+02:00

Siamo stati un po' assenti, e di ciò ci scusiamo. Purtroppo a volte gli impegni prendono il sopravvento e non ci consentono di praticare fino in fondo le nostre passioni.
La nostra mente resta sempre però collegata alla musica e vi promettiamo molti nuovi post.

Cogliamo l'occasione, con questo post, di lanciare il nuovo editoriale di Good Times Bad Times intitolato "Into Deep". In questo editoriale non ci limiteremo a parlare di un disco, ma lo sviscereremo completamente.
Questo editoriale sarà usato non solo per gli album, ma anche per alcuni aspetti della carriera di un artista. Se la frase suona criptica e confusa è perché lo è: solo leggendo i nostri editoriali capirete esattamente di cosa parliamo.

Per cui continuate a seguirci e ricordatevi, come diceva Frank Zappa, che "la musica è il meglio"

Caparezza - Il Sogno Eretico (Universal, 2011)

2011-08-24T02:32:00.003+02:00

Torna con il quinto full-lenght Michele Salvemini, uno dei veri geni della musica italiana che rischiano, tutt’oggi, di non essere capiti e di essere considerati dalla mediocre critica i “soliti alternativi finto-comunisti”. La verità è che, come dimostra di nuovo in questo Il Sogno Eretico, Caparezza è l’unico rapper italiano che, dopo aver raggiunto il successo, continua a comunicare qualcosa, permettendosi magari di proseguire con quella corrosiva miscela di rap, rock ed elettronica, aperta a contaminazioni di ogni tipo, che lo contraddistingue da due dischi a questa parte, puntando comunque soprattutto sulla genialità delle sue liriche.

Stavolta nella confezione troviamo sedici tracce, di cui le prime due, in pura tradizione “caparezziana”, sono semplici incipit, che servono in questo caso a comprendere una delle nozioni che sta alla base di questo disco: non solo l’eresia del titolo, ma la schizofrenia del Caparezza-artista, concetto che porterà fino alla fine dell’album in una sorta di crescendo che si conclude con la folle “Ti Sorrido Mentre Affogo”.
Analizziamo questo disco dal punto di vista letterario: l’abilità di scrittura di Michele è sempre stata ottima, dimostrando e confermando progressivamente sempre più la sua capacità di rimare e incastrare giri di parole incredibilmente sottili sia sul piano del significante che del significato, non disdegnando espedienti retorici o fonici che senz’altro un esperto di linguistica noterebbe più di un ascoltatore medio. Le tematiche sono sempre le stesse del disco precedente, Le Dimensioni del Mio Caos, mischiando politica italiana, cultura generale “pop” e vita personale dell’artista, sviluppando così delle vere e proprie cavalcate rap che quasi nessuno si può permettere di fare come fa lui, e questo lo dobbiamo, per forza, ammettere.
Il primo singolo è la splendida “Goodbye Malinconia”, ballata anni ’80 dedicata all’Italia, con riferimenti alla “fuga dei cervelli” e alla rovina, effettivamente già avvenuta, del nostro paese, aiutato, nel ritornello, da Hadley degli Spandau Ballet, ospite perfetto per un brano del genere. Altro momento perfetto dal punto di vista commerciale è “Legalize the Premier”, reggae ballad che farà senz’altro scintille nelle date del buon Capa, mirata ad un target di pubblico che è lo stesso di molte band punk e reggae italiane (Alborosie, che infatti sono ospiti, Skardy, Sud Sound System, Punkreas, ecc.), con un ritornello che è un vero e proprio inno e un testo incredibilmente facile da memorizzare e cantare. L’approccio easy-listening porta Caparezza ad osare un po’ troppo con le basi ballabili, quei synth quasi techno che sentiamo in “La Fine di Gaia”, ottimo brano sulla bufala del 2012 che riprende per struttura “Abiura Di Me” e forma un’eccellente combinazione rock insieme a “Messa In Moto”, quest’ultima, però, leggermente meno efficace.
Un altro brano dal ritornello molto radiofonico è “Chi Se Ne Frega della Musica”, probabile futuro singolo, che parla dei problemi di una discografia che bada più all’immagine che al contenuto. Tema particolarmente caro a Caparezza, che citerà talent e reality show (es. “House Credibility”) anche altre volte all’interno di altri episodi. Il brano-manifesto del disco è “Il Tuo Sogno Eretico”, al primo ascolto uno dei pezzi più fragili insieme alla graffiante filippica “La Marchetta di Popolino”, ma con un impianto veramente molto “epico” che solleva un testo a suo modo troppo autoreferenziale per gli standard di Caparezza.
Il miglior brano a livello letterario è l’incredibile requisitoria contro la politica italiana, “Non Siete Stato Voi”, veramente una delle più belle mai scritte da Caparezza. Sconvolge, infine, la genialità nell’inventare una canzone come “Kevin Spacey”, vero e proprio inno al cinema (ma al contrario, spoilerando i finali di tutti i film più celebri) che difficilmente si dimenticherà: ascoltare per credere.

Per la forte qualità evocativa, questo disco, si potrebbe definire una filippica satirico-surreale. Ghigliottine, Andrea Doria, Sindona, citiamo e accostiamo di tutto e di più purché la finalità sia quella di desarrollar, come direbbero nella penisola iberica, concetti che arrivino a tutti con qualche riserva, perché dobbiamo pur ammettere che l’intelligenza con cui alcuni paragoni, metafore e similitudini sono costruiti ne riduce sensibilmente il target.

Facendo un bilancio, musicalmente questo disco perde terreno rispetto all’approccio rock che sembrava voler prevalere in Le Dimensioni del Mio Caos, costringendosi ad inserimenti elettronici che, a volte, sembrano un po’ forzati., seppur contribuiscano a rendere il disco sostanzialmente il più completo della sua carriera. In realtà la qualità delle basi è ancora in via di miglioramento, con alcuni espedienti che soprattutto dal vivo funzioneranno benissimo, sia per la resa tecnica che per il coinvolgimento emotivo e fisico del pubblico. I testi sono, come già dicevamo, perfetti dal punto di vista della costruzione e le tematiche di Caparezza continuano ad essere sviluppate con sagace coerenza e capacità di analisi. Il tema dell’eresia, che si concretizza citando anche personaggi come Giordano Bruno e Galileo (“Il Dito Medio di Galileo”), è forse piuttosto debole rispetto all’impianto molto godibile del disco, che mette in fila una serie di aspre critiche ma sempre con quel paragone a figure dell’immaginario culturale nazionalpopolare che le rende più “divertenti” che “piccanti”.
In ogni caso, questo disco è veramente l’essenza di quello che Michele Salvemini, come artista, può proporre nel duemilaundici, una straziante e malinconica visione del nostro paese dagli occhi di uno dei più brillanti musicisti che quest’ultimo ci può offrire.
Voto: 8

Radici Nel Cemento - Fiesta! Live (RNC Produzioni, 2011)

2011-07-28T14:28:00.002+02:00

Era il novantatré quando con il nome Roots in Concrete questi ragazzi di Roma iniziarono a riempire i club del loro reggae melodico ma concreto, presto celebre anche per la delicatezza dei contenuti. Il nome in italiano ne ha suggellato la fama. A otto anni arriva il primo disco live, un piccolo regalino per i fan che serve anche a dimostrare ai meno affezionati la carica e la verve che la formazione laziale sa comprimere all’interno di un set dal vivo, emotivamente e strumentalmente, non trascurando mai l’azione efficace di un reggae ormai protagonista di molte delle migliori iniziative musicali del nostro paese. Insomma, un genere che, se fatto con le palle, piace anche a chi non è abituato ad ascoltarlo. E qui, c’è anche del rap, ad orientare in maniera ancora più divertente e, se vogliamo, generica, il manifesto d’azione della band. Radici nel Cemento è un progetto che rientra proprio in questa nicchia di fortunati outsider e questo disco ne é la conferma, trasportando su supporto fisico quella passione nel suonare che è la prima causa del coinvolgimento non solo mentale che ascoltandoli dal vivo si può subire. Consigliato.

Voto: 7

Jakszyk, Fripp and Collins - A Scarcity of Miracles (A King Crimson ProjeKct ) (Panegyric, 2011)

2011-07-12T00:00:00.003+02:00

Dal mio dizionario:
Miràcolo prov. miracles; fr.miracle; sp.milagro: port. milagre= lat.miràcolum cosa
meravigliosa da MIRARI meravigliarsi (v. Mirare e cfr. Miraglio.
Fatto contrario alle leggi della natura e prodotto per potenza soprannaturale;
fig. Cosa grande e meravigliosa o non sperata. (Differisce da Prodigio, che non oltrepassa i limiti della natura, della quale è al disopra il Miracolo) .....
tipo che Bruford torni a fare dischi e pure con i King Crimson o che per lo meno si unisca a Adrian Belew e Tony Levin al posto di Pat Mastelotto per i Three of A Perfect Pair, che esca un (vero) album dei KC con una formazione completamente rinnovata (che magari comprenda anche Danny Carey), che la Zappa Family Trust affidi i suoi affari e gli sterminati archivi dello Utility Muffin Research Kitchen a gente esperta e competente per la pubblicazione ragionata, che Ian Anderson mandi definitivamente in pensione il “marchio” Jethro Tull e faccia solo concerti acustici di piccolo cabotaggio, che l’Italia abbia una amministrazione pubblica onesta ed efficiente ... no qui neanche un intervento divino basterebbe ... qualunque siano (sacri o profani) i miracoli cui si riferisce il titolo dell’album di certo ce n’è sicuramente scarsità.

Tra le possibili metodologie di approccio a questo lavoro discografico ne scelgo due che ritengo le più adatte ad una migliore comprensione del discorso in generale e che potrà, volendo, soddisfare entrambe le parrocchie di pensiero in cui vorrete riconoscervi.

A SCARCITY OF MIRACLES il nuovo album dei KING CRIMSON

Sicuramente di scarsità non ce n’è nel catalogo della DGM. Il Venal Leader dal 1995 come per la moltiplicazione dei pani e dei pesci, produce live, raccolte di scarti, prog(KC)etti, tazzine, magliettine, sottobicchierini e qualunque cosa vi viene in mente avente come obiettivo “cose” collaterali ma sempre in qualche modo pertinenti, alla musica di sua Maestà Cremisi. Di album KC100% c’è davvero (forse per fortuna) scarsità. Ma noi, assettati e viziati, ci siamo condizionati ormai a considerare tutto ciò anche se pur lontanamente, qualcosa che è King Crimson, sia pure un’ombra o una luce sbiadita di colore Cremisi. Quindi è con serenità che dissipiamo ogni fuorviante dubbio e consideriamo questo A Scarcity of Miracles il nuovo album dei King Crimson.

Confezionato dalla grafica, intrisa di simbolismo cristiano ad opera del solito P.J. Crook, il lavoro, anticipato un mese prima dell’uscita da un (questo si) miracoloso videoclip, (il miracolo non è che l’abbiano fatto ma che sia bello ... no dico .. avete presente i video di "Heartbeat" o di "Sleepless"?) cancella quasi del tutto 38 anni di evoluzione Cremisi, lasciando solo i Soundscape a fare da motrice iniziale e quindi poi base alle nuove composizioni intrise di atmosfere pre Larks’ Tongues in Aspic. E’ come (cosa teorizzato da molti) se il periodo Wetton, Bruford, Cross fosse altra cosa e solo per motivi di mercato etichettata come KC e come (successo per davvero) se i Discipline all’inizio degli anni ‘80 fossero rimasti tali e non avessero usato l’etichetta KC per ragioni di mercato.
D’altronde in un mondo musicale dove tutti o quasi ormai rifanno i King Crimson post Island, l’unico modo che aveva Fripp per essere originale è di rifarsi al se stesso pre Larks’ Tongues in Aspic (però manca Peter Sinfield e si sente).
Andatosene via Mastelotto, restano comunque della formazione degli ultimi anni, oltre a Fripp, ovviamente, Tony Levin e Gavin Harrison (prestatogli da Wilson, ormai di casa).
A dare continuità al “precedente” Islands del 1971, torna in gran forma Mel Collins. I suoi meravigliosi fiati, passati nel frattempo attraverso metà dei dischi del pianeta hanno perso quella leziosità che avevano in gioventù, rimanendo “semplicemente” belli. I suoi sono momenti di aerea creatività, ottenendo di destarci dal torpore che la musica, quieta e riflessiva, in alcuni momenti rischia di farci calare.
Molto ipnotiche e seducenti le ritmiche ed i groove creati da due maestri del settore come sono Levin e Harrison. Su tutto, sotto tutto, immerso in tutto ci sono i soundscape frippiani e le cristalline pizzicate del nuovo arrivato Jakko M. Jakszyk (si pronuncia Jakscek) nome d’arte dell’inglesissimo Michael Lee Curran (in un mondo normale se ti chiami Jakszyk, prenderesti il nom de plume, Micky Curran). Infatti è questo il nuovo elemento che fa determinare la scelta a suoni cremisi del passato. Era dal 1981 che i King Crimson non potevano più definirsi una band britannica. Adesso con il solo Levin (di Boston) a fare da “straniero”, possiamo considerare Sua Maestà come “ritornata in patria”.
Il risultato più palese lo si riscontra nel cantato. La lunga era Belew ci aveva ormai abituati al tipico modo di cantare del midwest americano. Con Jakko abbiamo finalmente la figura chiave per riambientarci nei territori di un’ISOLA chiamata Albione. Sia chiaro, vogliamo bene ad ADE ed alla sua musica ma era da tempo che desideravamo andasse per la sua strada ottenendo il duplice scopo di coronare una interessante carriera solista (quella di lui) e di liberare il Venal Leader e di conseguenza permettere a Sua Maestà Cremisi di andare avanti e crescere e abbattere nuove frontiere. Ogni album dei King Crimson fino a ieri è stato l’evoluzione di quello precedente. A Scarcity Of Miracles se può essere definito "evoluzione” lo è solo di Islands però. Ci auguriamo che il prossimo gradino sia oltre.

Voto: 5

A SCARCITY OF MIRACLES il nuovo album di Jakko M. Jakszyk
In collaborazione con Robert Fripp e Mel Collins.

Polistrumentista, autore, cantante, produttore, turnista da studio, genero di Michael Giles e attore (l’ho visto anche lavorare al distributore di benzina qui vicino a casa mia ma solo occasionalmente), dopo collaborazioni (tra i tanti) con i Level 42 e David Jackson, diventa dal 2002 componente di spicco della 21st Century Schizoid Band, la cover band ufficiale di ex componenti dei King Crimson che dopo alcuni belli (e costosi) CD si sfalda per la morte nel 2007 del batterista Ian Wallace.
Non c’è da stupirsi quindi se tempo dopo lo troviamo chiuso in una stanza con Robert Fripp, entrambi chitarra alla mano. Ne nascono alcune session improvvisative a base soundsacape e cesellate dalla chitarra di Jakko. Un paio di queste le troviamo anche nella versione più lussuosa del CD uscito.

Come terzo di una coppia perfetta si unisce l’altro ex Cremisi e quindi ex 21st Century Schizoid Band, Mel Collins a dare quel valore aggiunto e quella “passionalità” che altrimenti mancherebbero alle gelide e cerebrali frippescapes. Da questo incontro a tre nascono delle registrazioni di sapore mediterraneo e intimo ai quali si aggiungono la mirabile batteria di Gavin Harrison (Porcupine Tree) e gli stick di Tony Levin (....mettete voi un nome a caso ...) i quali registrano però privatamente, ognuno a casa sua sulle basi dei primi tre.
La voce di Jakko, seppur in alcuni momenti un poco pedante, interpreta perfettamente l’intensità di queste ballate allargate come nella title track, ma in brani come "The Price We Pay" o "Secrets" la differenza tra una canzone, bella o brutta che sia ma pur sempre solo canzone, ed un brano musicale intenso ed universale viene data dal supporto fornito dalle meravigliose ed eclettiche svolazzate del sax soprano di Collins e dai ceselli raffinati e preziosi di Fripp. Levin e Harrison fanno un lavoro egregio e preciso ma non privo di creatività pur essendo solo degli esecutori esterni e non partecipando al processo creativo.
"This House" purtroppo non riesce a baneficiare della stessa sapienza alchemica dei pezzi precedenti, risultando solo una lunga e un poco soporifera ballata. Per fortuna la successiva "The Other Man" è di tutt’altra fattura. Dopo una prima metà inquietantemente notturna, ben contrappuntata dalla voce di Jakko questa volta dura e severa, il brano sfocia in un momento di grande intensità e carico di energia pieno di echi Cremisi che si conclude solo con il finale lasciato agli effetti frippeschi.
Chiude "The Light of Day", il brano più lungo dell’album. La soporificità è sempre li ad un passo dall’afferrarci e provenendo dal resto dell’album il rischio è più intenso.
Permettendosi una pausa di circa 5 minuti dopo il precedente ottimo brano, "The Light of Day" ne giova, diventando ipnotico e suggestivo, con le chitarre frippiane, sotterraneamente arrabbiate. Questa volta si.
“A Scarcity Of Miracles se può essere definito “evoluzione” lo è solo di Islands però. Ci auguriamo che il prossimo gradino sia oltre”.

Voto: 6

(Recensione di Donald McHeyre)

Soluzione - L'Esperienza Segna (New Model Label, 2011)

2011-07-08T00:00:00.003+02:00

"Dammi i soldi e ti porto la soluzione". No, non c'entra niente. Questa soluzione è molto migliore di quella proposta da Fabri Fibra: L'Esperienza Segna è un disco genuino, un continuo depistaggio verso lidi misteriosi, celati da una parvenza di semplicità che serve solo ad aumentare l'effetto appiccicoso di alcuni brani. In senso buono, si intende.
L'esperienza a cui si va incontro ascoltando questo disco è quasi catartica, tesa quasi a liberare dalla crisi di originalità che pervade un po' ogni categoria musicale italiana: le bonus track con gli ospiti puntano ad un pubblico più generico, come ultimamente sembra diventato tipico fare, irretendo i più distanti con i grossi nomi (Fiumani e Mao, in questo caso). E' un pop rock d'autore, con un languido sguardo al passato, soprattutto ai settanta e gli ottanta, con riferimenti testuali che ricordano Le Luci, Dente e Bugo, forse anche qualche cantautore più lontano nel tempo, e un contesto musicale pienamente new wave, con venature dark che certamente contribuiscono a colorarlo di toni cupi e intimistici, sporchi di malinconia soft rock che ricorda proprio gli anni di cui si parlava. Le atmosfere romantico-decadenti di "Luce" fanno il resto. Determinante anche la strumentale "Intermezzo Uno", che quasi svolge da lente d'ingrandimento nei riguardi del genere che la band propone, rozzo ma levigato contemporaneamente, sporco ma limpido. Il disco è veramente molto bello, conscio delle sue potenzialità e per questo pronto a penetrare la scena in maniera decisiva. Il progetto Soluzione è destinato ad arrivare in alto, la strada l'ha già trovata e si ricerca ora una conferma definitiva. Gran lavoro, veramente.

Voto: 8.5

Yes - Fly From Here (Frontiers Records, 2011)

2011-07-05T13:11:00.008+02:00

E’ USCITA LA NUOVA COPERTINA DI ROGER DEAN

Si lo so, il titolo è un poco provocatorio ma di tutti i numerosi componenti, passati e rimasti (perché personalmente lo considero un componente effettivo degli YES), Roger Dean è l’unico che non mi ha mai deluso. E poi quando c’è lui c’è anche Steve Howe e viceversa. Sia la copertina che il solito meraviglioso confezionamento, a cui ci ha abituato la band da (quasi) sempre, non sono però l’unica cosa gradita di questo nuovo album degli YES che arriva dopo 10 anni dal ben apprezzato "Magnification". La storia e le problematiche (nel caso degli YES quasi sinonimi) tra i due album sono cronaca accessibile a tutti e non starò qui a ripeterle.

Il risultato, parafrasando Il Gattopardo, è “bisogna che tutto cambi perché tutto resti uguale”.

Via Jon Anderson, il quale si è permesso di ammalarsi durante un importante tour (quale affronto). Il bradipo, noto anche come Chris Squire, non si è lasciato sfuggire neanche per un istante l’occasione per defenestrarlo completamente e sostituirlo con nuove(?) leve.
Riccardone Wakeman, poi non è mai stato un esempio di salute e quindi fuori anche lui ma d’altronde è dal 1971 che appare (quando appare) nei dischi degli YES per cortesia della A&M records, quindi al fatto che possa mancare ci siamo abituati.

Secondo l’assioma che quella di Anderson sia l’unica (a volte irritante) voce possibile per gli YES (chi ha detto Trevorn Horn?) chi era l’unico al mondo che poteva sostituirlo se non qualcuno che proviene dal fandom, che conosce a mena dito ogni istante della loro discografia e che l’ha pure cantata a mo’ di imitatore fino a ieri ? Ma Benoit David, ovviamente.

E incredibilmente nei minori (per fortuna) momenti in cui fa l’imitatore, sembra proprio di ascoltare l’ex calciatore di Accrington nel Lancshire ma ancora più incredibile, nei maggiori (per fortuna) momenti in cui decide di fare il cantante, David si dimostra perfettamente calato nel sound YES ... o dei Buggles ? ... no degli YES.

Sono passati appena pochi istanti dall’addio di Anderson e Wakeman ma tanto le lacrime si sono già asciugate, ed ecco apparire Trevorn Horn e Goeff Downes. Il primo nel ruolo che sa fare ottimamente, ossia il produttore, l’altro nell’unico ruolo che sa fare, il tastierista (oltre ad affossare e rendere di nicchia, un gruppo miliardario come gli ASIA). E i due ne approfittano subito per proporre a Squire, Howe e Alan White (a questo punto il trio che crea stabilità e continuità al progetto YES) uno scarto da studio risalente ai tempi di DRAMA.

WE CAN FLY (from Here)

(Voci dicono che ne esiste una versione dell’epoca, fine 70/inizio anni 80, con Bill Bruford , se è vero, il demo DEVE essere MIO).
I tre si guardano tra loro perplessi per un attimo e poi si rivolgono ai due Buggles: “Ma non l’avevamo scartato da DRAMA ? E poi non l’avevate riciclato per le bonus track del CD di voi due, Adventures in Modern Recording ?

“E’ vero”, rispondono i due Buggles “ma ci è venuta la genialata di ampliarla in un’intera suite e la faremo con l’ottica dei grandi anni 70 ma con le tecniche di incisione, missaggio e registrazione più moderne e all’avanguardia e sarà la più lunga delle “poche” suite che gli YES hanno fatto fino ad oggi” (circa una dozzina).

Grande idea ... : Dice Howe.

... così manterremo i vecchi fan e ne prenderemo di nuovi tra i loro nipoti: Dice White.

Hic: Dice Squire.

E proprio con questa suite inizia il nuovo album degli YES da cui prende il titolo, disponibile in CD normale al prezzo standard di mercato ma per pochi €uro in più con DVD comprendente documentario e video del singolo We Can Fly, che è anche il secondo movimento della suite e per molti €uro in più, un box nero, contenente quanto sopra, più vinile, più maglietta .. uaoh.

La prima metà del CD ed il primo lato del vinile contengono la suite in 5 parti e qui come in tutto l’album si può apprezzare il grande lavoro di produzione sui suoni che sono l’altro marchio di fabbrica del gruppo fin dai tempi dell’altro ex semi ufficiale YES, Eddie Offord. Straordinarie dinamiche degne di un vinile e miracolosamente salvate nella stampa in CD, suoni vivi e colorati che donano alla musica una vita tridimensionale e un impatto elevato anche nei momenti meno ispirati.

La voce (vera) di David amplia di molto lo spettro interpretativo ma nei coretti con Squire il fantasma di Anderson è palese quanto nostalgico. In effetti l’apparato melodico di tutta la composizione ci riporta al decennio d’oro del cosiddetto progressive. Nulla di nuovo quindi ma è pur vero che è dai tempi dell’album verde che le suite degli YES sono sempre la solita, magnifica, Close to The Edge.

Se c’è una critica da fare alla suite è la poca presenza di Howe ma trattandosi di una creatura di Downes e di Horn ... la chitarra è presente in modo massiccio nel secondo movimento (quello del singolo) per ovvi motivi di rappresentanza. Un poco all’inizio del terzo movimento: “Sad Night at the Airfield" e, avendola scritta lui, nella 4° parte: “Bumpy Ride”, forse il momento più interessante e “YES” della suite.

Il lato B(?) si apre con “The Man You Always Wanted Me to Be” che , udite, udite, vede per la prima volta in un disco degli YES, Chris Squire come lead vocal (si vede che manca Anderson eh eh eh). Il brano scritto dal bradipo in persona con l’aiuto del suo ex compagno dei Syn, Gerard Jhonson è orecchiabile, ruffianetto al punto giusto e potenziale altro singolo.

Più interessante la successiva, “Life on a Film Set” anch’essa scarto dei Buggles ma qui arrangiata ottimamente. Soprattutto Howe si ricorda chi è con la sua chitarra classica in un brano apparentemente AOR ma chi riserva piacevoli sorprese. Il finale è un poco inconcludente ma azzardo a dire che qui Anderson non avrebbe fatto meglio di David.

Ed ecco finalmente i due pezzi scritti dal solo Howe. Li aspettavo dall’inizio dell’album e il primo, “Hour of Need”, nonostante (o forse a causa) dell’inizio promettente diventa dopo 15 secondi esatti un rilassato brano da spiaggia degno dei momenti più beceri dello Jon Anderson solista ma d’altronde, storicamente i due facevano comunella contro l’altro polo compositivo del gruppo, quello di Squire.

"Solitaire" è il vero momento “solitario” di Howe, come lo fu per il brano "Masquerade" in “Union”. I momenti acustici, “intimi” di Howe sono di quanto più lontano ci possa essere dal mondo YES, dal progressive, dalla cultura Britannica.

Momenti di pace e riflessione.

Chiude l’album "Into the Storm", altro potenziale singolo pop. Scritto da tutti i componenti del gruppo compreso White ma con Oliver Wakeman ( .. oh dad ..) al posto di Downes. Oliver aveva partecipato al tour del 2008 e aveva cominciato a collaborare in studio per Fly From Here fino all’arrivo di Dwones. Nell’album non si specifica dove finisca il lavoro di uno e cominci quello dell’altro e qui è l’unico posto dove appare nei credits. Comunque, forse, parteciperà al tour promozionale.

In ultimo, alla faccia nostra e per la gioia dei collezionisti, in Giappone (i soliti privilegiati) il disco è uscito con un pezzo in più che non è altri che “Hour of Need” lunga il doppio. Chissà se così il pezzo ne giova o ne raddoppia solo l’agonia.

In conclusione un album lontano dalle vette di Keys To Ascension, se vogliamo rimanere in ambiti relativamente più recenti ma lo stesso apprezzabile e piacevole .. e poi c’è Roger Dean.

Per il voto ascoltatelo e datevelo voi.

(Recensione di Donald McHeyre)

Genesis-Selling England By The Pound (Charisma, 1973)

2011-07-01T00:00:00.001+02:00

Genesis, chi li ama alla follia per Gabriel, chi li odia per Collins, mai viceversa in realtà. Erano lontani i tempi in cui ottenevano i primi consensi in Italia girando per luoghi come il Piper prima di diventare autentiche leggende della musica Prog e non solo. Possiamo definire i loro album come un progressivo mutamento in positivo fino ai tempi di And There There Were Three (1978), insomma alla fin fine i primi due album di Collins da vocalist sono stati comunque eccellenti, soprattutto lo splendido A Trick Of The Tail (1976). In realtà però chi è appassionato di Prog li ricorda per il virtuosismo alle tastiere di uno di quelli che insidiava il trono a gente come Rick Wakeman o Keith Emerson ovvero Tony Banks, per il basso e la chitarra a 12 corde di Mike Rutherford, il faccino adorabile di Phil Collins, che si dilettava nel fare da seconda voce ed eccellente batterista, la vena creativa del grandissimo Steve Hackett, spesso sbeffeggiato dalla band ma con una vasta e grandiosa carriera solista; ma soprattutto Peter Gabriel, la presenza scenica, il "The Flower" in "Supper's Ready", "Rael" in "The Colony Of Slippermen", proprio lui che indossava spesso vestiti della moglie. I Genesis ci hanno lasciato delle perle leggendarie come Trespass (1970), Nursery Cryme (1971), Foxtrot (1972) e The Lamb Lies Down On Broadway (1974) che alcuni preferiscono anche al capolavoro d'arte Selling England By The Pound.

Non è facile parlare di quest'album perchè si avrebbe la paura di non rendere l'idea della grandiosità che si cela all'interno. D'altronde l'apertura è già da brividi. Dancing With The Moonlit Knight introduce l'album con la voce a cappella di Gabriel e man mano che si procede c'è una progressiva accelerazione che porta ai soli del duo Hackett-Banks. Così come lo è l'intero album anche questa canzone è complessa, nella fase centrale tra un solo e l'altro viene utilizzato un coro a 8 voci, Tony Banks si diletta nell'uso del Mellotron M400 appena acquistato e Steve Hackett spesso viene menzionato per aver usato la tecnica del tapping e dello sweep-picking. Il testo è ironicamente riferito ad alcuni prodotti inglesi. Segue alla grande apertura un grande singolo, uno di quelli che spezza il ritmo tra canzoni più articolate per affrontare temi leggeri. I Know What I Like (In Your Wardrobe) è una ballata, se vogliamo anche con qualche leggero risvolto psichedelico, il testo si riferisce a un ragazzo nullafacente in cerca di lavoro. E' uno di quei brani ripoposti molto spesso dalla band soprattutto nel periodo Pop con Phil Collins frontman. Arriviamo al terzo brano, una canzone indescrivibile, Firth Of Fifth. Alcuni la considerano come la più bella dei Genesis, di sicuro si contende il trono con Supper's Ready, anche se molti preferiscono in quest'album The Battle Of Epping Forest. Quando avremmo finito di sentire l'intera canzone strutturalmente e musicalmente ci sembrerà incredibilmente perfetta, senza sbavature. L'intro in pianoforte è uno dei più famosi della storia, alla voce di Gabriel invece seguono tre soli, il primo dello stesso Gabriel al flauto dai toni più pacati, l'accelerazione arriva invece con il solo di Banks che riprende i motivi dell'introduzione, segue poi con ritmo più tenue il solo di Hackett, quasi a sfondo epico. In realtà Tony Banks ha addirittura definito il testo di questa canzone come uno dei più scarsi alla quale lui abbia mai partecipato e nel tour "Seconds Out" spesso, odiando il pianoforte elettrico per effettuare l'introduzione di questo brano la tralasciava passando così direttamente alla parte cantata. La traccia quattro è rappresentata da More Fool Me, una canzone completamente acustica, l'unica cantata da Collins assieme a For Absent Friend di Nursery Cryme durante il periodo Gabriel, una di quelle che lascia presagire il suo avvento alla voce. The Battle Of Epping Forest è il brano più lungo dell'album e uno dei più complessi. Protagonista assoluto è Gabriel e i suoi continui mutamenti di voce per interpretare ruoli e personaggi diversi cosi come farà in The Lamb Lies Down On Broadway. Tuttavia, proprio per la sua complessità, la band ha cominciato a pensare che sarebbe stato impossibile riproporre questa canzone sempre senza errori, quindi è stata tolta per sempre dai tour e mai più rappresentata a differenza di I Know What I Like, Firth Of Fifth o The Cinema Show, altri pilastri di questo album. Finalmente arriva anche il tocco di Hackett, come se non l'avesse già messo, con After The Ordeal, che è un brano interamente strumentale e che creò inizialmente molti problemi; infatti sia Tony Banks che Peter Gabriel furono contrari al suo inserimento nella tracklist dell'album, fu proprio una di quella serie di discussioni che portò all'abbandono di Hackett dopo Wind And Wuthering (1977) riuscendo finalmente ad esprimersi per come lui voleva. Come se non bastasse segue un altro capolavoro, The Cinema Show. Una dimostrazione di forza del gruppo dominata all'inizio dagli arpeggi di chitarra a dodici corde con inserti di flauto e nella seconda parte da un impressionante assolo di Tony Banks dalla durata di 5 minuti in 7/8. Se voi provaste a vedere un esibizione di tale solo anche solamente in video potreste rimanere davvero a bocca aperta. Il testo invece è un misto tra Romeo e Giulietta e la figura mitologica di Tiresia. Il brano in realtà termina conAisle Of Plenty, coda dello stesso The Cinema Show e dell'intero album come sempre caratterizzato da giochi di parole che in questo caso vanno contro il consumismo delle grandi imprese.

E' ovvio che le sensazioni sono soggettive ma credo che oggettivamente su questo album non ci sia nulla su cui discutere. I vecchi camaleonti del Prog ricordano le loro date in Italia come se fossero leggenda e in effetti non può che non essere così. I Genesis come tutti saprete da lì in poi avranno un grande impatto commerciale nel Pop, ma senza ombra di dubbio una regressione incredbile da parte dei membri della band. Tra tutti Banks che perde veramente in negativo rispetto al passato. Anche se ad alcuni i Genesis piacciono anche da Pop è vergognoso ritrovarsi una discografia che affianca brani come The Musical Box a brani come I Can't Dance. Purtroppo la maggior parte delle band hanno una fase negativa anche se questa è durata davvero troppo. Nonostante tutto Peter Gabriel e Steve Hackett, nella loro carriera solista hanno continuato a stupire, mantenendo sempre un loro stile inconfondibile. Non ci resta che sognare tra le nostre cuffie e goderci fino a quando potremmo la perfezione di quest'album e dei primi anni di Genesis.

Voto: 10

Porcupine Tree-Fear Of A Blank Planet (Roadrunner Records, 2007)

2011-06-11T00:00:00.000+02:00

Porcupine Tree, una di quelle band che meriterebbero molto di più. Icone del Prog moderno, probabilmente anzi sicuramente la miglior espressione Prog Rock (e non solo) degli ultimi anni, anzi decenni. I Porcupine Tree sono innanzitutto Steven Wilson, creatore della band, frontman, paroliere, chitarrista e cantante, insomma serve altro? Fu proprio lui a partire da solo con il progetto, suonando tutti gli strumenti e cantando. Il primo periodo mostra l'influenza delle atmosfere Pink Floydiane ma la band ha sempre sviluppato e ridefinito un proprio stile inconfondibile e contaminato da vari generi. Completano la band lo straordinario Gavin Harrison, uno dei più grandi batteristi al mondo, estremamente duttile, con mano sia Jazz che Hard quando serve. Lo stesso Harrison venne chiamato a sostituire il primo batterista Chris Maitland dal tastierista Richard Barbieri. Al fianco dei componenti già citati abbiamo Colin Edwin al basso, facilmente riconoscibile da un cappellino che copre la sua "testa pelata" e John Wesley come turnista.

Fear Of A Blank Planet è un album eccezionale che sperimenta vari modi di interpretare la musica. Non mancano atmosfere psichedeliche, o addirittura "Death" come specificato da Wilson in un intervista. Il tutto si mescola nella struttura Progressive.

Apre l'album il brano omonimo che inizia con il suono di un uomo che scrive al computer. Il riff è incredibilmente orecchiabile e muta poi in chiave Psichedelica e Heavy con un accelerazione nel finale. Chiave dei Porcupine Tree sono i meravigliosi testi del poeta Steven Wilson, tanto che proprio da questo album sono state prese alcune scritture inseriti in libri di letteratura inglese. My Ashes è decisamente una canzone docile agli stili di Lazarus, dell'album precedente, Deadwing (2005). Tutte le canzoni sono praticamente unite, quindi difficilmente ci si accorge del cambio, esattamente come un "concept". My Ashes precede il grande capolavoro dell'album, pietra miliare almeno di questo decennio, Anesthetize. E' una canzone piena di sorprese, con un testo straordinario, che condanna MTV e coloro che la considerano come unica filosofia. Ovviamente le atmosfere iniziali sono quasi strutturate come da sottofondo, ai primi versi di Wilson succede il solo effettuato da un grande special guest, Alex Lifeson dei Rush, e in effetti facilmente si riesce a percepire la sua tipica sonorità. Da qui ci sarà la svolta in chiave Metal molto decisa, proprio sui versi dedicati a MTV. Probabilmente la parte più emozionante del brano è proprio la sezione strumentale, straordinario Gavin Harrison, in questo frangente dimostra tutta la sua bravura e classe. La fine è più tenue, ugualmente emozionante, giochi di voci ne fanno da padrone.

Sentimental segue Anesthetize, la canzone si sviluppa più o meno sugli stessi toni di My Ashes.

In Way Out Of Here l'ospite d'onore è niente di meno che Robert Fripp, uno dei più grandi artisti degli ultimi 40 anni, da sempre in collaborazione con altri geni della musica, come appunto Steven Wilson. Qui la struttura è più simile al brano di apertura, anche qui abbiamo un risvolto finale in chiave Heavy. Sleep Together chiude l'album, qui notiamo anche un'altra caratteristica dei Porcospini come l'elettronica, spesso fa da atmosfera o accompagna la voce del cantante, il brano si articola come una degna canzone di chiusura accompagnato da atmosfera orchestrale.

Possiamo definirlo come uno dei migliori di album in una discografia che non ne ha un peggiore, o almeno è quasi impossibile da definire. Il genio dei Porcupine Tree e di Steven Wilson è in continua evoluzione. Infatti lo stesso Wilson è impegnato in altri progetti come No-Man e Blackfield ma non solo, Gavin Harrison ha recentemente partecipato al nuovo progetto targato King Crimson e oramai fa parte della formazione ufficiale. In un'intervista Wilson esprime un concetto davvero profondo "Io scrivo i testi ma non dico alla gente come li interpreto perchè mi piace pensare che la gente possa interpretarli a loro modo". La genialità non è solo bravura tecnica ma molto altro e i Porcupine Tree lo dimostrano a pieno. Mai ripetitivi e sempre innovatori in un genere musicale che in effetti di sorprese ne lascia sempre tantissime. E allora possiamo dire con sicurezza che l'"l'albero dei Porcospini" è destinato a crescere ancora tantissimo.

Voto: 8,5

Max Pezzali live @ Gran Teatro Geox, Padova 21.05.2011

2011-05-22T23:36:00.002+02:00

Recensione a cura di ALESSIA RADOVIC, pubblicata anche su THE WEBZINE

Ore 21.15 circa. Mi guardo intorno e al Gran Teatro Geox vedo persone di ogni tipo: adolescenti, genitori con figli, coppie giunte al loro secondo tempo (cit.), ventenni, trentenni, quarantenni e anche qualche fan "del metallo".

Quando le luci si spengono e lui entra il boato è fortissimo, pari a quello che si potrebbe sentire trovandosi davanti ad una rockstar. Volete sapere chi è lui? Ve lo dico subito: Max Pezzali. Alcuni di voi storceranno il muso, altri sorrideranno sornioni. Coloro che sorridono sanno che, volente o nolente, Max Pezzali, in particolare nella figura di leader degli 883, fa parte della storia della musica italiana.

Tornando al concerto, si poteva pensare ad un inizio col botto e invece s'inizia col brano che dà il titolo all'ultima opera (che ci sembra più piacevole della precedente) di Max, "Terraferma". Segue "Credi" e zio Max consiglia ai giovani di non credere a chi dice loro di non saper "correre, vivere, scegliere, combattere" perchè a lui, da ragazzo, dicevano lo stesso.

A seguire il pezzo sanremese "Il mio secondo tempo"; ma com'è potuto arrivare così in basso nella classifica? Ulteriore prova che tutto quello che non viene apprezzato dalla giuria sanremese verrà poi apprezzato dal pubblico. Altri due pezzi dell'ultimo album, il primo "Ogni estate c'è", un pezzo ritmato alla "Bella vera" che ti proietta subito in spiaggia, mentre il secondo "Tu come il sole (risorgi ogni giorno)" è una ballad da "tempo delle mele" che però non ci dispiace. Si prosegue sulla stessa lunghezza d'onda con "il mondo insieme a te", "Sei fantastica" e "Lo strano percorso".

E finalmente si giunge al momento che tutti stavamo aspettando, quando partono le prime note di "Rotta per casa di Dio": il palazzetto si anima inaspettatamente, la gente si guarda incredula e inizia a saltare e cantare insieme al loro idolo, probabilmente ricordando le esperienze di una vita fa.

A questo punto s'invertono i ruoli, Max ci chiede di cantare al suo posto le canzoni che sono entrate nella nostra vita, le chitarre intonano "Io ci sarò" e il pubblico in visibilio la interpreta all'unisono, stessa cosa per "Se tornerai", "Come deve andare" e "Me la caverò".

Si riparte con "Quello che capita" per arrivare poi al momento clou della serata.

Come dice Max quella di Padova è l'ultima data e può succedere di tutto e sulle prime note dell'Uomo Ragno, il tastierista Megahertz (vero nome Daniele Dupuis, qualcuno se lo ricorda in apertura dei Bluvertigo all'Idroscalo?) viene issato a delle funi e vestito da supereroe volteggia nel "cielo".

Si torna alla realtà e proiettando sul megaschermo immagini della vittoria ai mondiali 2006 tutti insieme si canta "La dura legge del goal" (era proprio necessario concludere con il solito "Popopopo"? i White Stripes sono quasi 5 anni che hanno il singhiozzo).

Su "Come mai" decido di darmi un'altra occhiata in giro e ogni bocca si sta muovendo, chiunque lì dentro conosceva le parole di questo pezzo da novanta. Ci si diverte ancora e si torna a ballare con "Tieni il tempo", "Nord Sud Ovest Est" e "La regola dell'amico".

Altro medley acustico affidato al pubblico, stavolta seguito da tastiera "Nient'altro che noi", "Ti sento vivere", "Eccoti" e "Una canzone d'amore", gli innamorati si baciano e Max sorride felice.

Siamo quasi giunti alla fine con "Nessun rimpianto" dove un deciso Pezzali dice che quella porta lui non la aprirà e infine "Gli anni", a mio parere uno dei migliori brani di sempre.

E' tempo di bis con "La regina del Celebrità", il probabile nuovo singolo "Quello che comunemente noi chiamiamo amore" e "Sei un mito" come degno finale.

E' tempo di tornare al 2011. Ciao ciao anni '90.

Piccola curiosità: per leggere i testi Max usava un'iPad, lo stesso modello che sto usando io per scrivere questa recensione: che coincidenza!

Tool-Aenima (Zoo/Volcano, 1996)

2011-04-29T00:00:00.000+02:00

Un nome, una garanzia. I Tool sono una band nata nel 1990 da un incontro avvenuto tra due geniali menti quali quelle del paroliere Maynard James Keenan e del fondamentale Adam Jones, membro del gruppo importantissimo sia musicalmente che esternamente, capace di partecipare come scenografo a film come Terminator 2 e Jurassik Park, insomma mica poco. Divenuti famosi inizialmente grazie alle numerose partecipazioni al festival di Lollapalooza, i Tool si sono imposti prima nella scena Alternativa con LP Opiate (1992) e l'album Undertow (1993), acclamato dalla critica. Il sound dei Tool è inconfondibile, uno stile unico, molto oscuro ma altamente affascinante, ma ciò che porta il gruppo alla massima acclamazione è l'ingresso nella formazione di Justin Chancellor che entra al posto di Paul D'Amour dai Peach. Le caratteristiche sfociano oltre che in sonorità macabre e coinvolgenti anche in un linguaggio visivo che caratterista gli spettacoli della band come un autentico palinsesto di luci nel quale Keenan preferisce posizionarsi dietro e rimanere nel buio creando un atmosfera elettrizzante. Tutto questo si accentua con uno dei grandi capolavori della band, Aenima. I brani si fanno più lunghi e articolati e questo porta la band a scrivere una pagina importante di un Progressive particolarissimo che porterà loro un apprezzamento da parte anche di chi non ama il genere.

L'album è dedicato a Bill Hicks, storico comico dalle mille controversie e amico stretto della band, importante il tributo fatto a lui nella canzone di chiusura. Stinkfist è il brano di apertura, un brano molto particolare che si incentra sulla masturbazione, lo stesso Keenan conferma che nessun altro gruppo è mai andato cosi a fondo in questo argomento. Per questo brano fu pubblicato anche un video in cui MTV e VH1 percepirono dei messaggi offensivi tanto che nel momento in cui andava in onda appariva semplicemente come "Track1". Fin da questa canzone si percepisce l'importanza del basso di Chancellor, e se notate nei Tool questo strumento è importantissimo perchè caratterizza il sound della band, e da strumento d'accompagnamento molto spesso diventa strumento solista. Segue Eulogy, la durata dei brani aumenta radicalmente. Una lunga entrata dai suoni orientaleggianti segue la voce che accompagna un esplosione fantastica. Il brano non è affatto semplice, si gioca il ruolo di capolavoro assieme alla splendida Pushit. H. completa il trio d'apertura, altra grande traccia questa volta dai toni leggermente più pacati. Useful Idiot introduce un altro gioiello presto pietra miliare della band, da grandissimo impatti nei live, Forty Six & Two, nel quale dà il meglio di se Danny Carey, che sfodera tutta la sua tecnica nella parte centrale, se qualcuno vedesse i suoi video potrebbe pensare, all'arrivo di una sua bacchetta in testa di rischiare il coma, un enorme uomo per un enorme potenza. Message To Harry Manback è un messaggio registrato in segreteria nella quale si riescono a sentire vari insulti anche in Italiano, il tutto su uno sfondo di pianoforte, strano sentirlo in questa band. Precede quindi la traccia più cattiva dell'album, Hooker With A Penis, dove la voce di Keenan è estremamente potente e il ritmo diventa molto più incalzante. La simpatica Intermission fa da ulteriore introduzione a Jimmy, dove gli animi si placano. In Die Eir Von Satan su sfondo di suoni elettronici la voce è di Marko Fox degli ZAUM, è un altro brano con funzione di introduzione, formula spesso utilizzata dalla band, ed è un introduzione importante perchè anticipa il capolavoro Pushit. Un brano molto pacato e rilassante soprattutto nella parte centrale, è caratterizzato da una cornice di sfondo altamente contagiosa e suggestiva, Adam Jones non è ipertecnico ma nei suoi soli è sempre preciso e puntuale e Maynard James Keenan riesce ad adattare la sua voce e a portarla in un attimo da un tono fievole a un tono grintoso. Altra introduzione Cesaro Summability, che inzia con un bambino che piange, è terrorizzante ma come in un grande film Horror rimani incollato alle cuffie prima della canzone simbolo di questa band, la title track Aenema. Sempre proposta nei live, i sospiri iniziali del cantante introducono Adam Jones e il solito Carey che incentra l'intro sui tamburi, le percussioni, che sono un altra componente fondamentale, molto spesso queste precedono un esplosione che avviene proprio nel ritornello in cui Keenan usa, come spesso fa, parole pesanti; d'altronde il gruppo è abituato a non utilizzare vie di mezzo, per questo molte volte è stato censurato ma ne è sempre uscito alla grande. (-) Ions è l'introduzione più lunga per il brano più lungo di tutto l'album, Third Eye, ultima traccia. La canzone è un autentico tributo a Bill Hicks, la musica diventa nient'altro che un accompagnamento alle sue parole. Il gruppo lo ha definito con una frase molto significativa: "Another Dead Hero".

E' il momento in cui la band raggiunge i massimi livelli, ancora conservati tutt'oggi. L'album vince 3 dischi di platino e riceve una nomination al Grammy, non che oggi i premi siano cosi importanti, visto chi li vince ma è comunque una dimostrazione di grande capacità. I Tool sono famosi anche per la distanza di pubblicazione tra un album e l'altro, di media 5 anni. Questo perchè la band cura ogni minimo dettaglio e prepara alla perfezione spettacoli visivi talmente incredibili che ancora si rimane stupiti dal fatto che non sia stato pubblicato nessun DVD ufficiale live. Le persone si limitano a guardare video amatoriali, questo anche perchè Keenan, da come si nota vista la sua posizione sul palco, è molto riservato, spesso vieta di fotografare. Tuttavia la band si afferma con il meraviglioso Lateralus (2001) che anticipa 10.000 Days (2006), l'album più difficile della band ma protagonista di un ulteriore dimostrazione di capacità di innovazione. E' difficile capire quali siano le influenze di questo gruppo. Maynard James Keenan è molto affezionato ai King Crimson, grupp per il quale i Tool hanno fatto da spalla in 10 date mentre addirittura alcuni, li definiscono i "Pink Floyd" del Metal, un Metal di classe. Attualmente i Tool sono assolutamente tra i migliori gruppi al mondo e tutti aspettano l'uscita del nuovo e attesissimo album.

Voto: 9

Frank Zappa - Civilization Phaze III (Barking Pumpkin Records, 1994)

2011-03-27T15:24:00.006+02:00

Non è facile parlare di un disco come questo. La mia passione per la musica di Frank Zappa non è per niente nascosta o nascondibile, ma questo disco è qualcosa di oltre anche per lui. E' in tutti i sensi l'ultima fatica di Zappa. Gli ultimi anni della sua vita, a malattia già iniziata, li ha spesi soprattutto per ultimare questo progetto. Innanzitutto vediamo di capire perché questa è la parte tre indicata nel titolo. La prima parte sarebbe il disco dei Mothers of Invention "We're Only In It For The Money" (splendida parodia del mitico "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" dei The Beatles, dei quali parleremo in un secondo momento in un editoriale apposito) e la seconda "Lumpy Gravy", il primo lavoro accreditato al solo Zappa.
In realtà di "We're Only In It For The Money" c'è poco o niente in questo album, mentre i legami con "Lumpy Gravy" sono molto più forti. Stiamo parlando ovviamente delle "voices inside the piano" e la loro trama. Per chi non sapesse di cosa sto parlando, si tratta unicamente di un esperimento sonoro di Zappa. All'età di 9 anni, il piccolo Frank notò al funerale di sua nonna che le candele rispondevano ad alcune note di organo muovendosi in un certo modo. Scoprì quindi che parlando all'interno di un piano, in base alla nota che la voce fa, la corda che produce la nota corrispondente vibra. Se volete un esempio analogo provate a parlare a voce alta davanti ad un termosifone, ad esempio.
Affascinato da questo, Zappa quasi vent'anni dopo (nel 1967) registrò molte conversazioni senza senso fatte da alcuni collaboratori con la testa dentro ad un piano. La trama non ha molto senso in realtà, ma in questo caso è secondaria: si parla semplicemente di una possibile umanità che viene rapidamente trasformata in maiali e pony che controllano il mondo, e di modi per capire come evitare tutto ciò. Il fatto poi che molti dialoghi siano frutto di taglia e cuci tra voci registrate nel 1967 e nel 1991 rende ancora meno comprensibile tutto ciò. Ciò che interessava a Zappa maggiormente però era l'essenza del suono particolare che hanno tali voci una volta fatte risuonare all'interno della cassa di risonanza di un piano.
L'umorismo che contradistingue Zappa è quasi completamente assente: qualche nonsense volgare in varie lingue su "This Ain't CNN", il titolo di "Dio Fa" (anche se la composizione è tutto meno che divertente) e uno stravolgimento di "In The Navy" dei Village People (irriconoscibile comunque) nella traccia "N-Lite".
Uno dei requisiti per riuscire ad apprezzare questo disco è tenere in mente il momento in cui è stato fatto: Frank Zappa, al momento della produzione del disco, aveva infatti un cancro allo stato avanzato, sapeva che non sarebbe durato molto e non fa niente per nasconderlo in questo album. L'atmosfera è infatti cupa e oscura e la musica è complicata, ostile e di difficile ascolto persino per i fan di Zappa più accaniti.
Zappa non riuscì a vedere questo album nei negozi (Frank morì il 4 Dicembre 1993 e questo disco è uscito il 2 Dicembre 1994, quasi un anno dopo), ma quantomeno riuscì a terminarne una stesura definitiva.
La musica è eseguita quasi interamente al synclavier (aggegio elettronico che Zappa usava per comporre e che utilizzò spesso negli anni 80 nei suoi album. Diversamente dal solito ha però suoni veri campionati, invece di frequenze sintetizzate), con l'ausilio dell'orchestra Ensemble Modern che più volte ha collaborato con Zappa negli ultimi anni della sua vita.
I momenti di maggior interesse sono la già citata "N-Lite", "Put a Motor on Yourself", "A Pig With Wings" (un momento quasi distortamente e perversamente sensuale), "Buffalo Voice", "Dio Fa" e "Beat The Reaper", probabilmente le tre cose più spaventose e agghiaccianti che si possano trovare in un album di Zappa.
Questo ultimo brano in particolare, sembra essere la morte di Zappa espressa in musica. La morte vista dal punto di vista di un uomo che sa di stare per morire è molto diversa dalla morte vista dall'esterno (cito ad esempio "Canzone per un'amica" di Francesco Guccini), e si tratta più che altro di un brano paranoico, assurdo, nel quale si mischiano vari elementi apparentemente incompatibili tra di loro e che pare non avere una soluzione propria. In aggiunta a tutto questo, in sottofondo al brano c'è un incessante rumore di pioggia, che prosegue anche nella traccia successiva e di chiusura dell'album, intitolata "Waffenspiel": 4 minuti di rumori di temporale, spari, aerei che passano e latriti di cani. E' già di per se un finale inquietante perché non c'è niente di ciò che ci è rimasto familiare per i 110 minuti precedenti: né le voci, né la musica, solo rumori distanti. Ma, tenendo conto che non è solo il finale dell'opera, ma il finale dell'intera discografia Zappiana, e in un certo senso della vita di Zappa allora acquista una vena disturbante e spaventosa.
E' un disco terribilmente difficile, non adatto al fan casuale e ancora meno a chi non conosce quasi per niente Zappa. Tuttavia, per lo scolaro Zappiano è semplicemente essenziale, ed è un album che dimostra perché Zappa, nonostante il suo senso dell'umorismo particolare e la sua vena goliardica non va assolutamente considerato un artista demenziale.
Un disco da sviscerare, studiare e ascoltare ancora, ancora e ancora.

Voto: 9

PFM - Chocolate King (Numero Uno, 1975)

2011-03-14T00:00:00.000+01:00

PFM, non credo ci sia bisogno di presentazioni eccessive. Una delle più grandi realtà del Progressive Made In Italy, uno di quei gruppi che in realtà compete anche con i più grandi di questo genere, insomma un nome, una garanzia. Iniziarono sotto il nome de "I Quelli"; erano canzoni più che altro Rock'n'Roll che Progressive ma già si intravedeva da parte di ognuno destrezza nello strumento. Ogni componente all'interno del panorama italiano risulta tra i migliori in assoluto. Storia Di Un Minuto (1972) è il primo album e tra l'altro il più ricordato soprattutto per la presenza di canzoni come "La Carrozza Di Hans", "E' Festa" e "Impressioni Di Settembre", vere icone di questa band, canzoni sempre riproposte in live. Il gruppo in futuro cercherà successo all'estero e vincerà per due volte il premio come miglior gruppo emergente sulla stampa Inglese pubblicando anche per l'etichetta discografica creata dagli Emerson, Lake and Palmer, la Manticore. Per l'approdo della musica Progressiva Italiana anche sulla west coast la PFM decide di andare alla ricerca di un frontman e lo troverà in Bernardo Lanzetti, chiamato dai fan "The Voice Impossible", il Gabriel italiano, ex cantante in quel momento degli Acqua Fragile. Il risultato sarà un bottino di tre album straordinari ma forse anche fin troppo sottovalutati, alla fine infatti la band deciderà di tornare a lavorare in Italia ma soprattutto di tornare a cantare in Italiano con Passpartù (1978).

Il primo album dell'era Lanzetti rimane storico, Chocolate Kings è uno dei pilastri del Prog Italiano, ma messo molto da parte. From Under è il brano d'apertura in cui la voce di Lanzetti è perfetta e precisa perchè amalgama sinuosamente momenti più soft a pure esplosioni Rock, lo strumentale è tutto affidato nelle mani degli altri membri, Mauro Pagani al Violino e Flauto Traverso spesso è protagonista e si scambia con il virtuosismo di Mussida e Premoli, chitarra e tastiera fino ad arrivare a Franz Di Cioccio dove in alcuni momenti lascia intravedere degli autentici solo di Batteria; da non ti menticare lo straordinario Patrick Djivas, immenso bassista che arrivò nella band dagli Area, insomma mica poco. Il ritmo, nei frangenti più spinti è incalzante, veloce e persuade l'ascoltatore. Harlequin forse è il brano più bello dell'album, poche volte riproposto live ma ultimamente ripresentato anche al Prog Exhibition a Roma. Cosi come in quasi tutte le canzoni dell'album c'è un esplosione nella parte centrale, questa volta contrassegnata da un accelerazione repentina che porta a una mutazione quasi in chiave Hard. Non a caso si diceva che al posto di Bonham i Led Zeppelin provarono a chimare proprio Di Cioccio. In assoluto Chocolate Kings è la canzone che ha la funzione di simbolo, non a caso è la title track dell'album. Non sarà la più bella ma è sicuramente quella che avrebbe in un live l'effetto di una "E' Festa" perchè porta a smuovere il pubblico. Suonata pochissime volte dal vivo, anche perchè è impossibile per Di Cioccio arrivare alle tonalità di Lanzetti, tuttavia un'ottima riproposizione proprio con Lanzetti la troviamo nel cofanetto 10 anni live (1996), diviso in 4 cd, una raccolta di live a partire dai tempi delle cover di Jethro Tull e King Crimson. Out Of The Roundabout, il brano successivo, è quello più riproposto dal vivo, praticamente in ogni concerto, oggi però è Lucio Fabbri, che tra l'altro sostituisce egregiamente Mauro Pagani che abbandonò il gruppo già da Jet Lag, a interpretarla. Paper Charms è il pezzo più lungo, quasi 9 minuti, e pensare che la PFM raramente è arrivata, nonostante la grandezza, a comporre un brano di 10 minuti. Comunque sia, anche Paper Charms per la sua complessità è uno di quei brani che in live, riproposto ad un pubblico esperto farebbe davvero colpo. E' un brano che bisognerebbe risentire perchè inizialmente quasi colpisce di meno però è proprio in questo che sta la caratteristica del Progressive, più si riascolta più si scopre qualcosa, il pluriascolto di un pezzo aiuta a percepirlo e ad apprezzarlo maggiormente.

Chocolate Kings verrà criticato in America e non molto preso bene probabilmente per i testi, quelli che parlano della cosi detta "mamma cicciona che va in giro col mitra e la cioccolata" simboleggiante proprio gli USA. Lanzetti rimarrà poco tempo, solamente tre album, il secondo, Jet Lag (1977), sarà molto più ispirato al Jazz, il terzo, Passpartù sarà un capolavoro di ritmica, tra l'altro con una bellissima copertina. Le redini andranno in mano a un grande Di Cioccio, leader carismatico e dalla ottima voce oltre che grande batterista. La band subirà però un calo, Suonare Suonare (1980) è amato da alcuni e non aprezzato da altri, cosi come Miss Baker (1987), mentre PFM?PFM! (1984) rimane di sicuro il più brutto e meno Progressive album della band che come altri gruppi Prog negli anni '80 a perdere colpi e a diventare più "semplice". Il ritorno avverrà nel 1996 con uno splendido Ulisse (1996) seguito da altri capolavori fino ad arrivare a un nuovo addio di Premoli che già lasciò la band dopo Suonare Suonare. Come vedete c'è tanto da dire, sono un'emblema della MUSICA Italiana, parliamo di musica in maiuscolo attenzione! E l'impressione è che questi "vecchietti" non la manderanno a dire perchè in fondo sono ancora giovani dentro.
VOTO: 8 1/2

No Strange Delight - Un approfondimento sui Roxy Music

2011-02-16T00:00:00.007+01:00

Il primo album dei Roxy Music è stato pubblicato nel Giugno 1972, ma la storia inizia nel Novembre 1970, quando Bryan Ferry, giovane insegnante di ceramica in una scuola femminile viene licenziato perché, invece di fare lezione, fa ascoltare musica alle sue studentesse. Il giovanotto, che nel tempo libero suona il pianoforte e canta, decide assieme al suo amico bassista Graham Simpson di pubblicare un annuncio per cercare un tastierista con cui portare avanti un progetto musicale. Contemporaneamente, Ferry fa un audizione per entrare nei King Crimson (si parla più o meno del periodo antecedente a "Islands"). Robert Fripp e Peter Sinfield decidono che la voce di Ferry non va bene per i King Crimson, ma restano abbastanza impressionati da lui da garantirgli un contratto con la E.G. Records, nel caso avesse bisogno.
Poco tempo dopo risponde all'annuncio un giovane insegnante di musica della Holland Park School, Andy Mackay, il quale però non suona le tastiere, bensì il sassofono e l'oboe anche se è possessore di un sintetizzatore VCS3. Mackay già che c'è porta a bordo un amico di università che presto farà parlare di se, Brian Eno, il quale anche se non è un vero e proprio musicista ha una visione interessante dell'arte, è in grado di adoperare il VCS3 di Mackay per manipolare i suoni del gruppo e sa cantare abbastanza bene da riuscire a fare i cori. Inizialmente Eno ha puramente funzione come tecnico del suono, ma ben presto diventa membro ufficiale. Dopo qualche tentativo fallito, vengono reclutati anche il batterista Paul Thompson e il chitarrista Davy O'List, precedentemente membro dei The Nice. Il gruppo prende così il nome di Roxy, un miscuglio tra "rock" e "sexy", ma dopo aver appreso che un gruppo Americano chiamato così esiste già, il nome del gruppo viene mutato in Roxy Music.
Grazie alla pubblicità del giornalista di Melody Maker Richard Williams, e al supporto del mitico DJ della BBC John Peel, la band registra la sua prima BBC session il 4 Gennaio 1972 (con i brani "Re-Make/Re-Model", "If There Is Something", "The Bob (Medley)", "Would You Believe?" e "Sea Breezes", tutti pezzi che in arrangiamenti leggermente differenti appariranno sul primo album). Poco dopo la session, in seguito ad alcuni fraintendimenti con il batterista Thompson, O'List lascia e viene sostituito permanentemente da un chitarrista mezzo Inglese mezzo colombiano, Philip Geoffrey Targett-Adams, che si fa chiamare Phil Manzanera. Con questa formazione la line-up classica dei Roxy Music (Bryan Ferry alla voce solista e al piano, Phil Manzanera alla chitarra, Andy Mackay ai fiati, Graham Simpson al basso e Paul Thompson alla batteria) nel Marzo 1972 registra il primo omonimo album.

FOR YOUR PLEASURE: THE EXPERIMENTAL YEARS (1972-1973)

Roxy Music (Island, 1972)

Fin dal primo album era chiaro che i Roxy Music volevano unire i loro differenti background musicali per creare un sound unico che però attingesse da diversi stili. "If There is Something", un brano dove per sei minuti succede di tutto, e nei quali diverse sezioni musicalmente diverse tra di loro sfociano l'una nell'altra in maniera pressoché perfetta, è parecchio esemplificativo. Un altro brano degno di nota, per lo stesso motivo, è l'ostica e avanguardistica "The Bob (Medley)", il brano dove la presenza di Eno è maggiore, contente un ottima prova chitarristica di Manzanera. Tale contrapposizione, un po' diluita, è presente anche in "Ladytron", che, dopo un introduzione atmosferica alterna ad una strofa pop, degli interventi strumentali tipicamente prog. "Sea Breezes" in un certo senso si potrebbe definire un po' il magnum opus del disco, maestosa nell'involucro e cervellotica nell'interno. Tra le canzoni più tradizionali sicuramente spicca "2HB", affettuoso omaggio a Humphrey Bogart, con la sua cadenza rilassata, quasi acquatica. Sicuramente i Roxy Music sono partiti col piede giusto, e questo disco è certamente uno tra i migliori album d'esordio di ogni gruppo.

Il bassista Graham Simpson diviene ogni giorno sempre meno interessato al gruppo e alla musica e sempre di più al Sufismo, cosicchè viene sostituito da Rik Kenton. Poiché l'album d'esordio non conteneva nessun 45 giri, il gruppo, con questa formazione, torna in studio di registrazione per registrare "Virginia Plain", un allegra canzoncina, tanto orecchiabile quanto bizzarra che diventerà presto uno dei classici del gruppo; apparirà inoltre in quasi tutte le ristampe (LP comprese) dell'album di esordio. Kenton però, inaspettatamente, lascia il gruppo, il quale decide che da ora in avanti non avrà più un bassista stabile. Viene reclutato come special guest John Porter, e il gruppo registra un nuovo album, intitolato "For Your Pleasure", degno di nota anche perché la gentil donzella che appare in copertina altri non è che Amanda Lear. Il disco viene anticipato dall'uscita del 45 giri "Pyjamarama", che segue le orme di "Virginia Plain" quanto canzone orecchiabile e bizzarra, ma i risultati di vendita ottenuti non sono gli stessi e il brano non viene inserito su album.

For Your Pleasure (Island, 1973)

Meno variegato del primo album, "For Your Pleasure" resta comunque un disco di grande interesse, non solo per la pregevolezza delle composizioni, ma anche perché il disco è intriso di un sound oscuro, quasi gotico, che non si ripeterà più nei dischi successivi. Il che è particolarmente notabile su "In Every Dream Home a Heartache", uno dei più alti vertici mai raggiunti dai Roxy Music, una disperata invocazione di una persona che vive nel lusso, la cui unica compagnia femminile è rappresentata da una bambola gonfiabile (vi sembra ridicolo? leggete il testo e sentite la musica e il tono di voce che lo accompagnano), ma anche sul lungo racconto di uno stupro "The Bogus Man" e sull'invocazione post mortem "Strictly Confidential". Impossibile non citare anche la splendida title-track, dove le personalità di Ferry e di Eno si scontrano bruscamente, il primo rassicurante e galante, il secondo inquietante e sperimentale.

Se queste differenze tra Eno e Ferry funzionavano dal punto di vista musicale, senza dubbio non lo facevano dal punto di vista umano. A Eno piaceva sempre di meno stare sul palco, e le divergenze con Ferry diventano ogni giorno più grandi fino a che Eno non esce dal gruppo. Manzanera, Mackay e Thompson non sono soddisfatti per niente di questo e per poco non lasciano a loro volta.

SERENADE: THE ART ROCK YEARS (1973-1976)

Il sostituto di Brian Eno è un giovane diciannovenne, Eddie Jobson, che chi segue questo blog ormai dovrebbe conoscere bene. Nonostante la giovane età, Jobson aveva già sul curriculum i Curved Air, e si trova a coprire il ruolo di Eno, quello di Ferry al piano (che si concentrerà unicamente sul canto) e il suo, innovando il sound dei Roxy Music con l'aggiunta del violino elettrico. Nonostante Manzanera, Mackay e Thompson siano estremamente irritati per l'abbandono di Eno e per la manipolizzazione di Ferry, riconoscono in Jobson un grande talento e infatti nei loro progetti solisti, tra i vari musicisti comparirà anche il nome del giovane Eddie. Il basso, per tutti gli anni successivi, in studio è suonato da John Gustafson, bassista parecchio talentuoso che però decide di non entrare in pianta stabile nel gruppo. Dal vivo il ruolo di bassista, oltre che dallo stesso Gustafson, è ricoperto da Sal Maida, Rick Wills e soprattutto John Wetton, un nome una garanzia.

Stranded (Island, 1973)

Anche se, chiaramente, i Roxy Music erano più Ferry che Eno, l'abbandono di quest'ultimo sicuramente ha fatto cambiare un po' le cose. Le composizioni contenute in questo ottimo "Stranded" hanno tutte l'inconfondibile timbro Roxy Music, ma appunto risentono della mancanza dell'elemento bizzarro che la presenza di Eno dava. Tuttavia la presenza di Eddie Jobson dà una certa professionalità e solidità che prima non c'era, che in parte bilancia le cose. Se da un lato è il primo album a contenere il primo vero passo falso dei Roxy Music (l'insopportabilmente lunga e pomposa "Psalm", anche se pare che sia stato il primo brano in assoluto composto da Ferry), i rimanenti sette brani sono tutti di qualità sopraffina, e rappresentano un evoluzione perfetta, che ha consentito al gruppo di cambiare stile pur rimanendo sempre se stessi. Per la prima volta, i brani non sono tutti solo di Ferry, ma è aiutato anche da Manzanera e Mackay. Con il primo compone "Amazona", una sorta di suite in quattro minuti, con il secondo la stupenda "A Song for Europe", uno dei momenti più toccanti dell'intera discografia. Doveroso citare anche il capolavoro del disco "Mother of Pearl", un brano di raro gusto e raffinatezza, l'energica "Street Life" e la conclusiva "Sunset", un brano il cui titolo è perfettamente appropriato, ottimo modo di concludere un ottimo album.

A parte il solito tour promozionale, tra le registrazioni di questo album e di quello successivo non accade nulla di importante. Come già detto prima, il basso sul seguente "Country Life" è sempre suonato da Gustafson.

Country Life (Island, 1974)

Ciò che al momento dell'uscita del disco ha provocato più scalpore è stata ovviamente la copertina, che se non altro non è un pretesto per nascondere musica mediocre. I passi falsi, purtroppo, continuano ("If It Takes all Night", "Three and Nine"), ma come per il precedente "Stranded", il resto del disco si mantiene a livelli più che buoni. Inoltre, finalmente il violino di Eddie Jobson comincia a farsi sentire, soprattutto nell'eccellente "Out of the Blue", il cui finale resta una delle migliori prove di tutta la carriera del giovane musicista. Country Life si può anche considerare il disco più rock dei Roxy Music, fatto evidenziato dalle trascinanti e coinvolgenti "Casanova", "The Thrill of it All", "All I want is You" e "Praire Rose". Nell'eccitazione si tira nel calderone anche un bizzarro e curioso canto medioevale, con armonizzazioni vocali che portano alla memoria i Beach Boys ("Triptych"). Un plauso anche alla produzione dell'album che contribuisce a rendere il disco molto solare.

Siren (Island, 1975)

Ad un primo ascolto "Siren" può apparire come una copia carbone di "Country Life". Ad un ascolto più approfondito, ci si accorge invece di quanto sia studiata la musica dei Roxy Music, e particolarmente, di quest'album. La ricetta è la stessa dei due album precedenti, ma migliorata, raffinata e quasi totalmente priva di errori. E' indubbiamente l'album migliore di questa fase, ed è facile capire perché dopo di questo disco i Roxy Music si siano presi una pausa di tre anni: o avrebbero prodotto una copia carbone di questo album, o avrebbero cambiato stile (cosa che avverrà, di fatto, tre anni dopo) e il che sarebbe stato rischioso. La prima impressione che lascia questo album è che sia un disco fiacco e con pochi punti d'interesse. Per fortuna tale impressione è largamente smentita ad un analisi approfondita. Non si tratta solo dell'eccellenza delle composizioni, quanto anche del collocamento dei brani nell'album (si ascolti ad esempio il modo in cui sono collegate "End of the Line" e "Sentimental Fool", o la contrapposizione tra l'ottimista e leggera "Love is the Drug" a inizio disco e la pessimista e amara "Just Another High" al termine dell'album). Tra i brani di maggior rilievo spiccano la già menzionata "Sentimental Fool", le incredibilmente energiche "She Sells" e "Whilrwind", la proto-disco di "Both Ends Burning" e "Nightingale", il brano meglio arrangiato del disco, probabilmente. Bisogna, inoltre, notare come Bryan Ferry sia di colpo evoluto vocalmente; le armonie vocali sono infatti una delle maggiori attrative di questo album. Un disco da gustare insomma e da sviscerare bene per poterlo apprezzare completamente, ma che, una volta fatto, da i suoi frutti!

Dopo di "Siren", i Roxy Music intraprendono un tour, finalmente con Gustafson anche live, dopodiché si concedono un periodo sabbatico. Nell'Agosto 1976 esce il primo live album del gruppo, compilato da concerti dal 1973 al 1975.

Viva! (Island, 1976)

Ciò che colpisce di più di questo live è la selezione dei brani: due da "Roxy Music", tre da "For Your Pleasure", nessun brano da "Stranded", uno a testa da "Country Life" e "Siren", più il singolo del 1973 "Pyjamarama". Insomma, 6 brani su 8 fanno parte del periodo Eno del gruppo; e il che è curioso visto che le scalette dell'epoca riportano principalmente brani degli anni successivi. Comunque sia, "Viva!" è un ottimo documento live, che dimostra un gruppo compatto e solido e che non esegue copie carbone dei brani in studio. Tra le migliori esecuzioni si ricordano due versioni lunghe e ispirate di "In Every Dream Home a Heartache" e "If There is Something" e "The Bogus Man", un po' riarrangiata, ma con la sua aura inquietante riprodotta perfettamente.

Come dicevamo prima, i Roxy Music si prendono un periodo sabbatico. Eddie Jobson va a suonare con Frank Zappa, prima, poi forma gli UK e in seguito entra nei Jethro Tull. Insomma, ha ottimi motivi per non tornare nel gruppo quando si riformerà tre anni dopo.

WHILE MY HEART IS STILL BEATING - THE ROMANTIC YEARS (1979-1983)

A metà 1978 Ferry, Manzanera, Mackay e Thompson, che nel frattempo non erano rimasti con le mani in mano ma si erano dedicati tutti a progetti solisti, tornano in studio di registrazione a nome Roxy Music, aiutati dal grande Paul Carrack alle tastiere e al basso due grandi bassisti: Gary Tibbs e Alan Spenner. In questa ultima fase dei Roxy Music c'è appunto da evidenziare che, sebbene continuino a non avere un bassista ufficiale (Spenner sarà quello più usato), il basso per la prima volta è molto presente e spesso è proprio ciò che porta avanti i pezzi.

Manifesto (E.G. Records, 1979)

Dal punto di vista concettuale, "Manifesto" riprende un po' la ricetta di "Siren", cercando di espanderla un po' verso nuovi orizzonti. Da questo punto di vista, piazzato nel contesto storico del gruppo, l'album può quindi quasi considerarsi un fallimento. Dal punto di vista musicale però è un album molto buono, nonostante un paio di brani mediocri ("Cry, Cry, Cry" e "My Little Girl" su tutte). Tuttavia impossibile non notare la strana costruzione (e allo stesso tempo orecchiabile) della title-track, o l'ottimo fluido improvvisativo che colpisce l'ascoltatore su "Stronger Through the Years". Anche le canzoni pop non deludono, come dimostrano "Dance Away" e "Spin Me Round", così come convincono anche "Angel Eyes" e "Still Falls The Rain", più movimentate.

Va notato che nella maggior parte delle edizioni CD di "Manifesto", le versioni originali di "Angel Eyes" e "Dance Away" sono state sostituite con le versioni su singolo. Mentre la seconda era essenzialmente un mix e un edit diverso della stessa versione, la prima era un arrangiamento completamente diverso della medesima composizione: hard rock su album e discomusic su singolo. L'ultima versione in CD mantiene la versione su singolo di "Dance Away", ma ripristina la "Angel Eyes" originale. Il motivo di questa scelta fu che le versioni su singolo dei due brani diventarono delle hit, superando di popolarità le versioni album. Chi volesse sentire le due versioni originali insieme su CD, si procuri il boxset "The Thrill of It All", che include anche le interessanti B-side del gruppo. Per il tour di questo album troviamo al basso Gary Tibbs e al piano David Skinner. Paul Thompson si rompe un dito in un incidente in moto successivo al tour di "Manifesto" e non parteciperà alle session del seguente "Flesh + Blood". I Roxy Music quindi, già assotigliati dalla partenza di Jobson, vengono ridotti ad un trio composto da Ferry, Mackay e Manzanera. Per la realizzazione di questo album, i tre vengono aiutati oltre che dai soliti Carrack, Tibbs e Spenner, anche da Neil Hubbard alla chitarra, Neil Jason al basso e Allan Schwartzberg, Andy Newmark e Simon Phillips alla batteria.

Flesh + Blood (E.G. Records, 1980)

Proseguono le innovazioni nel sound introdotte su "Manifesto" e vengono abbandonate le vecchie sonorità definitivamente. E' importante notare quanto Paul Thompson fosse essenziale al sound caratteristico di questo gruppo. E' indubbia e indiscutibile la bravura dei session man che suonano su questo disco, ma le parti di batteria non suonano più così personali, bensì semplici scansoni ritmiche che portano avanti i brani. Dal punto di vista musicale, è un disco più spento rispetto ai precedenti, forse anche dovuto al cambio di formazione e di direzione. Un solo accenno allo sperimentalismo ("No Strange Delight"), accostato a qualche convincente ballata ("Oh Yeah", "My Only Love"), qualche ottimo brano movimentato ("Same Old Scene", "Flesh and Blood", "Over You") e purtroppo, i soliti episodi incerti e discutibili (la cover dei The Byrds "Eight Miles High" e la conclusiva "Running Wild"). Generalmente parliamo di un buon disco, ma non al livello dei precedenti e soprattutto, il classico disco di transizione, abbastanza buono da non provocare disinteresse, troppo poco innovativo per essere totalmente interessante.

Prima del tour, Paul Thompson, guarito dall'incidente, torna brevemente nel gruppo, ma dopo aver sentito cos'hanno realizzato i suoi compari senza di lui, esce definitivamente. Il suo sostituto definitivo dal vivo sarà Andy Newmark, eccellente batterista dal punto di vista tecnico, ma probabilmente inadatto per le vecchie parti di Thompson (basti sentire il suo drumming su brani come "Out of the Blue"). Al basso ci sarà Alan Spenner e alle tastiere, come nel tour precedente, David Skinner. Il Lunedì 8 Dicembre 1980, un pazzo, Mark Chapman, spara e uccide quasi sul colpo John Lennon. I Roxy Music, come tributo, incidono la loro versione di "Jealous Guy" e la pubblicano come 45 giri. Sarà il primo e unico singolo dei Roxy Music a raggiungere il primo posto in Inghilterra. Subito dopo questo nuovo successo, i Roxy Music tornano in studio di registrazione per il loro ultimo (fino ad oggi) album in studio. Il personnel per "Avalon" è troppo lungo per essere citato tutto, ma a parte i fidi Spenner e Newmark, è bene citare almeno il fatto che Neil Hubbard diventa quasi un secondo chitarrista ufficiale, piuttosto che un ausiliario.

Avalon (E.G. Records, 1982)

Per "Avalon", sostanzialmente, possiamo fare lo stesso discorso che abbiamo fatto per "Siren". E' indubbiamente il disco migliore di quest'ultima fase del gruppo, e anche se personalmente non lo reputo tra uno dei migliori dischi dei Roxy Music, è senza dubbio uno dei più acclamati, ed è facile capire il perché. E' il disco più curato del gruppo, in ogni cosa: sia dal punto di vista della composizione, sia da quella degli arrangiamenti, sia dalla produzione impeccabile e persino dell'esecuzione. La voce di Ferry, magari non più personale come un tempo, sicuramente è molto più matura e versatile, così come gli interventi di Manzanera e Mackay sono più professionali (e meno calorosi) del solito. Per questi motivi, non si trova un vero punto debole del disco, mentre è facile notare gli sbocchi positivi, come "More Than This", il brano più celebre del gruppo, un ottimo brano melodico, piacevole, semplice, ma non ripetitivo o banale. Irresitibli le atmosfere notturne di "The Main Thing" e "The Space Between", e poco da aggiungere a ciò che già la musica esprime per quanto riguarda "Take a Chance With Me" e la splendida title-track.

The High Road (Polygram, 1983)

Mini-album registrato dal vivo a Glasgow il 27 Agosto 1982, pubblicato al termine del tour, che nulla aggiunge e nulla toglie alla discografia dei Roxy Music, a parte una splendida versione, estremamente superiore a quella in studio, di "My Only Love". Il calore presente su "Viva!" è scomparso. In cambio si può sentire una grande professionalità che però non da particolari segni di originalità o di unicità, come invece faceva il live album precedente. I quattro brani inclusi in questo EP saranno ristampati nel 1990 sul live album "Heart Still Beating", una poco interessante (per i motivi già spiegati qua sopra) prospettiva del tour del 1982. Un omonimo video viene pubblicato, ma le performance in esso contenute differiscono da quelle di questo album.

Probabilmente, proprio per aver completato brillantemente ancora una volta la ricerca di una nuova strada, dopo il tour di "Avalon" i Roxy Music vanno ancora una volta in pausa, in modo che ognuno dei membri possa occuparsi dei propri progetti solisti. Una pausa però che questa volta durerà per un bel pezzo.

RE-MAKE/REMODEL: REUNION (2001-now)

Dopo 18 anni di silenzio, i Roxy Music tornano a varcare le scene. Ferry, Manzanera e Mackay vengono raggiunti dal loro vecchio amico e compagno Paul Thompson, che col suo drumming potente e personale confermerà quanto espresso sopra, ovvero la sua enorme importanza per il gruppo. Tuttavia, Eno e Jobson non partecipano alla reunion. Da allora i Roxy Music hanno pubblicato "Live at the Apollo" (includendo anche un DVD), registrato all'ultima data del tour del 2001, ma nessun disco in studio (anche se nell'ultimo album di Bryan Ferry, uscito nel 2010 compaiono Mackay, Manzanera e Eno).
Attualmente i Roxy Music sono impegnati in un interessante "For Your Pleasure" tour, nel quale, oltre ai soliti classici, hanno anche rispolverato anche qualche classico dimenticato, come "Sentimental Fool", "2HB" e "Amazona". Speriamo in un nuovo album, anche se nessuno dei membri del gruppo smentisce o conferma (o meglio, fa entrambe le cose).

GTBT presenta: i live di Febbraio - parte 2

2011-02-15T00:00:00.037+01:00

17.02 THE WOMBATS @ Magazzini Generali, Milano
18.02 THE WOMBATS @ Circolo degli Artisti, Roma
18.02 VERDENA @ Tunnel, Reggio Emilia
18.02 GIOVANNI LINDO FERRETTI canta CCCP, CSI e PGR con gli USTMAMO' - Live Club, Trezzo Sull'Adda (MI)
18.02 THE HURTS @ Estragon, Bologna
18.02 MINISTRI @ I Candelai, Palermo
18.02 CALIBRO 35 @ Fillmore, Cortemaggiore (PC)
19.02 CALIBRO 35 @ Flog, Firenze
19.02 MINISTRI @ Mercati Generali, Catania
19.02 MARLENE KUNTZ @ Estragon, Bologna
19.02 VERDENA @ Alcatraz, Milano
21.02 FRAN HEALY @ Tunnel, Milano
22.02 ALL TIME LOW @ Estragon, Bologna
23.02 FRAN HEALY @ Circolo degli Artisti, Roma
24.02 CALIBRO 35 @ Ratatoj, Saluzzo (CN)
24.02 FRAN HEALY @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
24.02 MINISTRI @ Bloom, Mezzago (MB)
25.02 ROBERTO ANGELINI @ Diavolo Rosso, Asti
25.02 CALIBRO 35 @ Hiroshima Mon Amour, Torino
25.02 VERDENA @ Locomotiv Club, Bologna
25.02 RHAPSODY OF FIRE @ Estragon, Bologna
25.02 FRAN HEALY @ New Age, Roncade (TV)
25.02 THE JOY FORMIDABLE @ Covo, Bologna
26.02 THE JOY FORMIDABLE @ Circolo degli Artisti, Roma
26.02 CALIBRO 35 @ Alcatraz, Milano
26.02 VERDENA @ Wohlen AG, Wohlen (Svizzera)
26.02 MINISTRI @ CSO Rivolta, Marghera (VE)

GTBT presenta: i live di Febbraio - parte 1

2011-02-08T00:00:00.000+01:00

01.02 WOODEN HAND @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
01.02 THIN LIZZY @ Estragon, Bologna
03.02 COMANECI @ Arci Blob, Arcore (MB)
03.02 MASSIMO VOLUME @ L'Altro Teatro, Cadelbosco (RE)
04.02 PENNYWISE @ Estragon, Bologna
04.02 VERDENA @ Velvet, Rimini
04.02 THE FIRE @ Padiglione 14, Collegno (TO)
04.02 MINISTRI @ Poseidon, Poggiomarino (NA)
04.02 ADLER'S APPETITE @ New Age, Roncade (TV)
04.02 SLEIGH BELLS @ Covo, Bologna
05.02 MASSIMO VOLUME @ Interzona, Verona
05.02 THE FIRE @ Revolver Club, San Donà di Piave (VE)
05.02 SLEIGH BELLS @ Tunnel, Milano
05.02 FABRI FIBRA @ Estragon, Bologna
05.02 MINISTRI @ Karemaski, Arezzo
05.02 VERDENA @ Demodè, Bari
05.02 LAURA VEIRS @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
07.02 SAROOS @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
10.02 SUM 41 @ Concordia, Venaria Reale (TO)
11.02 MINISTRI @ Circolo Onirica, Parma
11.02 CALIBRO 35 @ Urban Club, Perugia
11.02 PERTURBAZIONE @ TPO, Bologna
11.02 BAND OF HORSES @ Estragon, Bologna
11.02 VERDENA @ Fillmore, Cortemaggiore (PC)
12.02 IORI'S EYES @ Unwound, Padova
12.02 MINISTRI @ Extra Cine Music, Recanati (MC)
12.02 VERDENA @ The Cage, Livorno
12.02 MASSIMO VOLUME e BACHI DA PIETRA @ Flog, Firenze
12.02 GIOVANNI LINDO FERRETTI e gli USTMAMO' @ Estragon, Bologna
12.02 TYING TIFFANY e SCHONWALD @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
13.02 SUM 41 @ Estragon, Bologna
15.02 ANGRA @ Estragon, Bologna

William Wilson - Just For You Not For All (Autoproduzione, 2010)

2011-01-25T00:00:00.001+01:00

TRACKLIST
1. The Wreck of the Nordling
2. Song
3. Je Veux Une Vie En Forme D’Arete
4. Y A Du Soleil Dans La Rue
5. Incurable
6. Pourquoi Que Je Vis
7. Wonderful Nightmare
8. Red Iron Man
9. Song To The Siren
10. J’Aimerais/Tout A Etè Dit Cent Fois

Scicli è un comune in provincia di Ragusa, famoso per l’architettura di vari stili che vi si può trovare, ma non certo per la musica. William Wilson, cantautore già attivo in vari altri progetti nell’isola meridionale, prova a cambiare le cose autoproducendosi un disco che tenta di dimostrare come anche qui si componga della bella musica. Ci sarà riuscito?
La verità è che risulta molto difficile dare un giudizio organico di questo lavoro: Just For You Not For All sembra quasi una dichiarazione d’intenti, più che un titolo di disco, riferendosi praticamente al pubblico a cui è diretto l’album, che infatti non è “per tutti”, ma richiede una certa conoscenza per poterlo capire ed approfondire. Di per sé, niente di complesso: in realtà la virtù principale del disco è l’essere particolarmente minimale, privo di fronzoli, relativamente semplice. E farlo in maniera troppo palese come qui avviene è forse un modo per nascondere carenze a livello tecnico e compositivo che in diversi frangenti del disco si possono riscontrare (alcuni passaggi in “Red Iron Man” in particolare, nonostante sia uno degli episodi oggettivamente più riusciti). Ma non si giudica un’opera musicale solo in virtù di queste caratteristiche. Wilson (che tra l’altro è il nome di un personaggio di Edgar Allan Poe), mette in fila una serie di malinconicissime ballad le cui sfumature sempre molto delicate e soffici ricordano la buona stella di Jeff Buckley, da cui rubano anche alcune nuances decadenti, supportate anche dall’utilizzo della lingua francese, per esempio nel musicare Boris Vian. Altri riferimenti ai quali Wilson si è appoggiato sono quelli di Gregory Corso, e dei Piano Magic, di cui realizza una cover di “Incurable”, quest’ultima in realtà presuntuosa presa di posizione che risulta molto carina e funzionale al resto del disco nella sua veste acustica.
La cantautorale italiana negli ultimi anni ha subito un’impennata incredibile, con il protagonismo delle liriche e degli arrangiamenti sperimentali (o classicheggianti) di alcuni nomi, che non andremo a ripetere. William Wilson tenta di coniare letteratura già scritta a concezioni di questo tipo, non riuscendo nell’intento di risultare efficace oppure importante. Si possono apprezzare le poesie di Vian rimaneggiate, così come l’eccesso di autoreferenzialità che sfugge da ogni canzone, nonostante siano solo due quelle che l’artista firma con la sua penna, e forse anche le intenzioni di dare una patina di fioca torbidità al disco lo riesce a sollevare dal baratro.
In sintesi, questo è un album che comunque potrà piacere a chi ascolta musica di questo tipo, ma che non aggiunge niente ad un panorama che ha già giocato le sue (ultime) carte in questi due o tre anni. La provvidenziale banalità degli arrangiamenti fa il resto, e lungi da noi criticare oltre il lavoro di un musicista di tutto rispetto lasciamo l’onore di concludere la recensione ad un augurio di vedere, in futuro, più elaborazione personale da parte di un cantautore che ha senz’altro capacità immensamente più grandi di quelle rivelate da Just For You, Not For All.

Voto: 5

Officine Lumière - Cali di Serotonina (Play!, 2010)

2011-01-24T00:00:00.009+01:00

1. Casa Lumière

2. Geometria Analitica
3. Caterpillar
4. Audrey H.
5. Panta Kala
6. Autunno
7. Pioggia
8. Facoltà di Irrilevanza Comparata
9. Nervi
10. Pace Armata
11. Baudelaire

RECENSIONE:
Le Officine Lumière sono una formazione torinese (da Villar Perosa, a dir la verità) che da qualche anno calca le scene del rock italiano con la loro miscela originale di testi sperimentali e diversioni elettroniche (in realtà, quest’ultima, novità di Cali di Serotonina, secondo disco della loro collezione). Se dovessimo raffrontarli a qualcuno, ma proprio se ci dovessero obbligare a farlo, per la musica ricorderebbero i Bluvertigo, per le liriche Subsonica, per la metrica delle linee vocali leggeri accenni a Pau dei Negrita (anche a livello timbrico in realtà). A concentrarsi sul contenuto musicale dell’album, si scopre che c’è molto nel disco: si incontrano i diversi orizzonti del vintage e del moderno, come nella ballad “Autunno” che rimanda ampiamente ad atmosfere puramente seventies, alternando levare di ispirazione jazz ad un ritornello orecchiabile che strizza l’occhio più al pop moderno che a quello ormai storico delle ballatone di qualche decennio fa. Non è l’unico esempio di evidente collisione tra generi, e lo dimostrerà anche il brano più “radiofonico” del lotto, cioè “Caterpillar”, una canzone che sembra arrangiata da Morgan ma che in realtà nasconde un’anima molto meno complessa, che punta tutto sull’impatto della semplicità. E’ poi ascoltando “Nervi” e “Panta Kala” che si sentono le calde mescolanze di ingredienti che la band riesce a mettere in campo: lo fa con un certo savoir faire, quasi a volerlo palesare senza sottolinearlo troppo, quasi a voler raggiungere un’omogeneità che fa senz’altro bene al prodotto.
Il disco di per sé non aggiunge niente di nuovo in una scena italiana che alterna momenti di ristagno a momenti di copiosa rinascita, però come in una situazione di quiete dopo la tempesta è un prodotto rilassato che testimonia un ottimo songwriting, aiutato da un’autoproduzione che fa il suo lavoro senza gli eccessi tipici delle major né i grotteschi immobilismi del sound garage. E “il vuoto pneumatico della politica”, mentre “il mondo straborda di finto piacere”, è quanto ci resterà in testa di un insieme di liriche che è contemporaneamente ben scritto ma anche esageratamente random, nel senso che suscita piccoli dubbi circa la natura del significato dei testi per l’assurdo accostamento di concetti diversi ma che possono, sforzandosi, trovare un unico contenitore di significato dopo un’opportuna ricerca di comunanza semantica. Ma, ciò che importa in un genere come questo, è che il messaggio arrivi all’ascoltatore. E gli Officine Lumière sanno suonare, eccome se sanno suonare (e comporre, che non è poco), e nel 2009 hanno sfornato un disco di sicuro impatto, valevole anche per gli anni successivi. Come un buono per uscire di prigione a Monopoli.

Voto: 7

Fish and Clips #9

2011-01-23T00:00:00.001+01:00

E Fish and Clips è sopravvissuto a capodanno. Un capodanno dove sono successe tante di quelle cose che non abbiamo neppure voglia di raccontarvele. Oppure perché non è successo niente e siamo stati a guardare videoclip per riempire la rubrica? No non è così, però abbiamo comunque tre segnalazioni gustose da passarvi, anche se bisogna ammettere che non siamo certo qui con video così "rari" da stupirvi. Suvvia li conoscete sicuramente.

#1 COLDPLAY: LIFE IN TECHNICOLOR II (2009)
Diretto da Dougal Wilson, che ha ripreso anche il celebre "Satisfaction" di Benny Benassi, celebre anche per la sua versione pornografica che non è stata trasmetta praticamente da nessuna parte, ma potete cercarla su internet. In ogni caso qui ha pensato di dirigere le versioni burattino della band mentre suonano, con tanto di effetti pirotecnici e un elicottero che sfonda un vetro nel finale. Cosa volete di più?

#2 DEPECHE MODE - WRONG (2009)
Questo video andava in TV contemporaneamente a quello di cui vi ho appena parlato, ma questa volta è stato diretto da Patrick Daughters, che ha lavorato con Muse, Interpol, Yeah Yeah Yeahs, Snow Patrol e vagoni di altri artisti. Il video era tra i venti migliori video dell'anno secondo Spin Magazine, e forse perché faceva particolarmente paura? Avanti, c'è troppa tensione!

#3 THE WHITE STRIPES - THE DENIAL TWIST (2005)
Oh che bella la prospettiva forzata! Michel Gondry la usa particolarmente bene in questo video del duo più famoso del mondo, che per altro è un bel pezzo.
Per altri bei video di Gondry vi invitiamo a guardare "Let Forever Be" dei Chemical Brothers e "Come Into My World" di Kylie Minogue, di cui abbiamo già parlato in uno dei primi numeri di Fish and Clips.

Dimartino - Cara Maestra Abbiamo Perso (Pippola Music, 2010)

2011-01-22T00:00:00.004+01:00

TRACKLIST:
1. Cercasi Anima
2. Ho Sparato a Vinicio Capossela
3. Cara Maestra
4. Parto
5. La Lavagna E’ Sporca
6. 999
7. Cambio Idea
8. La Ballata Della Moda
9. Marzo ‘48

Qual è il genere che più incessantemente sta riempiendo le nostre collezioni di dischi o di mp3 negli ultimi dieci anni di musica italiana? Il cantautorato, e cos’altro sennò. Angelo DiMartino, che su disco si fa chiamare solo per cognome (al contrario di tutti i beniamini di Amici e X Factor), un po’ ambiziosamente, esce con un disco prodotto dall’imprescindibile Cesare Basile, pubblicando per Pippola Music, un’etichetta che negli ultimi anni ha lanciato anche Brunori SAS, che è forse l’artista che più assomiglia a DiMartino per ispirazione. Si, perché dentro a Cara Maestra Abbiamo Perso si trovano tutti i tratti distintivi della cantautorale che negli ultimi ha decretato il successo dei due nomi più rappresentativi del nostro panorama, tutti e due dall’Emilia-Romagna (Dente e Le Luci della Centrale Elettrica): si parla di noi, quando noi significa anche parlare dell’artista stesso, sia come figura che come vita vissuta; si parla di passato, di quotidianità, di tutto e tutti, con un certo qualunquismo che, si sa, piace. Quello che cambia qui è l’aspetto musicale, più sostenuto ed elaborato, retto anche da una notevole ospitata che senz’altro farà scintillare più visibilmente il disco agli occhi degli “alternativi dell’ultim’ora” tanto criticati nell’ultimo album dei Marlene Kuntz. E sembra proprio che con brani come “Ho Sparato a Vinicio Capossela”, spiegando il perché del titolo nel testo con “ho sparato a Vinicio Capossela perché mi andava e perché piaceva a te e alle tue amiche”, una dichiarazione d’intenti che lascia poco spazio a spiegazioni, essendo fin troppo chiara la critica all’infighettamento di molti artisti e, soprattutto, del pubblico che segue un po’ tutto e niente. Toni disperati, toni sommessi, con un timbro molto particolare che non ci ricorda nessuno (fortunatamente), che senz’altro ci rammentano dei grandi nomi della nostra scena passata: Luigi Tenco, riportato in vita dalla bellissima cover di “La Ballata della Moda”, dove canta e suona anche Basile stesso; Ivan Graziani e Francesco De Gregori, la cui blanda ispirazione è evidente nelle liriche di “Marzo ‘48”, ultimo brano per cui vale il proverbiale “last but not least” inglese, e anche altri nomi come Ciampi, Gaetano, e il più recente Ettore Giuradei che è per altro parte proprio dell’attuale scena cantautorale italica a cui si faceva riferimento.
La forza comunicativa del disco, dicevamo, sta nelle parole, parole che si sporcano qualche volta di una volgarità più immaginabile che effettiva, di una presunzione che nel suo momento più evidente viene affidata alle parole di Vasco Brondi (ospite in “Parto”), e di una disillusione che è tipica della nostra generazione di ragazzi degli anni zero. C’è chi parla di “solite menate”, chi nega, e chi dà ragione ai primi dicendo però che questo DiMartino si distingue dalla massa: è vero, lo fa, e lo fa con una varietà di toni che rende questo disco una piccola perla in questi bui anni, con la presenza di artisti come Enrico Gabrielli che, in “Lavagna Sporca”, insieme ad Alessandro Fiori, trasforma un brano originariamente semifolk in una ballata che ricorda fin troppo i Mariposa. Insomma, tutto è buono pur di variare un sound che rischierebbe di essere banale. E la cosa importante è proprio che, alla fine, non lo è per niente.
Un disco variegato, diversificato in ogni singolo pezzo, attuale ma con uno sguardo al passato, con un valore letterario e musicale medio-alto che piacerà a molti, soprattutto agli “alternativi dell’ultim’ora”. Li citiamo di nuovo, perché questo limite non se lo leverà mai di dosso, avendo incluso nella lista degli ospiti Brondi. Ma per questo, urleremo ancora “m’importa na sega”.

Voto: 7.5

GTBT incontra la scena italiana #15: Conqueror

2011-01-21T00:00:00.001+01:00

E stavolta tocca ai Conqueror, interessante band che GTBT ha scoperto nel 2010, quando il loro Madame Zelle è arrivato in redazione producendo le ottime impressioni che sono state immortalate dalla recensione che voi, gentili ed interessati lettori, sicuramente andrete a cercare. Leggasi.

1. Salve, amici Conqueror. E' stato davvero un piacere sentire e recensire la vostra musica, speriamo che vi sia piaciuta la recensione. Prima di tutto grazie per la disponibilità a questa intervista. Partiamo con la prima domanda: l'album è dedicato ad una figura femminile storica. Ve la sentite di abbozzare ai lettori di GTBT un suo ritratto? Insomma, chi è Madame Zelle?
Mata Hari è una donna Olandese che, dopo essere stata sull’isola di Giava, si innamora dei balli tipici di quei paesi. Il fallimento del matrimonio e l’uccisione del figlio non bloccano la sua carriera di ballerina (si spacciava per ballerina Giavanese, senza conoscere nei particolari questo tipo di danza), esibendosi così nei più importanti teatri europei e diventando una delle più celebri donne al mondo del primo ‘900. Il fascino che esercitava sugli uomini da un lato e la voglia di mantenere un alto tenore di vita dall’altro la portano ad accettare di diventare una spia, in un primo momento a favore dei tedeschi e, successivamente, per i francesi. Dopo la scelta poco abile di gestire questo doppio gioco, Mata Hari viene facilmente smascherata e condannata alla pena capitale.

2. La storia di questa donna è sicuramente molto interessante. Perché avete ritenuto interessante scrivere un album riguardo questo argomento?
In un primo momento non era nostra intenzione realizzare un’altro concept album dopo 74 Giorni (cd del 2007). Durante, però, la composizione dei primi brani abbiamo cominciato a documentarci su questa storia che diventava sempre più interessante e unica: il coraggio e la determinazione con cui Mata Hari affronta ogni istante della sua vita rendono questa donna particolarmente affascinante e sicura di sé.

3. Pensate che al di là del valore storico ci sia anche un valore morale nelle gesta di questa donna che sia giusto tramandare tramite un disco come il vostro?
Beh, parlare di valori morali forse è un po’ esagerato: sicuramente Mata Hari è stata eccessivamente bersagliata nel periodo del processo contro di lei come spia, probabilmente perché, essendo stata un personaggio molto celebre, può aver rappresentato un esempio di condanna visibile ad un vasto pubblico. Da qui ne consegue la decisione irremovibile (dei francesi) di giustiziarla.

4. Andiamo alla musica. Il vostro è definibile come un concept album, un'etichetta sempre più utilizzata a volte con risultati tristi. Il vostro però lo è per davvero. Perché avete deciso di fare un'opera su un unico argomento e non una serie di canzoni distinte?
Come dicevo prima, in origine non c’era l’intenzione di progettare un concept, soprattutto dopo aver realizzato nel 2007 “74 Giorni”, altro concept dedicato anch’esso ad una storia realmente accaduta: è stato sicuramente l’argomento, ritenuto particolarmente interessante, che ha cominciato a prendere il sopravvento sulla composizione dell’intero album.

5. Quali sono le vostre influenze più importanti? ho sentito un po' di prog italiano dei bei tempi ma potrei essermi sbagliato...
E’ facile che nella musica che si compone vengano fuori delle influenze provenienti dall’ascolto: sicuramente gruppi come BMS, PFM ecc… rappresentano per noi pietre miliari del prog, ma non solo. Un gruppo che sicuramente mette d’accordo tutti sono i Genesis, unione di cinque geni che hanno realizzato dei dischi/capolavori che tutt’oggi vengono considerati come tali.

6. Nel futuro dei Conqueror cosa c'è? Concerti, altri dischi, collaborazioni?
Il nostro obiettivo è quello di andare avanti con la composizione di nuovi lavori. Come tutti i gruppi del panorama attuale ci auguriamo di prendere parte a più concerti possibili, in particolar modo sarebbe cosa eccezionale suonare fuori dall’Italia: non per “Esterofilia”, ma purtroppo, musicalmente parlando, l’Italia è diventato un Paese in cui viene davvero difficile proporre e promuovere progetti nuovi.

7. Cosa si deve aspettare una persona che viene a un vostro concerto?
Durante un nostro spettacolo vengono proposti brani del nostro repertorio tratti dai vari album che abbiamo realizzato. In più ci piace affiancare la musica con l’aspetto visivo, per cui i nostri brani sono supportati da video, realizzati da noi, pertinenti con l’argomento di ogni singolo pezzo.

8. Vi lasciamo con uno spazio "a scopo promozionale". Sfoggiate tutta la vostra fantasia dando ai lettori di GTBT due buoni motivi per ascoltare Madame Zelle
“Madame Zelle” è sicuramente un album più omogeneo rispetto ai nostri precendenti: l’argomento probabilmente ha influenzato testi e musica tanto da assumere aspetti delicati, a tratti anche tragici. Anche ad un primo ascolto non risulta difficile e permette di focalizzare il percorso storico-cronologico della vicenda raccontata in musica in maniera molto chiara ed evidente: consigliato a tutti gli amanti della cosiddetta musica ragionata.

Ha risposto per i CONQUEROR
Simona Rigano (tastierista e vocalist)
www.conqueror.it

Mr. Milk - Mr. Milk (Casa Molloy/EMI Publishing, 2010)

2011-01-20T00:00:00.003+01:00

TRACKLIST:
1. Calls and Letters
2. Deepfar
3. Drawing A Kiss
4. Forced
5. Surprises
6. Little March For A Whore
7. Goodbye Prisoner!
8. Won
9. Cripple
10. Monster
11. Cardinal Legs
12. Stupid Guy

Due cose sono certe di questo disco: la prima è che il brano migliore è, per forza, “Cardinal Legs”, colorato da un pianoforte che non ha paragoni. La seconda che ascoltandolo la prima volta ti da l’idea di essere un disco da sentire altre dieci volte prima di capirlo, ma che ti lascia con l’amaro in bocca quando ti rendi conto che non c’è proprio niente di più da scoprire di quello di cui ti accorgi al primo incontro con lui.
Sia chiaro: l’album non è per niente brutto, e questo cantautore di Eboli ha comunque concepito un disco che lancia impulsi chiari e forti, con una grande verve comunicativa che ti dimostra dove voleva arrivare quasi subito e cioè a raccontare con dodici (e sono troppi) brani un romanticismo che è solo suo, che nonostante porti sulla schiena il peso notevole di non portare niente di nuovo ad una scena cantautorale ormai persa nel vuoto dell’eccesso di nomi e di parole, riesce ad acquistare personalità man mano che scorrono le tracce. Niente di nuovo dunque, per chi ha ascoltato Nick Drake, Bon Iver o, in italia, Bob Corn. Ed è comunque la cantautorale dai toni più folk (quelli che ormai si confondono troppo con l’indie brillantinoso dell’America musicale fighetta) a farla da padrona nel gioco delle influenze e delle ispirazioni, anche se è evidente una ricerca di una caratterizzazione nuova che esuli da paragoni immediati e confronti che non portano da nessuna parte (come quelli che stiamo facendo).
C’è della poesia, degli accordi che annientano ogni sentore di luce e di spensieratezza per portare ombre in un mondo di sentimentalismo al contrario, dove sono comunque candore e tenerezza le due parole chiave: le sfumature tenui e uniformi di brani come “Surprises”, “Cripple” e “Monster” servano da lezione per capire quello di cui stiamo parlando. La musica tende ad essere sempre più soffusa, limitata a spazi privi di ampiezza, quasi piatti, quasi si dissolve nel niente, con queste schitarrate soffocate che ci danno un senso di leggerezza che non si può descrivere altrimenti che con la parola “fragilità”. E questo ci piace, così come ci piacciono brani intimi come “Deepfar” e “Goodbye Prisoner”, manifestazioni ultime di un’interiorità che riesce a raccogliersi dentro pochi concetti chiave per non disperdersi nella vaghezza di una musica semplice e che può risultare banale, ma solo per rendersi più chiara ad un eventuale interessamento dell’ascoltatore. Sapete, c’è ancora chi vuole approfondire il comparto letterario di un lavoro musicale.
A nulla vale la critica di chi gli muove contro dicendo che il cantautorato ha rotto le palle e questo assomiglia troppo a tutti quelli venuti prima, perché negli anni zero da cui siamo appena usciti nessuno ha saputo coniare sensibilità folk e quotidianità più spietata (contro o a favore di un amore che sembra averlo fatto soffrire abbastanza) come questo salernitano, che utilizzando le poche sperimentazioni che una chitarra acustica ancora permette ha saputo creare una piccola perla di musica italiana come ce n’era proprio bisogno.
Giù le mani dalla nostra musica.

Voto: 7.5

GTBT incontra la scena italiana #14: Aedi

2011-01-19T00:00:00.000+01:00

L'ennesima sfida di GTBT, cioè quella di intervistare una delle tante band che ha fatto brillare la scena musicale italiota nel 2010, regalandoci anche un bel disco di cui abbiamo molto volentieri parlato recentemente.
Queste sono le risposte ad una nostra piccola intervista che abbiamo il piacere immenso di condividere con voi
1. Salve ragazzi. A GTBT abbiamo avuto l'immenso piacere di ascoltare ed apprezzare il vostro ultimo lavoro, che secondo noi racchiude dentro se una specie di intimistica vena cantautorale che lo rende appetibile sia ai fan di generi molto eleganti e sensuali come il dream-pop e il trip-hop, che a chi vuole ascoltare un po' di sano rock italiano dalle venature più melodiche, come quello degli ...A Toys Orchestra. Che ne pensate di queste considerazioni? Chi sono in realtà gli artisti che più ritenete influenti sul vostro lavoro e sul panorama italiano?

Perbacco.
Il modo di prendersi poco sul serio ma seriamente parlando di Tricarico, Battiato, Camillas.
I mondi creati da De Gregori.
I giocattoli dei Mum, l' immenso dei Sigur Ros, i silenzi di Cage ed i passaggi di Schubert.
Le claps dei Talking Heads ed Arcade Fire, la cornamusa dei Neutral Milk Hotel.
Le scarpe sporche dei Ramones.
L' esempio degli A Toys Orchestra.
D' altro canto siamo cresciuti in auto italiane con stereo italiani ove pop e rock melodico dominavano fin da piccini.

2.Parlate della vostra zona e di come può una band in quella regione farsi un nome partendo dal basso.
Le Marche. Ci sono colline ovunque e pure montagne. A noi non piace il mare.
Ci sono locali sulle colline. Piccoli ma accoglienti e genuini.
Le Marche ha cinque province ed ad ognuna di essa è collegata una scena, un piccolo collettivo musicale (Mukkake, Marinaio Gaio, Valvolare Records, Bloody Sound etc..) con una miriade di gruppi bravi bravi (Chewingum, Camillas, Dadamatto, Lebowsky, Tetuan, Altro, Montezuma, Lettera22, etc..).
Suonare ovunque. Ascoltare ovunque.
Nelle Marche come nel Friuli Venezia Giulia.

3. Quando vi siete formati avevate un progetto o è stato per caso, o per divertimento? Se avevate un progetto, siete già riusciti a realizzarlo o è tutto ancora work in progress? Si sa, le persone cambiano, e gli artisti sono persone....
Siamo cresciuti insieme.
Arrivati ad A si vuole arrivare a B eppoi a F etc....
tutto è sempre un’ancora work in progress. :D

4. C 'è da dire la verità, band del vostro tipo non hanno la strada facile in un paese come l'Italia. Come vedete questa cosa? Perché avete scelto di fare questo genere, e come mai pensate che non sia facile emergere con questo tipo di sound?
Potremmo fare metal o ska o Alessandra Amoroso. Ma la verità è che ci viene da fare questo.
Abbiamo una visione ottimistica. Ci piace creare paesaggi. La vera sfida è rendere accessibile ciò che proponiamo in una realtà come l' Italia poco, molto poco aperta.
Ma d' altro canto siamo ancora agli esordi e cambiare veste continuamente è una cosa che ci stimola.
Eppoi l'Italia è solo uno stivale.
Magari regaleremo cd anche dai calzini in su!

5. Ho beccato per caso un vostro video su MTV: Brand New. Raccontateci come è nato, se ha un significato e di cosa parla, magari, anche la canzone in questione
La nostra musica la viviamo nella maggior parte dei casi come una musica di immagini e non di contenuti. Insomma non vogliamo fruire nessun contenuto, ma far si che i suoni diventino immagine.
I video sono immagini e noi li amiamo.
Il videoclip in questione “She is happy” nasce da un' immagine di Davide Marchi realizzato in collaborazione con i signori Marco Modafferi e Francesco Tortorella, tutti giovani registi e grafici nostri amici. Un lavoro “low budget” in cui gli uni si è puntato sugli altri. E ne siamo felici.
“She is happy”
“Stasera vedrai la neve
lungo ponti ed abeti che girano.
Togli le ali, indossa le scarpe più belle.
Non cercare alcuna compagnia,
alza le mani al Cielo.
Lei è felice e ti solleva con le sue gocce d' oro.”

6. Io nel disco ho trovato una serie di termini che semanticamente si possono ricondurre al mondo delle favole, delle fiabe o comunque dei bambini. C' è Heidi, "nanny goat", "Peter and Clara", "Easy Easy Tale". Mi rendo conto solo ora che il vostro nome può avere qualcosa a che fare con Heidi, a livello di pronuncia, ma lascio a voi l'onore di spiegare tutto ciò
Il mondo di un bambino è genuino. Come il latte. E fa bene.
Un doppio significato lega questi due termini.
AEDI (antichi cantori greci che animavano la corte con canti e balli) ha un significato accademico e rispecchia il nostro lato più sinfonico.
HEIDI riflette una parte di noi più giocosa, bizzarra, fanciulla.
Ci permette di prenderci in giro.
Il secondo significato è un gioco di parole. Un'assonanza.

7. Vi ringraziamo per aver partecipato a questa intervista. Se vi va, vi lasciamo questo ultimo spazio per dedicare un invito ai lettori, un qualcosa che li convinca ad ascoltarvi e a prendere in considerazione, ad esempio, l'idea di comprare un vostro disco o venire a vedere un vostro concerto (potete anche prendere l'occasione per linkare dove comprare il disco, o dove suonate prossimamente, tutto è lecito). Sbizzarritevi, e grazie ancora.
Amiamo le caprette.
Grazie GTBT.
Ve vulimo vè.
Buon anno.

Le prossime date degli AEDI: 03.01 SAN BENEDETTO DEL TRONTO (AP)

06.01 RECANATI (MC)

08.01 BOLOGNA

13.01 CASERTA

14.01 PONTECORVO (FR)

16.01 FERRARA

11.02 ROMA

12.02 NAPOLI

16.02 UDINE

19.02 CORREGGIO (RE)

25.02 VALDAGNO (VI)

26.02 VICENZA

18.03 ROMA

19.03 CASSINO (FR)

20.03 PESCARA

22.04 PISA

23.04 FIRENZE

The Crayonettes - Playing Out: Songs For Children And Robots (Caw Records/One Little Indian Records, 2010)

2011-01-18T00:00:00.020+01:00

TRACKLIST:
1. Robots In The Rain
2. Disco Teeth
3. Rainy Day
4. Hopscotch
5. Emergency
6. Sweet On The Floor
7. Let’s Dance On Moon
8. Spooky Way Home
9. How Hot Is A Toad?
10. Pirates On The Bus
11. Illegal

RECENSIONE:
E ti trovavi così di fronte ad un disco per bambini. Effettivamente nel 2011, dopo che ogni genere è stato sviscerato in lungo e in largo e le “novità” vere e proprie si riducono ai vari revival dei decenni passati, si cerca sempre più di virare verso strade particolari come questa. E Kathryn Williams, artista folk britannica che ricorderete per il discreto disco di debutto “Little Black Numbers”, deve aver trovato l’ispirazione in qualche fatto personale, ad esempio la maternità (l’indie gossip su web parla di un disco scritto per intrattenere il bambino), più che in fatti meramente commerciali/economici. Lo si può asserire dal momento che questo prodotto non risulta particolarmente vendibile, vuoi per l’assenza di tormentoni o di ritornelli veramente orecchiabili, e anche per la struttura molto vaga di molti pezzi, che si sporca di tinte di ogni tipo, dal crooner, all’hip hop (soprattutto l’hip hop) e, in alcuni momenti, il punk rock, tessendo una rete non così facile da districare e digerire per l’ascoltatore medio-basso. Il progetto The Crayonettes nasce infatti dall’unione della Williams con Anna Spencer, già nei Delicate Vomit, band che si trova agli antipodi rispetto a quanto propone stavolta. Nonostante i suoi influssi punk, i momenti in cui questo genere la fa da padrone si riducono ad un solo pezzo, che è anche uno dei più riusciti: trattasi di “Pirates On The Bus”, breve e scompigliata tirata che lascia spazio per l’unica volta a tonalità garage che sollevano per un momento il segmento ritmico del disco. A dire il vero, ascoltando questo pezzo dopo essersi sparati in vena i primi due dischi degli Yeah Yeah Yeahs, la differenza si noterà poco, se non per il sound più elaborato di Karen O e soci.
Per quel che riguarda il resto dei pezzi, la cosa più importante da notare è la scelta di testi ironici ma sempre concepiti per il mondo dell’infanzia: si parla di lavarsi i denti, di pirati sul bus, di robot nella pioggia, di ballare sulla luna, con un tipo di lessico e di cadenza melodica che ricorda proprio quello delle filastrocche e dei motti per bambini più celebri. Se esaminiamo invece l’aspetto più prettamente musicale, ad influenzare questi brani ci pensa soprattutto il folk americano, e i due episodi che più ce lo sbattono in faccia senza pietà sono “Disco Teeth” e “Sweet On The Floor”, quest’ultima soffusa e malinconica ballad che in certi momenti assomiglia molto a una delle più celebri ninne nanne.

Allora, se abbiamo un disco per bambini che sembra non avere niente di originale, perché ascoltare Playing Out: Songs For Children and Robots? Molto semplice. La Williams e la Spencer sono riuscite nel nobile intento di riportare al fruibile la musica per bambini, nel senso che hanno trovato, con questo lavoro, una miscela esplosiva di hop minimale, folk e riff di chitarra semplicistici ma d’effetto, che si adatta facilmente ai gusti di chiunque, utilizzando per altro un tipo di testi che pur senza un valore letterario vero e proprio si possono contestualizzare dentro ad un mondo completamente diverso, dove li puoi valutare per il pubblico a cui sono rivolti, e questo aspetto gioca a loro favore.
Non sarà la rivelazione dell’anno, ma è senz’altro un album godibile e, quantomeno, inaspettato.
Voto: 7+

GTBT incontra la scena italiana #13: Marlowe

2011-01-17T00:00:00.036+01:00

GTBT intervista una delle band di punta del panorama alternativo siciliano degli ultimi anni. Scusate se è poco, in una regione che è visibilmente in crescita dal punto di vista musicale. Per voi i Marlowe.

1. Ciao a tutti, prima di tutto grazie per la disponibilità a questa intervista. Partiamo con una domanda biografica, giusto per rompere il ghiaccio. Come e perché nasce il progetto Marlowe?
I Marlowe nascono nel 1998 per dare voce a un’incubata voglia di comunicare le proprie sensazioni e i propri gusti al fine di raggiungere la pace interiore e vivere in maniera sana la musica.
2. Il vostro genere è abbastanza gettonato ultimamente e noi pensiamo che questo sia merito di tutte le band ormai storiche del panorama italiano che hanno contribuito a definire la definizione, un po' abusata in realtà, di "alternative". Per voi cosa significa questa etichetta? Vi ci riconoscete? Inoltre chi pensate siano stati gli artisti che più vi hanno influenzati musicalmente e/o spronati a fare quello che state facendo?
Questo appellativo di “realtà alternative” non crediamo ci appartenga. Noi siamo cresciuti e maturati nutrendoci di tanta musica, fra i nostri ascolti ci sono Neil Young, Leonard Cohen, Debussy, Skip James, Sonic Youth, Nick Drake, e pensiamo che a livello di melodia e scrittura di appartenere ad una scena cantautorale italiana che vede i suoi numi in Luigi Tenco, Fabrizio De Andrè, Piero Ciampi, Modugno… Per quanto concerne le persone che ci sono state accanto nella nostra carriera musicale non finiremo mai di esprimere gratitudine per Cesare Basile, Marcello Caudullo e ogni persona che si è trovata nei momenti della nostra crescita artistica regalandoci la propria professionalità ed esperienza.
3. In Fiumedinisi ben due canzoni hanno nel titolo nomi di donna, Veronica e Christina. Che ruolo hanno nella stesura dei brani queste figure?
In questo nuovo disco la figura della donna ha un certo peso emotivo, la viviamo nella figura di madre, di amica ,di amante, di compagna di viaggio. Veronica viene direttamente da un racconto di Paulo Coelho “Veronika decide di morire”, analizza la prima parte del tentato suicidio della protagonista… Christina invece parla di un fatto di cronaca, una prostituta che ha incontrato la morte in una delle tante notti di rischioso “lavoro”, quest’ultimo pezzo è un inno alla gioia, un certo seppellire il dolore della disgrazia facendolo rinascere in forma di riscatto.
4. In una canzone dei Marlowe quanto peso hanno rispettivamente musica e testo? Non tutte le band concordano sulla giusta percentuale di importanza da attribuire a queste due componenti fondamentali. Inoltre pensate che la musica italiana, negli ultimi tempi, sia ben messa a livello "letterario" o che ci sia una falla incolmabile che si è interrotta da qualche parte nel passato e che si stia virando verso una certa banalità in questo senso, come se le parole fossero solo un ulteriore componente melodica delle canzoni?
La nostra composizione è sempre stata molto scrupolosa, ci teniamo ad adagiare le parole su un velluto. Si mira a trovare una situazione di equilibrio tra musica e testo e senti quando la canzone può funzionare, otteniamo l’opera finale avendo assoluto rispetto sia per i suoni che per le parole. Per il livello letterario preferiamo non scagliare nessun giudizio nei confronti di nessuno, notiamo solo una sorta di confusione e un certo “metricamente” sforzarsi nella scrittura puntando sull’intellettualismo e mangiando sugli accomunanti e così tanto blaterati “anni zero”.
5. Com'è la scena nella vostra zona? Ho sentito parlare ben poco di band di Caltanissetta, però so che la Sicilia sta crescendo musicalmente, essendo una delle regioni più prolifiche insieme alla Toscana per quanto riguarda il rock italiano degli ultimi anni
Effettivamente, dopo la “ leggenda” della Catania-Seattle d’Italia, al periodo buio di un po’ di anni fa, si sta assaporando un certo riscatto con la nascita di realtà, fra tutti l’Ypsigrock (un festival che ha luogo in un incantevole paesino della provincia di Palermo, Castelbuono), che continuano a dare all’isola vigore e un’instancabile voglia di reazione all’indolenza e alle indegne scelte “anticulturali” di chi ci governa. Qualcosa si sta muovendo, grazie a chi ci ha sempre creduto e continua imperterrito affinché la musica in Sicilia rimanga viva e mostri il proprio fuoco.
6. Se doveste fare un'analisi, invece, della scena italiana, cosa direste? Come vi ci trovate? Se avete avuto esperienze rilevanti di concerti o tour nel passato, raccontateci pure qualche aneddoto! C'è molta critica ultimamente nei confronti del trattamento dei gruppi, dei locali, delle booking agencies ecc...
La scena italiana si nutre maggiormente dei pochi posti che fino adesso hanno avuto un buon seguito e una pregevole continuità e serietà, specie nelle zone del centro-nord. La maggior parte dei locali del resto dello stivale è nelle mani di agenzie che mandano avanti un discorso “pubblicitario” di certe etichette. Per quel che ci riguarda possiamo dire che a colpi di spalla siamo riusciti a trovare il rispetto e un’entusiasmante ospitalità da parte dei live club che hanno voluto un nostro concerto, noi abbiamo ricambiato con spirito e forza….speriamo che certe “politiche” vengano soppiantate per dare spazio al merito, alla professionalità e la credibilità di qualsivoglia progetto artistico. Un aneddoto? Ci viene in mente un Tributo che abbiamo fatto ai Nirvana un po’ di anni fa, al sound check avevamo una determinazione e un “impatto sonoro” invidiabile, messi in scaletta come gruppo di punta suonammo alle due e mezza di notte con un po’ di birre al seguito consumate durante la serata, il vago ricordo di quel live è di gente che saliva sul palco in delirio e noi che abbiamo letteralmente stravolto tutti i pezzi suonando ognuno la propria canzone preferita della band di Seattle…anche questo è Rock’n’Roll !
7. E' stato un piacere chiacchierare con voi. Un'ultima cosa: qual è la vostra idea di band emergente? Cosa deve fare un artista per diventare famoso? Seguire la vostra strada?
Se sei stato sincero con te stesso, se hai mantenuto una certa linea, sei stato sempre curioso e hai fatto diverse ricerche su te stesso e sulla musica allora puoi da quel momento morire in pace.
Grazie ancora e un saluto ai Marlowe dallo staff di GTBT
Un saluto a voi

Salim Ghazi Saeedi - Iconophobic (Salim Ghazi Saeedi, 2010)

2011-01-16T00:00:00.012+01:00

RECENSIONE A CURA DI A.B.

Opera d’esordio per il compositore iraniano Salim Ghazi Saeedi.

Prima di ascoltarlo ero pregiudizievole, pensavo alla solita incasinatissima musica mediorientale.
Però, dopo pochi istanti dall’inizio, una risata demoniaca mi fa quasi fare capolino dalla seggiola;
incalzare d’archi, accompagnati da un pianoforte semplice quanto efficace; entro subito nella sua
dimensione.
I primi tre brani scorrono via velocemente con maestosi arrangiamenti orchestrali sempre guidati da
un ensemble d’archi morbido e dinamico che resterà sempre costante fino alla fine.
E proprio quando credevo già di aver capito l’impronta stilistica, una chitarra orientalfunky cancella
di nuovo le mie conclusioni troppo affrettate. Dalla quarta traccia infatti, tutto si sconvolge.
Arrangiamenti ritmici d’n’b, chitarre psichedeliche e chi più ne ha più ne metta.

Gli ultimi quattro brani ritornano dolcemente all’origine con dolci e melanconici inserti di
pianoforte sulla solita coinvolgente orchestrazione.

Un buon disco, arrangiato magistralmente, forse anche troppo; spesso infatti i contenuti globali
effettivi si perdono. Minimalista e psichedelico con influenze classiche. Pecca solamente di un
insufficiente originalità; infatti se l’avessi ascoltato senza sapere l’autore, probabilmente avrei detto:
carino il nuovo disco di Clint Mansell!

Voto: 6/7

GTBT presenta: i live di Gennaio - parte 2

2011-01-15T00:59:00.040+01:00

16.01 THE MODERN AGE SLAVERY @ Punky Reggae Club, San Zenone degli Ezzelini (TV)
16.01 COMANECI @ L'ora Di Italiano on Radio Ciroma, Cosenza
18.01 VERDENA @ FNAC, Milano
18.01 FRANCESCO CERCHIARO AVEC LA BELLE EPOQUE @ Fahrenheit 451, Padova
19.01 VERDENA @ FNAC, Genova
20.01 DAMO SUZUKI'S NETWORK (ft. MANUEL AGNELLI, ENRICO GABRIELLI, XABIER IRIONDO e CRISTIANO CALCAGNILE) @ Circolo degli Artisti, Roma
21.01 MINISTRI @ Land Of Live, Legnano (MI)
21.01 LE LUCI DELLA CENTRALE ELETTRICA @ New Age, Roncade (TV)
21.01 VERDENA @ FNAC, Torino
21.01 DAMO SUZUKI'S NETWORK (ft. MANUEL AGNELLI, ENRICO GABRIELLI, XABIER IRIONDO e CRISTIANO CALCAGNILE) @ Covo, Bologna
21.01 NON VOGLIO CHE CLARA @ Unwound, Padova
21.01 ALAN MCGEE @ Plastic London Loves, Milano
21.01 PERTURBAZIONE @ Spazio 211, Torino
22.01 FARMER SEA @ Caffè Basaglia, Torino
22.01 UFOMAMMUT @ United Club, Torino
22.01 BOB CORN e COMANECI @ Centro Stabile di Cultura, San Vito di Leguzzano (VI)
22.01 PERTURBAZIONE @ Twiggy, Varese
22.01 ALAN MCGEE @ Covo, Bologna
22.01 KAMAFEI @ Estragon, Bologna
22.01 RUMATERA @ New Age, Roncade (TV)
22.01 MINISTRI @ Officina della Musica, Lecco
22.01 MY AWESOME MIXTAPE @ Edera, Codroipo (UD)

22.01 LINEA 77 @ Tempo Rock, Gualtieri (RE)
22.01 LE LUCI DELLA CENTRALE ELETTRICA @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
26.01 VERDENA @ Circolo degli Artisti, Roma
26.01 GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! @ Estragon, Bologna
27.01 VERDENA @ Circolo degli Artisti, Roma

27.01 LINEA 77 @ Magnolia, Segrate (MI)

27.01 LOMBROSO @ Fuzz Club, Pesaro
28.01 MINISTRI @ Koko Club, Castelletto Cervo (BI)
28.01 NILE, MELECHES, DEW-SCENTED e ZONARIA @ New Age, Roncade (TV)
28.01 VERDENA @ Palaelettra 2, Pescara
28.01 INDOVENA @ Fahrenheit 451, Padova

28.01 LINEA 77 @ Vidia Club, Cesena (FC)
28.01 ONE DIMENSIONAL MAN @ Poseidon, Poggiomarino (NA)
28.01 ILIKETRAINS @ Bronson, Madonna Dell'Albero (RA)
28.01 IL PAN DEL DIAVOLO @ Covo, Bologna
29.01 IORI'S EYES @ Spazio 211, Torino
29.01 THE FIRE @ Blue Sugar, Polesella (RO)
29.01 RADIO ZASTAVA @ Estragon, Bologna

29.01 LINEA 77 @ Extra, Macerata
29.01 MINISTRI @ Vinile 45, Brescia
29.01 PERTURBAZIONE @ Ju Bamboo, Savona
29.01 VERDENA @ Rivolta, Venezia (Marghera)
29.01 IL PAN DEL DIAVOLO @ Edera, Codroipo (UD)

ILiKETRAiNS - He Who Saw The Deep (ILR Records, 2010)

2011-01-14T00:00:00.015+01:00

TRACKLIST:
1. When We Were Kings
2. A Father's Son
3. We Saw The Deep
4. Hope Is Not Enough
5. Progress Is A Snake
6. These Feet of Clay
7. Sirens
8. Sea Of Regrets
9. Broken Bones
10. A Divorce Before Marriage
11. Doves

ILiKETRAiNS. Una formazione britannica. L'ennesima formazione britannica. Noi degli inglesi ci ricordiamo sempre il sound tipicamente brit che dai Beatles in poi è rimasto in quasi tutte le band "commerciali", con poche eccezioni (Muse, Coldplay, Placebo, e i grandi nomi come Queen, Pink Floyd ecc.). Negli ultimi anni il proliferare di band indie rock non ha fatto altro che confermare questo trend, seguendo una tendenza di imitazione e revival della new wave anni '80 che ha favorito una polarizzazione del sound nei seguaci dei Joy Division e in chi invece se ne sbatte. Gli ILiKETRAiNS, bene o male, se ne sbattono, e propongono il loro post-rock in salsa alternativa, più melodico, più easy-listening, cantato, con degli accenni di indie nel sound (molto somigliante a quello dei Mewithoutyou dei primi dischi), segno distintivo della loro provenienza geografica (Leeds).
Il disco è sicuramente un lavoro di pregevole fattura, che scatena immediatamente un flusso di ricordi in chi, lasciandosi trasportare da generi come questo, ama utilizzare la musica come metodo e strategia di riflessione. Almeno la musica strumentale, spesso, ha questa connotazione. Il problema è che finite le brevi parti di arpeggi di chitarra o languide distorsioni iniziali, la voce riporta tutto su un universo più commerciale, con il timbro vocale quasi a ricordarci le band post-grunge dell'olimpo statunitense di Billboard (o comunque un Tom Smith annacquato). Questo, infatti, rappresenta il principale motivo di rinsecchimento del disco, che nonostante una vena (quasi)emotiva molto coinvolgente, si perde nella banalità di alcune linee di voce e di chitarra.
Analizzando invece gli aspetti positivi, c'è molto di cui parlare: il sound scelto permette, come già accennavamo, di utilizzare questa musica in senso abbastanza riflessivo. A suscitare momenti di distensione e relax ci pensano le canzoni più calme, dove flebili arpeggi di chitarra e ritmiche sempre precise supportate da un ottimo combo di basso e batteria, mentre l'aggressività di alcuni impasti più indie rock ricordano subito da vicino i Coldplay di X&Y, e il primo disco degli Editors. E questo è un bene, perché riescono a fare proprio un linguaggio che molte band hanno utilizzato fino all'abuso, senza scadere TROPPO nel banale, cosa che comunque fanno. Un'altra sfaccettatura positiva di questo He Who Saw The Deep è l'assenza di brani filler. Non ci sono pertanto pezzi riempitivo e ogni canzone svolge una funzione catalizzante e corroborante rispetto al resto del disco, che può essere digerito (e pertanto disassemblato e poi ricostituito) ed apprezzato solo dopo qualche ascolto completo, che non sia, però, un ascolto distratto. Perché solo così si può percepire l'ottimo songwriting che il quartetto inglese è riuscito a tirare fuori dal calderone, con brani come "When We Were Kings" e ""A Father's Son" a fare da capofila. Funziona molto meno "Progress Is A Snake", un brano in cui ricorrono troppo spesso i cliché tematici del post-rock più classico, quello che dopo gli Slint è stato rappresentato principalmente dai Mogwai, ai quali non sono minimamente paragonabili (e proprio per questo abbiamo citato solo band che non fanno propriamente questo genere).

Tecnicamente la band non è per niente male e riesce ad infilare una buona dose di interessanti passaggi ritmici e melodici con farciture vagamente sperimentali, che comunque concludono la loro esperienza positiva sbattendo contro un solido muro di banalità radio-friendly, che poco giova a brani come "Hope Is Not Enough". La verità è che questo disco può piacere a chiunque abbia ascoltato il rock inglese e scozzese degli ultimi anni, in tutte le reincarnazioni che ha avuto, e se questo è un pregio, dall'altro arriva la mazzata della spersonalizzazione totale della band, che svolge un ruolo quasi nullo in un panorama che forse ha ancora tempo per reinventarsi ed uscire dall'anonimato in cui sta piombando grazie al trittico 2008, 2009 e 2010 che l'hanno troppo snobbato.
Buono sforzo, ma si poteva fare di meglio.

Voto: 6.5

The Big Pink - Tapes (K7!)

2011-01-13T00:00:00.000+01:00

RECENSIONE SCRITTA PER INDIE FOR BUNNIES
TRACKLIST:
1. Grill Grill - Slow Dancing
2. Love Distance - Move On The Rain
3. Gang Gang Dance - Ego War
4. Joker - Snake Eater
5. Active Child - Body Heat (So Far Away)
6. Henry Moan - Vreg Dreams
7. Sewn Leather - Smove Ov The Pvnk
8. Balam Acab - See Birds
9. Yusuf B - Kiss The Nite
10. ZVA - Nothing
11. No Bra - Minger (These New Puritans Remix)
12. Jj - Let Go
13. Salem - Dirt
14. Light Asylum - Shallow Tears
15. The Big Pink - Velvet (BDG remix by Gang Gang Dance)
16. Actress - Hubble
17. oOoOO - Mumbai
18. The Xx - Fantasy
19. Horse Macgyver - Tetanus Wine

La K7!, regno incontrastabile della musica elettronica, con sede a Berlino ma anche numerose filiali sparse per il mondo, propone periodicamente alcune raccolte di brani di un particolare filone del genere che trattano, dando l'onore di selezionare i pezzi per le tracklist delle compilation a band celebri del settore. Questa volta è toccato ad un grande duo britannico, quello dei The Big Pink, all'anagrafe Robertson Furze e Milo Cordell, compilare questa lista di canzoni e il genere interessato è la cosidetta "witch", o witch-house, uno di quei tanti "nuovi generi" che ogni tanto Pitchfork contribuisce a plasmare nella memoria degli ascoltatori di musica indie o elettronica.
Questa raccolta è, in breve, una selezione dei migliori artisti del mondo secondo Furze e Cordell, e, purtroppo (vista la difficoltà), sta a noi decidere se i brani inclusi rendono o no giustizia a questa etichetta. Tecnicamente, anche se con le dovute peripezie e indesiderate imprecisioni, è possibile definire questo tipo di cose e, al giorno d'oggi, una canzone witch-house, o "drag", dovrebbe avere un'atmosfera ghostly, un groove piuttosto lento (diciamo che assomiglia ad una versione annacquata e simil-terrorizzante dei Portishead?) e linee vocali trasformate in maniera quasi spaventosa da vocoder ed effettistica di vario genere, su cui regna sovrano un fuzzettone che distorce qualsiasi cosa.
All'interno della compilation troviamo sia artisti celebri (i Gang Gang Dance per ben due volte, visto che remixano anche l'unico brano presente dei The Big Pink, oppure Actress) e altri meno rinomati, sconosciuti ai più, come Yusuf B e Joker. La buona riuscita del collage si può decidere in poche parole: essenzialmente il meglio della witch sta nei diciannove brani, anche se forse di alcuni artisti si potevano scegliere brani migliori. Inoltre, sono presenti molti pezzi dalle declinazioni trip-hop e rap, deviando leggermente quindi dalla definizione che dovrebbe stare alla base della collezione. E' il caso del brano di ZVA, "Nothing", che unisce ritmiche decisamente trip-hop a soluzioni melodiche molto minimali (cosa che accomuna molti dei brani), o di "Dirt" dei Salem, per cui vale lo stesso discorso, solo che le campionature di batteria elettronica sono decisamente hip-hop in questo caso.
Una canzone che stona molto è quella di Joker, "Snake Eater", che dura almeno un minuto e mezzo più del previsto e non riesce ad entrare omogeneamente nella compilation. Effettivamente se questa edizione di Tapes pecca di qualcosa, è proprio di omogeneità: ci sono brani che divagano (anche i Gang Gang Dance, che comunque propongono uno dei brani più azzeccati, "Ego War", insieme a "Slow Dancing" dei Grill Grill con cui i The Big Pink hanno deciso di inaugurare la tracklist), troppi generi diversi che a volte cozzano l'uno con l'altro, e alcuni brani sono sicuramente scadenti rispetto ad altri proposti dallo stesso artista nell'ambito del genere in questione (vedi Yusuf B e Love Distance).

La compilation di per sé propone un ottimo raggruppamento di brani witch house che servono molto bene lo scopo di far capire alla gente cos'è questo genere e chi lo fa in maniera più adeguata, studiata e seguendo bene la definizione. Insieme a questi brani si trovano anche notevoli deviazioni che, se da un lato compromettono il senso della compilation, dall'altro le restituiscono un senso di varietà e una possibile attrazione verso un numero più alto di ascoltatori di elettronica del panorama underground et similia. Per il resto, se volete ascoltare dei buoni brani del genere in questione, in questo disco vi dovete assolutamente soffermare sugli oOoOO e i The XX, che nonostante la brevissima durata degli estratti scelti per l'inclusione, costituiscono i migliori episodi della raccolta per quel che riguarda il suo scopo primario. Che sono stanco di ripetere.
Si poteva fare di meglio, ma forse è anche vero che questo tipo di Tapes non è così utile, no?

Voto: 6.5

Styrofoam - Disco Synthetizers & Daily Tranquilizers

2011-01-12T12:11:00.000+01:00

RECENSIONE SCRITTA PER INDIE FOR BUNNIES
Tracklist:
1. Carolyn
2. Get Smarter
3. Extra Careful
4. Kids On Acid
5. The Only One To Curse
6. Looking Glass Two Zero
7. Mile After Mile
8. Am I The Ghost
9. What's Hot (And What's Not)
10. Believe Everything

Styrofoam è un progetto che risponde al nome di Arne Van Petegem, mente che ne decide le sorti e le caratteristiche in maniera piuttosto determinante, visto che tutto ciò che sentiamo viene dalla sua testa. Disco Synthetizers & Daily Tranquilizers è un album che cavalca l'onda del momento, così come tutti i lavori passati di uno degli "indie acts" più celebri del panorama belga, sempre piuttosto impegnati a seguire le mode un po' per opportunismo un po' per inscenare un'evoluzione che in realtà è più un tentativo di adattamento.
Si sedimentano però all'interno di questo disco tutti i passi della principesca ascesa al successo, diventando un unico blocco praticamente indistinguibile di elettronica dall'animo pop ma che assume quell'aspetto che, associato all'abusatissima etichetta glitch, si può anche definire con una certa presunzione indietronica.
In questo album sono rimasti da parte quasi tutti i sintomi dell'hop e del synth-pop, anche se ricorrono in certi passaggi come poi si spiegherà più approfonditamente. Le scelte a livello di sound si concentrano bene o male su un'elettronica più "da classifica", niente di particolarmente underground, come una parte consistente della produzione indie vuole far credere sia indispensabile, perciò pulitissimo, altamente digitalizzato e che fa un utilizzo enorme di synth modernissimi e pattern di batteria che starebbero sicuramente bene in brani dei Daft Punk o dei Chemical Brothers. Sotto però c'è una coltre di new wave, soprattutto nei testi (che a volte sembrano molto "random"), e in alcuni arrangiamenti di sintetizzatore, più in generale nelle melodie (vedi "Am I The Ghost"), che si interpretano meglio esaminando le rare chitarre à-la-New Order (ad esempio nel blocco centrale di "Extra Careful"). Brani come "Carolyn", "Get Smarter" e "Believe Everything" sono di un'orecchiabilità spaventosa, che dimostra gli intenti commerciali di adattamento ed opportunismo di cui sopra, ma che comunque confermano anche la duttilità della vena compositiva di Van Petegem. Lo stesso viene attestato da un brano particolarmente eighties come "Kids On Acid", che cantato da Dave Gahan sarebbe senz'altro una hit dei Depeche Mode passati, ma con alla chitarra Philips Cunningham (se lo paragoniamo alle band di oggi sembra esattamente una canzone dell'ultimo disco dei Franz Ferdinand, con tanto di timbro vocale molto simile a quello di Kapranos).
E come stavamo per dire, sono proprio gli anni ottanta e la new wave a fare da imprescindibile sfondo e chiave di lettura a tutto il disco, anche quando scivola nell'esagerazione dance di "What's Hot (And What's Not)", il pezzo che più di tutti dimostra come comporre un genere più ballabile sia facilissimo per un professionista come Arne, ma che evidentemente sia proprio questo approccio ad indebolire il disco.

Di per sé l'album è molto carino: le aperture melodiche anni ottanta ricordano molto il miglior synth-pop sporcato di dark e new wave, il songwriting è più che buono, mai troppo complesso né troppo curato, però abbastanza genuino da creare un prodotto appetibile ai più. Le virate più radiofoniche però creano un'intuitività dance che mina la qualità generale del disco, creando una scappatoia per poter criticare gli intenti del compositore.
In ogni caso un disco che può, presumibilmente, piacere a quasi tutti e non avere niente da rimproverare a storiche band dell'elettronica (o degli ambienti glitch hop) e della new wave come l'abbiamo sempre intesa.

Voto: 7

GTBT incontra la scena italiana #12: The Ex-Kgb

2011-01-11T00:00:00.030+01:00

Gli Ex-Kgb, e nient'altro. Una band particolarissima e tutta da scoprire. Nell'articolo di ieri si parlava del loro disco, oggi li abbiamo intervistati per andarli a conoscere nei loro segreti più intimi. Insomma, le spie si sono fatte spiare da GTBT. Sarà un segno dei tempi? Buona lettura

1. Prima un 45 giri di beneficienza, poi un tour nazionale, adesso il primo disco. Quante ne combinano questi The Ex Kgb! I nostri lettori vogliono saperne di più del vostro progetto, spiegateci un po'...
EX KGB ne combinano tante e ne faranno sempre di più dal momento che alla base di tutto c'è il fatto che ci divertiamo a fare musica, a suonarla ovunque, a portare le nostre scottanti rivelazioni ovunque ci vogliano.
Ora ci stiamo concentrando sulla promozione del disco ma c'è già nuovo materiale per il prossimo e poi da Aprile circa ci sarà il nuovo 45 giri di beneficenza a favore di Greenpeace.
Per ora godiamo del fatto che il nostro disco avrà da circa la fine di Gennaio la distribuzione in tutta Italia per cui, chi lo vorrà post Natale potrà farsi un Super Spy Regalo per San Valentino.

Un regalo da Single?

2. Com'è stato lavorare con un produttore del calibro di Ronan Chris Murphy?
Ronan è un grande produttore ed una persona sensibile all'arte oltre che squisita. Lavorare con lui è una esperienza unica, riesce sempre a tirare fuori il meglio dai musicisti. Ha capito subito che gli EX KGB erano fatti di pasta di grano duro con il sugo segreto della nonna! Ah ah ah
Con Ronan ci si conosce da tempo, io (Mike 3rd) ci lavoro dal 1998, da quando ho iniziato l'avventura Hypnoise. Da quel momento è stata una continua collaborazione, scambio di opinioni, crescita comune.
Ronan ha lavorato con i King Crimson oltre ad altri nomi blasonati come Terry Bozzio, Tony Levin ... mentre io ho continuato a curare la musica passando il mio tempo tra l'Italia, l'America e l'Inghilterra dove ultimamente ho conosciuto anche Brian Eno ed il suo staff.

3. Che ne pensate delle band celebri con cui ha collaborato in passato? Le conoscete? Vi hanno influenzato o le avete comunque ascoltate? Qualcosa di quello che avete potuto sentire in loro è evidente nei suoi metodi di lavoro che ha utilizzato con voi?
Ovviamente seguiamo interessati il suo lavoro, ha lavorato con band blasonate, con grandi artisti e questo è indubbiamente una cosa che si riflette su di noi.
Gli aneddoti sulle registrazioni, sul modo di atteggiarsi di musicisti più noti, le tecniche che ha passato pure a loro... fanno crescere il musicista vivo e interessato. Così hanno fatto crescere noi e noi continuiamo a crescere grazie a questo. Bisogna essere sempre umili e disposti ad imparare, se non lo si fa la strada è breve.
Lavorando in questo ambiente è poi facile conoscersi, noi siamo in ottimi rapporti con Tony Levin e Pat Mastellotto.
Sono due persone squisite, non vediamo l'ora di aprire il loro concerto il 3 Aprile a Sona (VR)

4. A quanto pare il titolo del disco nasconde una bella storiella, tipo origini venete di Putin e quant'altro. Spiegateci!
A quanto pare il buon Putin ha delle origini Venete e questo sarebbe stato dimostrato da uno studio condotto all'Università Ca' Foscari ed anche dalla Televisione Russa. Vi sono vari tipi di pensiero e se si spulcia su Google queste informazioni saltano fuori subito.
Nel vicentino ci sono molte famiglie di cognome Putin che narrano dei movimenti delle nostre genti verso la Russia per ragioni di lavoro.
Quale sarà la scottante verità?

5. Sono molte le influenze che popolano la vostra musica. Se doveste fare un po' di nomi chi tirereste fuori?
La nostra musica è il felice incontro di tre forti identità che invece di scornarsi si arricchiscono a vicenda, si stimolano provocando perciò la crescita musicale e culturale.
Amiamo la musica e ascoltiamo tendenzialmente di tutto.
A casa gli Ex KGB ascoltano dal funk, al jazz, al metal, al punk / post punk, rock-a-billy, musica classica, country ... può bastare? Quando ci troviamo in studio lasciamo fuori le etichette e ci facciamo guidare dal cuore.
Le influenze dei singoli EX KGB vanno, citando alcuni nomi più significativi, per Alberto Stocco a colleghi come Jonh Bonham, Jojo Meyer, Buddy Rich, Teddy Campbell mentre Mike 3rd è sempre stato affascinato da chitarristi come David Gilmour, Andy Summers, Syd Barrett, Jimmy Page, Pat Metheney. Emanuele Cirani suona oltre il basso uno strumento, il Chapman Stick, che vede in Tony Levin uno dei massimi esponenti. Per il resto Emanuele è stato sempre affascinato da musicisti come Peter Hammill, Robert Fripp, David Bowie, Chris Squire, John Wetton.

6. Inoltre sembra che ad influenzarvi non ci sia stata la musica, ma anche il cinema. Descriveteci questa vostra "particolare" contaminazione.
Da brave EX SPIE gli EX KGB non potevano restare immobili di fronte a James Bond ed alle sue avventure!
Così prendendo spunto da Goldfinger abbiamo confezionato questo omaggio ad uno dei caratteri più intriganti per il nostro caro collega Bond ... Pussy Galore.
Per un carattere così esplosivo e per il tempo rivoluzionario non potevamo non scrivere una irriverente bomba rock che strizza l'occhiolino al rock-a-billy.
Speriamo che in un futuro gli EX KGB saranno incaricati della colonna sonora di uno degli episodi della saga di 007, sarebbe divertente.

7. Che ne pensate della scena italiana con riferimento al vostro stesso genere? C'è qualche nome che vi piacerebbe citare positivamente o, perché no, negativamente?
In Italia ci sono grandi nuove band che stanno facendo come noi a spallate per farsi notare. Pensiamo che sulla scena italiana non ce ne siano attualmente che per sound, approccio e stile possono avvicinarsi ad EX KGB anche se non nascondiamo che ultimamente, spesso, ci hanno messi vicini agli Octopus. C'è da dire però che gli Octopus sono marcatamente Primus mentre noi non ci fermiamo lì, andiamo in molte altre direzioni.
Pensiamo che i Bud Spencer Blues Explosions e i Flauto di Pan stiano dando molto al nostro panorama musicale.

8. Vi lasciamo con un invito a sfogare tutta la vostra creatività per accaparrarvi un po' di attenzione dai (pochi) lettori di Good Times Bad Times. Perché dovrebbero ascoltarvi? Sbizzarritevi, ma soprattutto, convinceteci. Un saluto e grazie per il tempo che ci avete dedicato.
Mike: "Gli OASIS dicevano che erano la migliore band al mondo ma era una stronzata colossale, noi che il colosseo lo abbiamo in casa diciamo che gli EX KGB sono la peggiore band in circolazione! Peggiore perchè provochiamo dipendenza! Chi ci conosce NON ci evita! E lo dimostriamo con orgoglio ogni volta dal palco dando sangue e anima ai nostri fans."
Alberto: "Non siamo nè scontati nè già sentiti come milioni di band, chi mette il nostro disco CD o Vinile o Audio iTunes ci riconosce subito. Sappiamo suonare e poi sul palco ... chi ci ferma? Siamo EX KGB, la prima EX SPY BAND dal fascino latino!
Emanuele: "Gli ExKGB non fanno musica per qualche grazia divina o per caso, fanno musica perchè lo vogliono e hanno il bisogno di farlo. Questo perchè abbiamo qualcosa da dire, come informazioni segrete del nostro passato da spie o emozioni che scaturiscono dalle nostre vite e che vogliamo a tutti i costi condividere con chi ci ascolta. Di sicuro chi ci ascolta viene catapultato in un posto che noi come band stiamo creando e scoprendo allo stesso tempo."

Ciao a tutti!! WE LOVE YOU!!!

The Ex-Kgb - “первый Пу́тин” (Primo Putìn)

2011-01-10T00:00:00.050+01:00

Tracklist:
1. Ex Kgb
2. It Never Stops
3. Dangerous Toys
4. Pussy Galore
5. Do You Want To Know
6. A New Way
7. Super Gas
8. I'm Moving
9. Ex Kgb

Una band che pensa di essere un gruppo di ex spie. Brucianti rivelazioni da fare invidia ad Assange. Un rock pieno di groove che farà ballare e pogare mezza Italia, di cui il vero ed inimitabile propulsore è il batterista Alberto Stocco.
Questo sono, in sintesi, i The Ex-Kgb, veneti, che hanno prodotto un disco divertente e divertito, con un mood sempre molto sostenuto, che può far sorridere o meno, però sicuramente vi farà muovere. Il titolo fa riferimento ad un aneddoto scaturito dalle ricerche dell'università Ca' Foscari di Venezia e alcune TV russe, che parla delle possibili origini venete del primo ministro Putin. E qui ci sta un bel riferimento a Wikileaks.
Sicuramente la piattaforma musicale sulla quale è costruita la musica degli Ex-Kgb è fatta di un insieme molto vario di ingredienti diversi: c'è tanto post-punk, piccoli filamenti reggae e dub che si nascondono (troppo)bene sotto una coltre di funk rivelatore, per creare una formula molto personale di rock'n'roll duro e puro.
Prodotto dal celebre Ronan Chris Murphy, storico produttore losangelino già dietro al mixer per King Crimson, Terry Bozzio e altri, si porta dietro un sound tipicamente seventies, anche se alcuni pattern ricordano gli anni ottanta più che il decennio precedente. E' con questo tuffo nel passato che si possono stabilire i primi veri riferimenti a band storiche come gli Who, la band che ha involontariamente fatto da "prologo" alla scena punk che poi qualcuno ha saputo evolvere nel già citato post-punk che i nostri amici hanno saputo miscelare bene nel disco (vedasi "Pussy Galore"). Tutti i brani hanno un loro perché all'interno del disco, non ci sono né riempitivi né pezzi brutti, anche se a un certo punto si rischia di andare a sbattere contro un'infrangibile barriera di "già sentito" ("Do You Want To Know" e "Super Gas") che può mandare a monte tutte le belle parole finora dette. Ma, lungi da me stroncare una band che ha probabilmente molto da dare alla scena italiana anche nei live, ci si limiterà ad un augurio: se il prossimo disco utilizzerà ancora con questo sound, ma con un pizzico di evoluzione, si potrà davvero parlare di sorpresa. Finora si può parlare di un buon album.

Voto: 6.5

Il Teatro degli Orrori Live @ Madame Butterfly, Ferrara 18 Dicembre 2010

2011-01-09T00:03:00.072+01:00

TRACKLIST DEL CONCERTO:
E' Colpa Mia
A Sangue Freddo
Due
Vita Mia (incompleta)
Dio Mio
Padre Nostro
Nostalgia
Il Turbamento della Gelosia
Majakovskij
Scende La Notte
Carrarmatorock!
Il Terzo Mondo
Compagna Teresa
La Vita E' Breve
Mai Dire Mai
La Canzone di Tom
-Encore-
La Vera Prigione (poesia di Ken Saro Jiwa)
Lezione di Musica

E così con GTBT ci troviamo per l'ennesima volta ad un concerto del Teatro degli Orrori. Potremo dire che li stiamo vedendo crescere, anche se non sono mai stati una creatura immatura, né qualcosa che avesse bisogno di un'evoluzione particolarmente evidente ed esplosiva.
Al Madame Butterfly, rinominato come l'ex locale di punta dell'area ferrarese Zoo Animal Sound per l'occasione, in realtà una discoteca delle peggiori a livello di acustica, gestione e prezzi delle bibite (anche questo è importante, tre euro per una stramaledetta acqua resterà sempre e soltanto un crimine contro l'umanità, senza dubbio), arriva per l'ultima data dell'estenuante tour 2010 la band (più o meno)veneta più famosa, Il Teatro degli Orrori, diventati ormai una delle realtà più seguite, apprezzate, o meglio, amate da critica e pubblico. In una serata glaciale, con la frazione Cassana (qui si trova il locale) trasformata in una pista di pattinaggio su ghiaccio, non sono moltissimi a recarsi al locale (sia per il tempo atmosferico che per il prezzo inconcepibile del biglietto, 15 euro sonanti), e dopo un lunghissimo e ingiustificato/ingiustificabile ritardo di due ore sulla tabella di marcia, ecco la band salire sul piccolo palco, acclamati in maniera veramente calorosa come poche realtà alternative italiane si possono permettere con il 2011 alle porte.

Il set presenta alcune novità rispetto alla scaletta del tour di A Sangue Freddo, riposizionando molte canzoni ("Compagna Teresa" e la combo "Vita Mia/Dio Mio" tolte dal bis, "E' Colpa Mia" collocata subito a inizio serata, o meglio, nottata) e presentando qualche novità: tornano "Lezioni di Musica", "Scende La Notte" e "Carrarmatorock!" dal primo disco, tutte e tre eseguite molto bene (anche se la prima, suonata per ultima, si è rivelata uno dei peggiori sbagli nella costruzione della scaletta, punto debole della band da sempre), ed inserendo "Nostalgia", dal vecchio split con gli Zu, e la lettura di "La Vera Prigione", poesia di Ken Saro Jiwa che viene musicata dalla band come nei reading già presentati al pubblico nei mesi passati. Tra gli altri brani eseguiti spiccano le intense "Majakovskij" e "Il Turbamento della Gelosia", la prima forse un pochino rallentata, la seconda finalmente fatta alla sua velocità originale, aspetto che la valorizza abbastanza, e il trittico iniziale "E' Colpa Mia", "Due", "A Sangue Freddo", tre dei loro brani più amati che infatti generano un'ondata di schiamazzi, canti e pogo a non finire (quest'ultimo durerà per tutto il concerto, momenti melodici a parte). Non convince, come dicevamo, il bis, troppo lento e tirato, né la voce di Pierpaolo, che dopo i primi due pezzi scompare nella sua timbrica gutturale che viene evidentemente "annacquata" dalla sua stanchezza e scarsezza tecnica, aspetto che viene comunque piegato ad una connotazione positiva grazie ad un'interpretazione ottima di alcuni momenti particolarmente drammatici dei brani, o nelle sezioni più aggressive e, per così dire, nervose (vedi "Il Terzo Mondo").

Tecnicamente non è solo il frontman a peccare, ma anche gli altri, tutti abbastanza deboli a livello di precisione, ma che comunque riescono ad infilare un ora e quaranta piuttosto buona rispetto ai loro standard, con la nuova formazione che riesce, per una volta, a somigliare per l'impatto e per la durezza e compattezza del sound, a quella vecchia che viene sempre più ricordata con una certa nostalgia. Pierpaolo Capovilla e i suoi monologhi generano sempre più attenzione nei fans più attenti (e distrazione nei curiosi presenti in fondo sala), che lo elevano talvolta al ruolo di un messia del rock italiano, pronti a pendere dalle sue labbra nei momenti di "narrazione politica" che lo contraddistinguono da sempre e che hanno un'incisività maggiore visti i tempi che corrono.
Per riassumere, il live del TDO è stato molto intenso, tecnicamente superiore alla (loro) media e con una scaletta migliore del previsto. Scompaiono i dubbi riguardo la nuova formazione, che si fa più solida e funzionale alla causa della band, e continua, o meglio cresce, l'amore del pubblico nei confronti di un gruppo sempre più solidamente inserito in un contesto, che è quello dell'alternative rock italiano, che attrae una marea di persone, come attesta l'affluenza media di questo tour alterata in questo caso dal maltempo e dalle politiche del locale. Quando torneranno, ci saremo di nuovo. E voi?

GTBT incontra la scena italiana #11: Kipple

2011-01-08T00:00:00.047+01:00

I Kipple ci hanno piacevolmente sorpreso qui. Ora li abbiamo intervistati. Le opinioni le lasciamo a voi. Let's read.

Ciao ragazzi. Iniziamo subito con una domanda lampo. Perché questo nome?
Il nome è preso da un concetto espresso nel libro Ma gli androidi sognano pecorelle elettriche di Philip K. Dick. Il termine "kipple" (come si può leggere anche sul nostro Myspace) fa riferimento a tutte le cose su cui non riesci ad esercitare un controllo. Ci è piaciuto e lo troviamo molto adatto alla nostra attitudine musicale.

Quando abbiamo recensito il vostro disco abbiamo accennato alla vostra origine geografica. Raccontateci di voi, di come vi siete conosciuti. Quanto ha influito la vostra provenienza in quello che fate?
S.C.- I nostri incontri sono stati, da un certo punto di vista, assolutamente casuali. Abbiamo iniziato io e Renè un giorno di luglio del 2008. Ci siamo trovati a vivere nello stesso appartamento per pochi giorni. In due di questi abbiamo abbozzato (anche se noi al tempo li pensavamo già più che completi come arrangiamenti) 4 pezzi. Il caso volle che nessuno di questi pezzi sia finito sull'album....
Salvo M è entrato attivamente nel gruppo da gennaio 2009, grazie anche a un incontro fortuito con Renè sempre a Padova.
Carlo fa parte del gruppo da Marzo 2010. E' stato chiamato in causa all'inizio per dare un contributo alle performance live. Adesso è il 4° Kipple effettivo.

S.M. - René faceva la mia stessa facoltà, ci conoscevamo di vista. Un giorno d'estate ci incontrammo per caso ad un concerto, parlammo molto di musica. Quando vidi la grande passione musicale di René gli consigliai vivamente di prendere uno strumento in mano e di impararlo in fretta. Ci ritrovammo ancora casualmente qualche anno dopo, io ero ad una festa di laurea nel locale dove René lavorava, ero abbastanza brillo e mi misi al pianoforte del locale a strimpellare qualcosa. René ascoltò ed apprezzò, mi parlò del neonato progetto kipple che condivideva con Salvo C., e che gli sarebbe piaciuto avere delle tastiere. Così mi inviarono alcune tracce mp3 di cui mi innamorai subito, una la rispedii indietro con le parti di piano e di drum machine che ancora oggi stanno su Fisting.

La provenienza geografica personalmente nulla, la nostra musica é quanto di più distante possa esistere dal folklore siciliano.

Com'è la scena musicale nella città in cui ora risiedete? Pensate che andrebbe fatto qualcosa di più per spingere le band?

S.M.: A Bologna l'atmosfera musicale si percepisce abbastanza. Non solo per i locali con programmazione internazionale, ma anche perchè è facile incontrare per le strade e per le piazze del centro, magari ad un piccolo concerto, personaggi della scena musicale underground italiana. E' bello che puoi ritrovarti ad un tavolo con Moltheni o che un amico ti presenti Max Collini (ci è capitato davvero!). I locali per suonare ci sono, le piccole associazioni culturali anche. Se ti sbatti ed insisti un pò qualche concerto riesci a procurartelo. Io vivo nella piccola illusione che se fai musica di qualità pian piano riceverai gli apprezzamenti che meriti, anche se con la consapevolezza che i Kipple offrono un prodotto musicale che non gratifica le masse. E' chiaro che le conoscenze di rilievo ti spianano le strade, ma quello credo non sia responsabilità del musicista. Il lavoro del musicista finisce nel momento in cui realizza con dedizione musica che lo rispecchia e si mette in condizione di farla ascoltare alle persone.

Se vi chiedessero di fare qualche nome di band italiane che reputate indispensabili negli ascolti di tutti negli ultimi anni, o, ancora meglio, che reputate sopravvalutate, chi citereste? Dai, non fate i buonisti, tutti odiano qualcuno.

S.C:Come band indispensabili italiane dico CCCP, Massimo Volume, Offlaga Disco Pax e i Marlene Kuntz. Il più grande di tutti rimane comunque Battiato. Adesso mi piace molto IOSONOUNCANE e apprezzo moltissimo i Japanese Gum.

S.M. : Amo molto Moltheni, anche i Verdena sono imprenscindibili. Sul lato indipendente rimasi fulminato dai Port-Royal anche se l'ultimo lavoro l'ho trovato un po' forzato. Japanese Gum, Arbdesastr, Mauve sono gruppi che meritano visibilità. Sopravvalutati sono quei gruppi che vendono ma non dicono niente di nuovo con la musica, il loro lavoro è abbastanza inutile se escludiamo i fini economici. Negramaro e gli ultimi Subsonica rientrano in questa categoria a mio avviso, troppa cura dell'immagine, troppo poca per la musica.

In Italia la mafia è anche nelle webzine, nei siti, nei giornali. Si pubblicizzano alcuni artisti e se ne penalizzano altri anche in virtù di patti stretti economicamente con agenzie, etichette, promoter e quant'altro. Cosa ne pensate di questa situazione? Anche secondo voi è diventato difficile suonare da quando ci sono troppi intermediari (il locale, la booking agency, l'etichetta, i promoter esterni, gli sponsor, ecc.)?

S.M: La musica ha un aspetto umano fatto dell'introspezione del musicista che immagina suoni e si impegna a realizzarli e di quella dell'ascoltare, che lega la musica che ascolta ai propri vissuti, ne fa colonna sonora per la propria soggettività che é unica e speciale.

Ma la musica è anche un'azienda che segue le leggi del mercato e del denaro. E' triste ma questo vale per tutte le realtà di questa società, per la politica, per la sanità. Noi attualmente non siamo ancora calati così tanto in questa realtà di intermediari, vendiamo qualche cd a poco prezzo ma chiaramente non ci paghiamo tutte le spese fatte finora. L'etichetta discografica un pò ti aiuta, sfrutta i suoi agganci, grazie a loro siamo stati al MEI ad esempio, ma il grosso del lavoro lo facciamo in prima persona noi del gruppo.

S.C. Purtroppo se non hai una buona agenzia di booking suoni poco, anche se nel nostro piccolo siamo riusciti a fare qualcosa. Se non sei "raccomandato" pochi ti considerano, quasi nessuno.

Com'è uno spettacolo live dei Kipple. Proponete i vostri brani semplicemente, in puro stile rock, o infarcite le performance con qualcos'altro? Alcuni dei vostri pezzi a mio modesto parere starebbero abbastanza bene accompagnate da qualche immagine di sfondo, un video, qualcosa...penso ad esempio a "On Cloud Nine".

S.M.: E' una cosa che abbiamo sempre pensato anche noi, infatti ci stiamo lavorando. Live come quelli di Port-Royal ed Alva Noto sono uno spettacolo per gli occhi oltre che per le orecchie. Carlo, che é l'informatico del gruppo, ci ha promesso di deliziarci a breve con alcuni lavori visuali. Attendiamo.

Facciamo un gioco veloce...se doveste scegliere tra una di queste due cose, cosa scegliereste...
- un live insieme ai Mogwai o un live insieme ai Coldplay?

S.M.: Ascoltavo i Coldplay in passato, ma chiaro che aprire un concerto dei Mogwai sarebbe un onore ed una soddisfazione rara.

Grazie alle loro sonorità ho comprato la mia Telecaster ed ho imparato a suonarla.

S.C. Senza dubbio Mogwai....anche se per me il sogno resta sempre aprire per i Sonic Youth. Nel panorama italiano Marlene Kuntz.
- regalare il vostro cd a una persona che pensate possa "spingervi" o a un fan che vi implora di avere una copia gratis?

S.M. - Un fan dovrebbe supportare la nostra musica e metterci in condizione di proporla, quindi se ha problemi a darci 5 euro per un cd vuol dire che non è poi tanto un fan. Un cd gratis lo do a qualcuno del settore, lo abbiamo dato a radio o locali dove abbiamo suonato. Credo non ci sia niente di male.

- suonare a gratis in un locale della vostra città o a 400 km da casa con solo le spese pagate?

S.M. - Suonare gratis a Bologna mi va super bene, collude con la mia pigrizia. Sogno di riuscire a suonare prima o poi nel pub a 20 metri da casa mia.

S.C. Abbiamo spesso suonato gratis all'inizio. Adesso cerchiamo il minimo indispensabile: rimborso spese e cena.
- leggere voi stessi stroncati su Rockit o su GTBT (questa è tosta, haha)

S.M. - Per fortuna entrambi avete apprezzato il nostro lavoro! Per me é indifferente, dipende dal recensore che fa l'ascolto, che se non ha gradito ha tutto il diritto di dirlo, e se ci dà dei consigli per migliorare anche meglio.

GRAZIE MILLE A VOI PER LO SPAZIO CHE CI AVETE CONCESSO.

S.C. Salvo C

S.M. Salvo M